Cei mai renumiți artiști din viață moartă

Natura mortă este un gen de artă care se întinde pe mii de ani, de la sculpturile și picturile de pictură în picturile de pictură din Egiptul Antic. de artiști anonimi către artiști olandezi din secolul al XVI-lea care au făcut din pictura naturii moarte o formă de artă legitimă și pictorii francezi din secolul al XIX-lea care au început mișcarea impresionistă.

Natura mortă a continuat să fie o formă de artă populară și a fost reînviat în anii 1950 de artiști precum Andy Warhol, Roy Lichtenstein și mai târziu de artiști precum Judy Chicago și Keith Haring.

Am selectat unele dintre cele mai faimoase și influente piese de arta vieții de la începutul secolului al XVII-lea până în anii 1950 „s.

„ Coș cu fructe ”de Caravaggio

Michelangelo Merisi Caravaggio a fost un pictor italian născut la Milano la sfârșitul secolului al XVI-lea secol. Este renumit pentru că a pictat unele dintre cele mai apreciate picturi religioase din epoca sa sau de atunci. Stilul său s-a bazat în mare măsură pe utilizarea tehnicii clarobscurului, folosind fundaluri foarte întunecate și arbori de lumină foarte clare și luminoase pentru a ilumina personajele din picturile sale.

Stilul său, care mai târziu a devenit cunoscut sub numele de tenebrism, a avut un rol semnificativ. influență asupra următoarei generații de artiști și acest element stilistic poate fi văzut în opera artistului olandez Rembrandt, chiar dacă Rembrandt nu călătorește niciodată în Italia pentru a studia maeștrii pictori italieni.

Coșul cu fructe a fost pictat în jurul anului 1599 și se remarcă în opera lui Caravaggio ca fiind una dintre cele două picturi de natura moartă.

Unul dintre trucurile pe care Caravaggio le-a folosit adesea în timpul carierei sale a fost trompe l „oeil. În acest tablou, realismul cvasifotografic pe care îl afișează ne păcălește ochii și creierul să creadă că fructele aproape că ies din pânză.

Cu Natura mortă cu fructe pe un corniș de piatră, Caravaggio a început romanul mișcare de natură moartă, chiar dacă ar dura ceva timp ca mișcarea să înceapă cu adevărat.

Seria „Nuferi” de Claude Monet

Claude Monet a fost unul dintre fondatorii mișcării impresionismului care a început la Paris în anii 1860. Numele mișcării în sine a venit dintr-una dintre picturile lui Monet Impression, Sunrise, un titlu care a fost folosit pentru a batjocori mișcarea în creștere.

De-a lungul carierei sale, Monet a rămas principalul lider al Mișcarea impresionistă și a fost cel mai prolific artist al ei. Unul dintre modurile în care Monet a realizat jocul dorit de lumină naturală a fost prin pictarea aceleiași scene din nou și din nou, la un moment diferit al zilei sau la un anotimp diferit.

Monet a fost un pictor meticulos și foarte condus. A petrecut perioade îndelungate din timpul său pentru a studia efectul fumului, aburului, ploii sau ceații asupra refracției luminii. Acest studiu l-a determinat să picteze din nou aceeași scenă din nou și din nou pentru a surprinde cât mai multe detalii posibil.

Seria sa de nuferi, cu peste 250 de picturi, include unele dintre cele mai faimoase opere de artă ale sale. Pictura în ulei pe pânză intitulată Iazul de nuferi și pictată în 1919 este una dintre cele mai scumpe opere de artă europene vândute vreodată. A ajuns la prețul de 80.451.178 dolari în 2008 la o licitație din Christie, Londra.

„Coșul cu mere” de Paul Cézanne

Paul Cezanne este probabil unul dintre cei mai influenți artiști ai secolului al XIX-lea. Când a apărut mișcarea impresionistă, el s-a alăturat cu bucurie lui Pisaro, Renoir și Monet în crearea unor picturi și portrete impresionante de peisaj impresionist. În cea mai mare parte a anilor 1870, Cezanne s-a lipit de stilul impresionist, dar chiar dacă picturile sale au fost expuse în expoziții alături de alți artiști ai mișcării, opera lui Cezanne a fost întotdeauna altceva, nu chiar în întregime impresionistă.

Cezanne a lucrat mult, studiind relația dintre formele geometrice naturale. El a dorit întotdeauna să reducă orice element natural la cea mai pură formă geometrică a acestuia. Mulți critici ai vremii au sugerat că redarea compozițiilor lui Cezanne s-a datorat unei afectări a vederii, dar nici o dovadă nu a sugerat vreodată așa ceva.

Opera lui Cezanne, pentru cea mai mare parte a carierei sale, a fost un amestec de portrete și naturi moarte, inclusiv peisaje și „nature morte”.

Unele dintre lucrările sale au influențat direct mișcările postimpresioniste, inclusiv mișcarea cubismului, dar, în ansamblu, moștenirea lui Cezanne urma să fie unul dintre cei mai revoluționari artiști ai timpului său și să modifice cursul dezvoltarea artei moderne. I s-au stabilit căile lui Vincent Van Gogh, Picasso și Gaughin.

Pictura Coșului de mere include multe elemente care ar fi folosite pentru a acoperi decalajul dintre impresionism și cubism:

• perspectiva dezarticulată
• aspectele dezechilibrate ale imaginii care se reunesc pentru a echilibra întreaga compoziție
• cele două puncte de vedere simultane.

„Living Still Life” de Salvador Dali

Salvador Domingo Felipe Jacinto D alí i Domènech, primul marchiz de Dalí de Púbol sau pur și simplu Salvador Dali, a fost probabil unul dintre cei mai excentrici și extravaganti artiști ai secolului XX.

