Mest irriterende sange i musikhistorien … For mig.

af Sheldon Rocha Leal

Coverversionen er en væsentlig komponent i musikbranchen og en måde, hvorpå ægte kunstnere kan udvise deres musikalske dygtighed. Mens mange mennesker ikke er enige i sidstnævnte udsagn, tror jeg, at der er talent i at kunne tage en sang, der var et hit for en kunstner og gøre det til et endnu større hit. For eksempel var Dolly Partons “I Will Always Love You” et hit på Country-hitlisterne i 1970erne, men Whitney Houstons vokale fortolkning og David Fosters arrangement gjorde, at hendes version blev en international nr. 1 i 1992. Det handler om, hvordan den nye kunstner fortolker formuleringen. af teksterne, stemmeens klangfarve og hvordan producenten forestiller sig kompositionen / arrangementet. Det er som en indretningsarkitekt, der forestiller sig et gammelt hus, hvilket gør det bedre end originalen.

Coverversionen var afgørende for populariseringen af Rock n Roll, som havde stor gavn af en “obligatorisk licens” -bestemmelse inkluderet i Copyright Act af 1909 i USA. Dette blev senere forstærket af Copyright Act fra 1976. Elvis Presley, King of Rock n Roll og Céline Dion (to af verdens mest solgte kunstnere) er kendt for deres fortolkning af allerede eksisterende sange og coverversioner. Coverversioner er derfor den sten, som populærmusik, som vi kender den i dag, blev bygget på.

I årenes løb har jeg blevet inviteret til mange forestillinger, både formelle og uformelle, og på grund af min ekspertise blevet bedt om at bedømme forskellige konkurrencer, festivaler og talentudstillinger eller bare give min mening om forestillinger. Jeg har derfor brugt titusindvis af timer på at lytte til musik, både indspillet og live, og som med mange karrierer eller erhverv er der et par ting, der er kommet til at irritere mig gennem årene, mest omkring coverversioner.

Jeg kan ikke se kunsten at gentage en sang på samme måde som den blev oprindeligt gjort. Det er bare genoplivning, og enhver person, der praktiserer nok, kan udføre alt på samme måde som originalen. Når det er sagt, har jeg også et problem med folk, der over pynter en smukt enkel sang, da originalen undertiden ikke kan forbedres. Der er visse sange, som til tider fanger den sociale bevidsthed, hvilket resulterer i en række coverversioner, der savner mærket igen og igen.

Efter at have deltaget i et utal af forestillinger kan jeg næsten forudsige, hvilke sange en kunstner vil udføre baseret på deres stemme og musikalske opsætning og gang på gang er jeg ikke imponeret. I årenes løb er der en gruppe sange, som jeg er kommet til at afskyr, og det andet jeg hører de første par sange i musikken, vil jeg stå op og forlade rummet. Denne artikel er dedikeret til disse sange.

Hallelujah: Leonard Cohen (1984)

Jeg har aldrig særlig godt lide denne sang eller sangskriver (Leonard Cohen) . Jeg forstår det, det er en inspirerende sang, der på grund af den måde, den er skrevet på, fremkalder en Rock n Roll / Gospel-stil. Den blev komponeret af den canadiske trubadur Leonard Cohen i 1984 for hans album “Various Positions”. Sangen er kendt som en hjørnesten i moderne sekulære salmer og indeholder mange henvisninger til Bibelen. Selvom det ikke var et stort hit for Leonard Cohen (No59 USA / No36 UK) blev det en kultfavorit og inspirerede den walisiske kunstner John Cale til at dække det i 1991. Dette inspirerede til gengæld Jeff Buckley til at dække det til sit ikoniske “Grace” album i 2007 (oprindeligt indspillet omkring 1993/4), min yndlingsversion af sangen.

Sangen er blevet dækket over 300 gange og har (ifølge forskellige rettighedsorganisationer) skiftet over 5 millioner enheder internationalt. Det ser ud til, at alle og deres skødhund på grund af sin enkelhed føler, at de kan tilføje noget nyt til arrangementet, noget som Leonard Cohen måske savnede. Resultatet er en hel masse irriterende versioner, der ikke tilføjer noget til Leonard Cohen-kanonen, udover for en hel masse kontanter til Cohen-ejendommen.I dag tror enhver wannabe-trubadur i enhver smokey-klub i verden, at de kan tilføje noget andet til sangen, og hvad der kommer ud i den anden ende er en trist efterligning af originalen. Lyt snarere til Jeff Buckley-versionen, den burde have stoppet der ca. 10 år efter, at originalen blev komponeret.

