Mest irriterande låtar i musikhistoriken … För mig.

av Sheldon Rocha Leal

Coverversionen är en väsentlig del av musikbranschen och ett sätt på vilket sanna artister kan visa upp sin musikaliska skicklighet. Medan många inte håller med om det senare uttalandet, tror jag att det finns talang i att kunna ta en låt, som var en hit för en artist och göra den till en ännu större hit. Till exempel var Dolly Partons ”I Will Always Love You” en hit på Country-listorna på 1970-talet, men Whitney Houstons sångtolkning och David Fosters arrangemang gjorde hennes version till en internationell nr 1 1992. Det handlar om hur den nya artisten tolkar formuleringen av texterna, röstens klang och hur producenten föreställer sig kompositionen / arrangemanget. Det är som en inredningsarkitekt som föreställer sig ett gammalt hus, vilket gör det bättre än originalet.

Omslagsversionen var viktigt för populariseringen av Rock n Roll, som gynnades mycket av en ”obligatorisk licens” -bestämmelse som ingår i Copyright Act från 1909 i USA. Detta förstärktes senare av Copyright Act från 1976. Elvis Presley, King of Rock n Roll och Céline Dion (två av världens mest sålda artister) är kända för sina tolkningar av redan existerande låtar och coverversioner. Omslagsversioner är därför den sten som populärmusik, som vi känner den idag, byggdes på.

Under åren har jag har bjudits in till många föreställningar, både formella och informella och på grund av min expertis ombedd att bedöma olika tävlingar, festivaler och talangshower eller bara ge min åsikt om föreställningar. Jag har därför spenderat tiotusentals timmar på att lyssna på musik, både inspelad och live, och som med många karriärer eller yrken finns det några saker som har kommit att irritera mig genom åren, mestadels kring omslagsversioner.

Jag ser inte konsten att göra om en låt på samma sätt som den gjordes ursprungligen. Det är bara uppstötning, och alla som tränar nog kan utföra vad som helst på samma sätt som originalet. Med detta sagt har jag också problem med människor som förskönar en vackert enkel låt, eftersom originalet ibland inte kan förbättras. Det finns vissa låtar som ibland fångar det sociala medvetandet vilket resulterar i en massa täckversioner som missar märket gång på gång.

Efter att ha deltagit i en myriad av föreställningar kan jag nästan förutsäga vilka låtar en artist kommer utföra baserat på deras röst och musikaliska inställningar och gång på gång är jag imponerad. Under åren finns det en grupp låtar som jag har avskräckt och när jag hör de första barerna i musiken kommer jag att stå upp och lämna rummet. Denna artikel är tillägnad dessa låtar.

Halleluja: Leonard Cohen (1984)

Jag har aldrig gillat den här låten eller låtskrivaren (Leonard Cohen) . Jag förstår det, det är en inspirerande sång, som på grund av det sätt på vilket den skrivs framkallar en Rock n Roll / Gospel-stil. Den komponerades av den kanadensiska trubaduren Leonard Cohen 1984 för hans album ”Various Positions”. Låten noteras som en hörnsten i moderna sekulära psalmer och innehåller många referenser till Bibeln. Även om den inte var en stor hit för Leonard Cohen (No59 USA / No36 UK) blev det en kultfavorit och inspirerade den walesiska artisten John Cale, för att täcka den 1991. Detta inspirerade i sin tur Jeff Buckley att täcka det för sitt ikoniska ”Grace” -album 2007 (ursprungligen inspelat omkring 1993/4), min favoritversion av låten.

Låten har täckts över 300 gånger och har (enligt olika rättighetsorganisationer) flyttats över 5 miljoner enheter internationellt. Det verkar som om alla på grund av sin enkelhet känner att alla och deras knähund kan lägga till något nytt i arrangemanget, något som Leonard Cohen kanske missade. Resultatet är en hel del irriterande versioner som inte lägger till något till Leonard Cohen-kanonen, förutom för mycket mycket pengar för Cohen-gården.Numera tror varje wannabe-trubadur, i varje rökig klubb i världen att de kan lägga till något annat till låten och det som kommer ut i andra änden är en sorglig imitation av originalet. Lyssna snarare på Jeff Buckley-versionen, den borde ha stannat där, ungefär tio år efter att originalet kom.

