Los artistas de bodegones más famosos

El bodegón es un género artístico que abarca miles de años, desde el tallador y pintado de frescos de bodegones del Antiguo Egipto de artistas anónimos hasta artistas holandeses del siglo XVI que hicieron de la pintura de naturaleza muerta una forma de arte legítima y los pintores franceses del siglo XIX que iniciaron el movimiento impresionista.

La naturaleza muerta siguió siendo una forma de arte popular y fue revivido en la década de 1950 por artistas como Andy Warhol, Roy Lichtenstein y más tarde por artistas como Judy Chicago y Keith Haring.

Hemos seleccionado algunas de las piezas más famosas e influyentes de arte de la vida desde principios del siglo XVII hasta la década de 1950.

«Cesta de frutas» de Caravaggio

Michelangelo Merisi Caravaggio fue un pintor italiano nacido en Milán a finales del siglo XVI. siglo. Es famoso por pintar algunas de las pinturas religiosas más apreciadas por la crítica de su tiempo o desde entonces. Su estilo se basó en gran medida en el uso de la técnica del claroscuro, utilizando fondos muy oscuros y rayos de luz muy claros y luminosos para iluminar a los personajes de sus pinturas.

Su estilo, que luego se conocería como tenebrismo, tuvo una significativa influencia en la siguiente generación de artistas y este elemento estilístico se puede ver en la obra del artista holandés Rembrandt, aunque Rembrandt nunca viajó a Italia para estudiar a los maestros pintores italianos.

La cesta de frutas se pintó alrededor de 1599 y se destaca en la obra de Caravaggio como una de las dos únicas pinturas de naturaleza muerta.

Uno de los trucos que Caravaggio utilizó a menudo durante su carrera fue el trampantojo. En esta pintura, el realismo cuasifotográfico que muestra engaña a nuestros ojos y cerebro haciéndoles pensar que las frutas están casi saliendo del lienzo.

Con Naturaleza muerta con frutas en una repisa de piedra, Caravaggio inició la obra romana movimiento de naturaleza muerta a pesar de que tomaría algo de tiempo para que el movimiento realmente comience.

Serie «Nenúfares» de Claude Monet

Claude Monet fue uno de los fundadores del movimiento impresionista que comenzó en París en la década de 1860. El nombre del movimiento en sí vino de una de las pinturas de Monet Impresión, amanecer, un título que se utilizó por primera vez para burlarse del creciente movimiento.

A lo largo de su carrera, Monet siguió siendo el principal líder de la Movimiento impresionista y ha sido su artista más prolífico. Una de las formas en que Monet logró el juego previsto con la luz natural fue pintando la misma escena una y otra vez, en un momento diferente del día o en una estación diferente.

Monet fue un pintor meticuloso y muy motivado. Dedicó períodos prolongados de su tiempo a estudiar el efecto del humo, el vapor, la lluvia o la niebla en la refracción de la luz. Este estudio lo llevó a volver a pintar la misma escena una y otra vez para capturar tantos detalles como pudiera.

Su serie Water Lilies, con más de 250 pinturas, incluye algunas de sus obras de arte más famosas. El óleo sobre lienzo titulado Water Lily Pond y pintado en 1919, es una de las obras de arte europeas más caras jamás vendidas. Alcanzó el precio de 80.451.178 dólares en 2008 en una subasta en Christie «s, Londres.

«La canasta de manzanas» de Paul Cézanne

Paul Cezanne es probablemente uno de los más influyentes artistas del siglo XIX. Cuando surgió el movimiento impresionista, se unió con gusto a Pisaro, Renoir y Monet en la creación de increíbles pinturas y retratos de paisajes impresionistas. Durante la mayor parte de la década de 1870, Cézanne se apegó al estilo impresionista, pero a pesar de que sus pinturas se exhibieron en exposiciones junto a otros artistas del movimiento, el trabajo de Cézanne siempre fue algo más, no del todo impresionista.

Cezanne trabajó mucho, estudiando la relación entre las formas geométricas naturales. Siempre quiso reducir cualquier elemento natural a su forma geométrica más pura. Muchos críticos de la época sugirieron que la interpretación de las composiciones de Cézanne se debió a una vista deficiente, pero ninguna evidencia sugirió tal cosa.

El trabajo de Cézanne, durante la mayor parte de su carrera, era una mezcla de retratos de la vida y naturalezas muertas, incluidos paisajes y «naturaleza muerta».

Parte de su trabajo influyó directamente en los movimientos postimpresionistas, incluido el movimiento cubista, pero en su conjunto, el legado de Cézanne fue ser uno de los artistas más revolucionarios de su tiempo y alterar el curso de desarrollo del arte moderno. Le marcó los caminos de Vincent Van Gogh, Picasso y Gaughin.

La pintura de la Cesta de manzanas incluye muchos elementos que se utilizarían para cerrar la brecha entre el impresionismo y el cubismo:

• la perspectiva desarticulada
• los aspectos desequilibrados de la imagen que se unen para equilibrar toda la composición
• los dos puntos de vista simultáneos.

«Living Still Life» de Salvador Dali

Salvador Domingo Felipe Jacinto D alí i Domènech, 1er marqués de Dalí de Púbol o simplemente Salvador Dali, fue probablemente uno de los artistas más excéntricos y extravagantes del siglo XX.

También fue un genio artístico y contribuyó con obras de arte en muchos campos, desde dibujos, pinturas, esculturas hasta fotografías, escritos, películas e incluso la moda.