El a fost, de asemenea, un geniu artistic și a contribuit cu lucrări de artă în multe domenii, de la desene, picturi, sculpturi la fotografii, scrieri, filme și chiar modă.

El a fost fascinat de fizica cuantică și de lucrarea lui Werner Heisenberg despre principiul incertitudinii. Această fascinație s-a tradus în opera sa și multe dintre picturile sale au inclus elemente și simbol care recunoaște noua știință.

În timp ce Dali a fost foarte influențat de pictorii Renașterii, totuși unele dintre lucrările sale includ și elemente cubiste și mai târziu Dali avea să-și dezvolte propria interpretare a mișcărilor suprarealiste și dadaiste post-primul război mondial.

Nature Morte Vivante sau Living Still Life a fost pictată de Dali în 1956. La vremea respectivă, pictorul se confrunta cu un stil pe care îl numea Nuclear. Misticism. În astfel de capodopere, Dali a încercat să traseze legătura dintre fizica cuantică și mintea umană.

Dali a compus această pânză și a încercat să lege elemente de artă, știință și fizică și a crezut că, în ciuda naturii nemișcate și nemișcate a o astfel de pictură de natură moartă, atomii care au compus fie obiectele reprezentate pe imagine, fie pictura în sine, sunt mereu în mișcare, într-o mișcare constantă, infinită.

Dali a luat cu succes subiectul vechi de un secol de natură moartă și și-a adăugat propriul stil de semnătură în timp ce transmitea privitorului ce înțelegea cu adevărat prin misticism nuclear.

„32 Cutii pentru supă Campbell” de Andy Warhol

ăscut în Pittsburgh, Pennsylvania, din părinți imigranți slovaci, nu prea l-a predestinat pe Andy Warhol să devină liderul culturii pop din perioada în plină expansiune din anii 1960.

În copilărie bolnavă, a fost adesea la pat și mai târziu în viața a descris acea perioadă de strângere de imagini cu vedete de film și ascultare la radio cu mama sa ca o perioadă de mare importanță în dezvoltarea personalității sale, a setului de abilități și a preferințelor sale.

La începutul carierei sale, Warhol a lucrat ca artiști comerciali și publicitari; a continuat să facă o muncă extinsă pentru producătorul american de pantofi, Israel Miller.

Warhol, care a fost văzut de lumea artei pentru desenele sale neobișnuite cu cerneală, a început să-și expună lucrările în galeriile din New York în timpul la sfârșitul anilor 50 și apoi la Los Angeles la începutul anilor 60.

În același timp, a început să străpungă lumea artei, a fost angajat de RCA Records pentru a proiecta coperte și materiale promoționale pentru trupele vremii.

În anii 1960, opera lui Andy Warhol a devenit cu adevărat celebră și s-a consolidat influența sa asupra culturii pop americane. El a stăpânit arta tipografiei folosind atât subiecte abstracte, cât și subiecte realiste, capturând esența obiectelor sau a celebrităților. -Cola sticle și, de asemenea, a început să picteze personalități care l-au fascinat: actori, cântăreți și oameni influenți precum Marilyn Monroe, Marlon Brando sau Elizabeth Taylor.

El a început Factory, un studio de artă, care a devenit un hub pentru artiști, muzicieni, scriitori, jurnaliști și actori și celebrități underground.

Din păcate, Andy Warhol a fost împușcat în 1968 și a suferit răni care l-ar avea impact pentru tot restul vieții. A cunoscut o scădere a popularității în anii 1970 când a fost perceput de restul lumii artei ca fiind mai mult un antreprenor și om de afaceri decât un artist.

În ciuda criticilor din acea vreme, Warhol a continuat să lucreze la arta sa, adesea cu patroni bogați. În 1979 a co-fondat Academia de Artă din New York, o școală privată de artă absolventă care astăzi oferă unul dintre cei mai bine considerați Maeștri de Arte Plastice din Statele Unite.

Academia de New York Arta include totul, de la cursuri de desen de viață și de viață la demonstrații, expoziții și galerii. A început lecții de desen și cursuri de pictură pentru studenți de toate nivelurile, unde pot fi predate de artiști profesioniști.

Andy Warhol a murit în februarie 1987 din cauza complicațiilor unei intervenții chirurgicale a vezicii biliare.

impactul asupra culturii noastre moderne poate fi văzut încă peste tot. Vânzările de artă prezintă lucrările sale de artă tot timpul (o șesime din toate vânzările de artă contemporană), iar stilul său a influențat atât „arta modernă clasică”, cât și cultura pop.

Cele 32 de cutii pentru supă ale lui Campbell este probabil cea mai faimoasă natură moartă capodoperă a erei moderne. Cu această lucrare, Warhol a legat atât tehnici clasice, cum ar fi pictura și desenul, cu procese avansate.

Fiecare dintre contururile celor 32 de supe a fost desenată mai întâi pe pânză folosind un proiector , apoi cutia și eticheta au fost pictate manual, iar literele au fost proiectate și înainte de a fi vopsite și, în cele din urmă, sigla fleur-de-lys a fost ștampilată folosind o radieră din cauciuc reciclat.

a afișat această serie, într-o expoziție individuală din Los Angeles, a provocat mari controverse, unii critici punând la îndoială motivul artistic al lui Warhol și neagând că opera sa are vreo valoare reală ca artă.

Astăzi arta sa este recunoscut ca câteva exemple grozave de Pop Art și se numără printre cele mai scumpe capodopere de Pop Art. Una dintre micile sale Supe Campbell Torn Torn s-a vândut cu 11.776.000 de dolari în 2006 și a fost cel mai mare preț dintre oricare dintre seria Campbell Soup.

Consultați cursurile de desen din Londra.

Găsiți lecții de desen online.