Sommartid: Porgy och Bess (1934)

Låten skrevs av DuBose Heyward och George och Ira Gershwin 1934 för musikalen ”Porgy and Bess”. Låten skrevs för att imitera de afroamerikanska andarna i tiden. Musikologer visar att det finns likheter mellan ”Summertime” och den traditionella African American andliga ”Motherless Child” och de ukrainska, jiddiska vaggvisorna ”Pipi-Pipipee” och ”Oi Khodyt Son Kolo Vikon”. En av de första kända versionerna av låten spelades in av den legendariska jazzsångerskan Billie Holiday 1936 och nådde nummer 12 på pop-listorna i USA.

Över 25 000 versioner av låten har spelats in sedan 1934 och en av de mest kritikerrosade spelades in. 1968 av Big Brother and the Holding Company med Janis Joplin. Hennes råa sång om det arrangemanget av låten är känslomässigt och rörande, man kan höra en livslång ansamling av smärta i inspelningen. Den versionen ansporade en mängd efterlikningar, varav ingen berör originalets råhet. Under åren har jag hört för många nytolkningar av den här låten och de flesta av dem har varit svaga och totalt slöseri med airtime. Jag tror att artisten måste ha gått igenom några kraftfulla och smärtsamma livserfarenheter för att täcka den här låten ordentligt. Dessa kommer att hjälpa konstnären att verkligen ta itu med det tarmskruvande ämnet i låten, annars kommer det bara som pråligt och uppriktigt.

Bönen: Céline Dion och Andrea Bocelli (1998)

När jag hörde den här låten för första gången blev jag helt borttappad. Det är förmodligen en av de vackraste utformade balladerna / duetterna i popmusikhistorien. Matchningen av de två rösterna är obefläckad , Andreas Operatic-röst och Célines Pop-röst smälter väl ihop. Dessutom är David Foster, Tony Renis och Carole Bayer Sagers frodiga produktion subtil och väldigt effektiv. Allt om den här låten är nyanserad, vacker och hjärtvärmande. Låten kommer från en plats av uppriktighet. Det spelades in 1998 som två soloversioner, en Céline engelsk version och en Andrea-italiensk version för den animerade filmen ”Quest for Camelot”. En duett mellan de två ikoniska stjärnorna spelades in senare för Céline-julalbumet ”These Are The Special Times ”, som är ett av de mest sålda julalbumen genom tiderna och Andrea Bocellis” Sogno ”-album. Det som normalt händer i duetter mellan pop- och operasångare är att popsångaren alltid kommer ut och låter svag mot operasångaren. inspelning, men Celines röst håller verkligen sin mark mot Andrea: s kraftfulla leverans.

Efter den enorma kultstatus som låten uppnådde, tog varje wannabe cross-over artist och deras mormor på sig att erbjuda sin tolkning nästan som Céline och Andrea kanske missade något och dessa coverartister lade till något nytt i arrangemanget. Jag har hört låten, gjort dåligt, av så många artister, och min tarmreaktion när att höra de första barerna i sången, när man är vid liveuppträdande, är att stå upp och gå ut från arenan. Skönheten i denna duett är att det är subtilitet, oskuld och uppriktighet, problemet med de flesta omslagen är att artisterna är alldeles för aggressiva i sin vokala inställning och binder ut de flesta noterna. Nej, nej, nej, så är det inte. Enligt min åsikt, lämna den här till Céline och Andrea, de gjorde det bäst.