Estaba fascinado por la física cuántica y el trabajo de Werner Heisenberg sobre el principio de incertidumbre. Esta fascinación se tradujo en su trabajo y muchas de sus pinturas incluyeron elementos y símbolos que reconocen la nueva ciencia.

Si bien Dalí fue muy influenciado por los pintores del Renacimiento, sin embargo, algunas de sus obras también incluyen elementos cubistas y más tarde Dali desarrollaría su propia interpretación del surrealismo y el dadaísmo posteriores a la Primera Guerra Mundial.

Nature Morte Vivante o Living Still Life fue pintado por Dalí en 1956. En ese momento, el pintor estaba experimentando con un estilo que llamó Nuclear Misticismo. En tales obras maestras, Dalí trató de establecer el vínculo entre la física cuántica y la mente humana.

Dalí compuso este lienzo y trató de vincular elementos del arte, la ciencia y la física y creía que a pesar de la naturaleza inmóvil e inmóvil de En una pintura de naturaleza muerta, los átomos que componían los objetos representados en la imagen o la pintura misma, siempre se mueven, en un movimiento constante e infinito.

Dalí tomó con éxito el tema centenario de naturaleza muerta y agregó su propio estilo característico al tiempo que transmite al espectador lo que realmente quería decir con misticismo nuclear.

«32 Campbell» s Soup Cans «de Andy Warhol

Nacido en Pittsburgh, Pensilvania, de padres inmigrantes eslovacos, Andy Warhol no predestinó mucho a convertirse en el líder de la cultura pop en la floreciente década de 1960.

Cuando era un niño enfermizo, a menudo estaba postrado en cama y más tarde en Life describió esa época de recopilar fotografías de estrellas de cine y escuchar la radio con su madre como un período de gran importancia en el desarrollo de su personalidad, habilidades y preferencias.

Al principio de su carrera, Warhol trabajó como artistas comerciales y publicitarios; continuó haciendo un trabajo extenso para el fabricante de zapatos estadounidense, Israel Miller.

Warhol, quien había sido descubierto por el mundo del arte por sus inusuales dibujos a tinta de anuncios de calzado, comenzó a exhibir su trabajo en galerías de Nueva York durante a finales de los 50 y luego en Los Ángeles a principios de los 60.

Al mismo tiempo que empezó a abrirse paso en el mundo del arte, RCA Records lo contrató para diseñar portadas de álbumes y material promocional para bandas de la época.

Fue durante la década de 1960 cuando el trabajo de Andy Warhol se hizo realmente famoso y su influencia sobre la cultura pop estadounidense se estableció. Dominó el arte del grabado utilizando temas abstractos y realistas que capturaban la esencia de objetos o celebridades.

Durante esa década, produjo pinturas de objetos icónicos de la vida cotidiana en Estados Unidos, como las latas de sopa o Coca de Campbell. -Cola botellas y también empezó a pintar personalidades que le fascinaban: actores, cantantes y personas influyentes como Marilyn Monroe, Marlon Brando o Elizabeth Taylor.

Puso en marcha The Factory, un estudio de arte, que se convirtió en un hub para artistas, músicos, escritores, periodistas y actores, y celebridades clandestinas.

Lamentablemente, Andy Warhol recibió un disparo en 1968 y sufrió lesiones que lo afectarían por el resto de su vida. Experimentó una disminución de su popularidad en la década de 1970, cuando el resto del mundo del arte lo percibía más como un emprendedor y hombre de negocios que como un artista.

A pesar de las críticas de la época, Warhol siguió trabajando en su arte, a menudo con mecenas adineradas. En 1979 cofundó la Academia de Arte de Nueva York, una escuela privada de arte de posgrado que hoy ofrece una de las maestrías en Bellas Artes más reconocidas de los Estados Unidos.

La Academia de Arte de Nueva York El arte incluye de todo, desde clases de naturaleza muerta y dibujo natural hasta demostraciones, exposiciones y galerías. Comenzó con lecciones de dibujo y clases de pintura para estudiantes de todos los niveles donde pueden ser enseñados por artistas profesionales.

Andy Warhol murió en febrero de 1987 por las complicaciones de una cirugía de vesícula biliar.

Su El impacto en nuestra cultura moderna todavía se puede ver en casi todas partes. Las ventas de arte presentan su obra de arte todo el tiempo (una sexta parte de todas las ventas de arte contemporáneo), y su estilo ha influido tanto en el «arte moderno clásico» como en la cultura pop.

Sus 32 latas de sopa Campbell es probablemente el bodegón más famoso obra maestra de la era moderna. Con esta obra, Warhol vinculó técnicas clásicas, como la pintura y el dibujo, con procesos avanzados.

Cada uno de los contornos de las 32 latas de sopa se dibujó primero en el lienzo con un proyector , luego se pintaron a mano la lata y la etiqueta, y también se proyectaron las letras antes de pintarlas, y finalmente, se selló el logo de la flor de lis con una goma de borrar reciclada.

En el momento en que él primero exhibió esta serie, en una exposición individual en Los Ángeles, causó grandes controversias, algunos críticos cuestionaron el motivo artístico de Warhol y negaron que su trabajo tuviera algún valor real como arte.

Hoy su arte es reconocidos como algunos grandes ejemplos del arte pop y se encuentran entre las obras maestras del arte pop más caras. Una de sus latas de sopa Campbell pequeñas se vendió por $ 11,776,000 en 2006 y fue el precio más alto de cualquiera de las series de sopa Campbell.

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