Sommertid: Porgy og Bess (1934)

Sangen blev skrevet af DuBose Heyward og George og Ira Gershwin i 1934 til musikalen “Porgy and Bess”. Sangen blev skrevet for at efterligne de afroamerikanske spirituelle i tiden. Musikologer indikerer, at der er ligheder mellem “Summertime” og den traditionelle Afroamerikansk åndeligt “moderløst barn” og de ukrainske, jiddiske vuggeviser “Pipi-Pipipee” og “Oi Khodyt Son Kolo Vikon”. En af de første kendte versioner af th sangen blev indspillet af den legendariske jazzsanger Billie Holiday i 1936 og nåede nummer 12 på poplisterne i USA.

Over 25.000 versioner af sangen er blevet indspillet siden 1934, og en af de mest kritikerroste blev indspillet. i 1968 af Big Brother og Holding Company med Janis Joplin. Hendes rå vokal på det arrangement af sangen er følelsesladet og bevægende, man kan høre en livslang ophobning af smerte i denne optagelse. Denne version ansporede et væld af efterligninger, hvoraf ingen berører originalens råhed. I årenes løb har jeg hørt for mange fortolkninger af denne sang, og de fleste af dem har været kedelige og totalt spild af lufttid. Jeg tror, at kunstneren skal have gennemgået nogle stærke og smertefulde livserfaringer for at dække denne sang ordentligt. Disse vil hjælpe kunstneren til virkelig at tackle det tarmskærmende emne i sangen, ellers kommer den bare som prangende og oprigtig.

Bønnen: Céline Dion og Andrea Bocelli (1998)

Da jeg hørte denne sang for første gang, blev jeg fuldstændig sprængt væk. Det er sandsynligvis en af de smukkest udformede ballader / duetter i popmusikhistorien. Matchningen af de to stemmer er pletfri , Andreas Operatic-stemme og Celines Pop-stemme smelter godt sammen. Derudover er David Foster, Tony Renis og Carole Bayer Sagers frodige produktion subtil og meget effektiv. Alt ved denne sang er nuanceret, smukt og hjertevarmende. Sangen kommer fra et sted af oprigtighed. Det blev indspillet i 1998 som to soloversioner, en Céline engelsk version og en Andrea italiensk version til den animerede film “Quest for Camelot”. En duet mellem de to ikoniske stjerner blev senere indspillet til Céline-julealbumet “These Are The Special Times ”, som er et af de mest solgte julealbum nogensinde og Andrea Bocellis” Sogno ”album. Hvad der normalt sker i duetter mellem pop- og operasangere er, at popsangeren altid kommer svagt ud mod operaens sanger. optagelse holder imidlertid Celines stemme virkelig mod Andreas magtfulde levering.

Efter den enorme kultstatus, sangen opnåede, tog enhver wannabe crossover-kunstner og deres bedstemor det på sig selv at tilbyde deres fortolkning af sangen. Næsten ligesom Céline og Andrea muligvis savnede noget, og disse coverartister tilføjede noget nyt til arrangementet. Jeg har hørt sangen, gjort dårligt, af så mange kunstnere, og min tarmreaktion, når at høre de første par søjler i sangen, når man er ved en liveoptræden, er at rejse sig og gå ud af lokalet. Skønheden ved denne duet er, at det er subtilitet, uskyld og oprigtighed. Problemet med de fleste covers er, at kunstnerne er alt for aggressive i deres vokale tilgang og bælter de fleste noter. Nej, nej, nej, det er ikke sådan, det gøres. Efter min mening overlader denne til Céline og Andrea, de gjorde det bedst.