Äntligen: från ” Sun Valley Serenade ”(1941)

Etta James återgivning av klassikern ”At Senast ”släppt 1960, är en soulklassiker. Hennes kraftfulla rökröst och tolkning av arrangemanget ger nyans till det lyriska innehållet i sången. Även om hennes version bara nådde topp nr 30 på Billboard Hot100, anses den vara en av hennes signaturlåtar och infördes så småningom i Grammy Hall of Fame 1999. Låten skrevs ursprungligen av Mack Gordon och Harry Warren 1941 för musikalen ”Sun Valley Serenade” och har gjorts om av otaliga artister, inklusive Beyoncé, Céline, Christina Aguilera, Ray Anthony och Gene Watson.

Under senare år har det blivit en favorit bland många divor och wannabe-divor som vill ha att visa upp sin fantastiska musikaliska muskel genom att försöka återföra denna exceptionellt svåra sång. Skönheten i Etta James version var dess enkelhet, under utsmyckade och korta subtila fraser och rå, nästan off pitch, smokey vokal. Dessa nya versioner är motbjudande , med långsträckta toner, över utsmyckade fraser och över bältade toner, förstör det helt låtens budskap. Dessutom var det inte det som gjorde Ettas version till en Grammy Hall of Fame-inducerad. kom av amatör, försök hårt och helt uppriktigt. De har förstört låten för mig. Tack … nästa …

Forever Young: Alphaville (1984)

När jag var ungefär åtta år släpptes den här låten av det tyska bandet Alphaville och folk blev helt galna för det. Jag fick aldrig sångens överklagande och gör det fortfarande inte den här dagen. Även om sångens känslor är beundransvärda är själva musiken hemsk och sångstilen är hemsk. Med detta sagt var jag aldrig ett stort fan av den nya romantiska eran som dominerade musikscenen tidigt till mitten av 1980-talet. All hype angående den här låten, förutom att den bara någonsin nådde toppen på No65 USA / No98 UK. Där den uppnådde sin största framgång var i germanska länder som Sverige (No1), Norge (No3) och Tyskland (No4) och i Sydafrika toppade låten till No7, vilket skulle redogöra för varför jag hörde det så många gånger.

Det har täckts av en mängd konstnärer, minst 15, inklusive: One Direction; Laura Branigan; Wayne Wonder, Beyoncé och Maroon 5. För mig var låten tillräckligt dålig i sin ursprungliga inkarnation, varför behöver människor återbesöka den gång på gång. En är tillräckligt!!! Jag antar att överklagandet är att originalet är så enkelt och arrangemanget så gles att det lämnar dörren öppen för andra artister att lägga till sin krydda till låten. Med detta sagt har ingen någonsin lagt till något nytt i den här låten och den förblir, i alla sina iterationer, en hemsk sång.

Avslutningsvis är jag en enorm förespråkare av omslagsversionen och jag värdesätter konstnären bakom en konstnärs tolkning av en sång. Men i samma andedräkt tror jag att det är väsentligt att artisten som täcker en sång behöver spendera tid och energi på att tolka en sång tillräckligt. Att täcka en låt handlar inte alltid om vem som kan leverera den mest invecklade sången eller vem som kan bälta specifika toner. Det handlar inte om vem som kan slå de högsta noterna eller vem som kan hålla noterna under den längsta tiden, det handlar om vem som kan leverera det bästa meddelandet. Det handlar om vem som är den mest uppriktiga och vem som kan tolka budskapet i en sång.

Att vara en fenomenal sångare eller instrumentalist gör inte alltid en till den bästa tolkaren av musik. Detta framgår av alla ovanstående låtar, som var ikoniska för vissa mindre kända artister, men inte var hits för artister som man skulle förvänta sig. Enkelhet och uppriktighet är ibland nycklarna till stora hits och människor som vill vara artister behöver förstå det och hellre ägna sig åt tid åt att analysera en låt och göra sin forskning, i motsats till att bara ställa ut toner. Låten måste betyda något för artisten för att den ska kunna flytta en publik.