Endelig: fra ” Sun Valley Serenade ”(1941)

Etta James gengivelse af klassikeren “At Sidst udgivet i 1960 er en soulklassiker. Hendes kraftfulde røgagtige stemme og fortolkning af arrangementet tilføjer nyanser til sangens lyriske indhold. Selvom hendes version nogensinde kun toppede som nr. 30 på Billboard Hot100, betragtes den som en af hendes underskrift og blev til sidst optaget i Grammy Hall of Fame i 1999. Sangen blev oprindeligt skrevet af Mack Gordon og Harry Warren i 1941 til musical “Sun Valley Serenade” og er blevet ombygget af utallige kunstnere, herunder Beyoncé, Céline, Christina Aguilera, Ray Anthony og Gene Watson.

I de senere år er det blevet en favorit blandt mange divaer og wannabe-divaer, der ønsker at vise deres fantastiske musikalske muskel ved at forsøge at gengive denne usædvanligt vanskelige vokalsang. Skønheden i Etta James version var dens enkelhed, under pyntede og korte subtile sætninger og rå, næsten off pitch, smokey vokal. Disse nye versioner er modbydelige med aflange toner, over pyntede sætninger og over bæltetoner ødelægger det sangens budskab fuldstændigt. Derudover var det ikke det, der gjorde Ettas version til en Grammy Hall of Fame-inducer. Disse nye versioner kom amatør, prøv hårdt og fuldstændig oprigtig. De har ødelagt sangen for mig. Tak … næste …

Forever Young: Alphaville (1984)

Da jeg var omkring 8 år blev denne sang udgivet af det tyske band Alphaville, og folk blev helt gale for det. Jeg har aldrig appelleret til sangen og har stadig ikke den dag i dag. Selvom sangens stemning er beundringsværdig, er den faktiske musik forfærdelig, og sangstilen er forfærdelig. Når det er sagt, var jeg aldrig en stor fan af den nye romantiske æra, der dominerede musikscenen i begyndelsen til midten af 1980erne. Al hype med hensyn til denne sang, bortset fra at den kun nogensinde toppede på No65 USA / No98 UK. Hvor den opnåede sin største succes var i germanske lande som Sverige (nr. 1), Norge (nr. 3) og Tyskland (nr. 4), og i Sydafrika toppede sangen sig på nummer 7, hvilket ville forklare, hvorfor jeg hørte det så mange gange.

Det er blevet dækket af et væld af kunstnere, mindst 15, herunder: One Direction; Laura Branigan; Wayne Wonder, Beyoncé og Maroon 5. For mig var sangen dårlig nok i sin oprindelige inkarnation, hvorfor har folk brug for at se det igen og igen. Én gang er nok !!! Jeg antager, at appellen er, at originalen er så enkel og arrangementet så sparsomt, at det lader døren være åben for andre kunstnere at tilføje deres krydderi til sangen. Når det er sagt, har ingen nogensinde rigtigt tilføjet noget nyt til denne sang, og det forbliver i alle sine gentagelser en forfærdelig sang.

Til sidst er jeg en kæmpe fortaler for coverversionen, og jeg værdsætter kunstneriet bag en kunstners fortolkning af en sang. Men i samme åndedrag tror jeg, at det er vigtigt, at kunstneren, der dækker en sang, skal bruge tid og energi på at tolke en sang tilstrækkeligt. At dække en sang handler ikke altid om, hvem der kan levere den mest indviklede vokal, eller hvem der kan bælte bestemte toner. Det handler ikke om, hvem der kan ramme de højeste toner, eller hvem der kan holde toner i den længste periode, det handler om, hvem der kan levere den bedste besked. Det handler om, hvem der er den mest oprigtige, og hvem der er i stand til at fortolke en sangs budskab.

At være en fænomenal sanger eller instrumentalist gør ikke altid en til den bedste tolk af musik. Dette fremgår tydeligt af alle ovenstående sange, som var ikoniske for visse mindre kendte kunstnere, men ikke var hits for kunstnere, som man kunne forvente. Enkelhed og oprigtighed er undertiden nøglerne til store hits, og folk, der ønsker at være kunstnere, har brug for at forstå det og snarere bruge tiden på at analysere en sang og lave deres forskning i modsætning til bare at bælte ud noter. Sangen skal betyde noget for den udøvende kunstner for at den kan flytte et publikum.