Os mais famosos artistas de natureza morta

Natureza morta é um gênero de arte que abrange milhares de anos, desde afrescos de natureza morta egípcia antiga esculpidos e pintados de artistas anônimos a artistas holandeses do século XVI que fizeram da pintura de natureza morta uma forma de arte legítima e aos pintores franceses do século XIX que deram início ao movimento impressionista.

A natureza morta continuou a ser uma forma de arte popular e foi revivido na década de 1950 por artistas como Andy Warhol, Roy Lichtenstein e, posteriormente, por artistas como Judy Chicago e Keith Haring.

Selecionamos algumas das peças mais famosas e influentes de imagens estáticas arte da vida do início do século 17 aos anos 1950.

“Cesta de frutas” de Caravaggio

Michelangelo Merisi Caravaggio foi um pintor italiano nascido em Milão no final do século XVI século. Ele é famoso por pintar algumas das pinturas religiosas mais avaliadas pela crítica de sua época ou desde então. Seu estilo baseava-se fortemente no uso da técnica de claro-escuro, usando fundos muito escuros e feixes de luz muito claros e luminosos para iluminar os personagens em suas pinturas.

Seu estilo, que mais tarde ficou conhecido como tenebrismo, teve um significado significativo influência na geração seguinte de artistas e este elemento estilístico pode ser visto na obra do artista holandês Rembrandt, embora Rembrandt nunca tenha viajado à Itália para estudar mestres pintores italianos.

A cesta de frutas foi pintada por volta de 1599 e se destaca na obra de Caravaggio como uma das duas únicas pinturas de naturezas mortas.

Um dos truques que Caravaggio usou com frequência durante sua carreira foi trompe l “oeil. Nesta pintura, o realismo quase fotográfico que exibe engana nossos olhos e cérebro, fazendo-os pensar que as frutas estão quase saindo da tela.

Com Natureza-morta com frutas em uma borda de pedra, Caravaggio deu início ao romano movimento de natureza-morta, mesmo que leve algum tempo para o movimento realmente começar.

Série “Nenúfares” de Claude Monet

Claude Monet foi um dos fundadores do movimento impressionista que começou em Paris na década de 1860. O nome do movimento veio de uma das pinturas de Monet, Impression, Sunrise, um título que foi usado pela primeira vez para zombar do movimento crescente.

Ao longo de sua carreira, Monet continuou sendo o principal líder do Movimento impressionista e tem sido seu artista mais prolífico. Uma das maneiras pelas quais Monet conseguiu o jogo pretendido com a luz natural foi pintando a mesma cena repetidamente, em um horário diferente do dia ou em uma estação diferente.

Monet era um pintor meticuloso e muito determinado. Ele passou longos períodos de seu tempo estudando o efeito da fumaça, vapor, chuva ou névoa na refração da luz. Esse estudo o levou a mais uma vez pintar a mesma cena várias vezes para capturar o máximo de detalhes que pudesse.

Sua série Water Lilies, com mais de 250 pinturas, inclui algumas de suas obras de arte mais famosas. O óleo sobre tela intitulado Water Lily Pond e pintado em 1919, é uma das obras de arte europeias mais caras já vendidas. Atingiu o preço de $ 80.451.178 em 2008 em um leilão em Christie “s, Londres.

“The Basket of Apples” de Paul Cézanne

Paul Cézanne é provavelmente um dos mais influentes artistas do século XIX. Quando o movimento impressionista surgiu, ele alegremente se juntou a Pisaro, Renoir e Monet na criação de incríveis pinturas e retratos impressionistas de paisagens. Durante a maior parte da década de 1870, Cézanne manteve o estilo impressionista, mas, embora suas pinturas fossem exibidas em exposições ao lado de outros artistas do movimento, o trabalho de Cézanne sempre foi outra coisa, não inteiramente impressionista.

Cézanne trabalhou muito, estudando a relação entre as formas geométricas que ocorrem naturalmente. Ele sempre desejou reduzir qualquer elemento natural à sua forma geométrica mais pura. Muitos críticos da época sugeriram que a renderização das composições de Cézanne se devia a uma visão prejudicada, mas nenhuma evidência jamais sugeriu tal coisa.

O trabalho de Cézanne, durante a maior parte de sua carreira, era uma mistura de retratos de vida e naturezas mortas, incluindo paisagens e “natureza morte”.

Alguns de seus trabalhos influenciaram diretamente os movimentos pós-impressionistas, incluindo o movimento cubismo, mas como um todo, o legado de Cézanne foi ser um dos artistas mais revolucionários de seu tempo e alterar o curso de desenvolvimento da arte moderna. Ele traçou os caminhos de Vincent Van Gogh, Picasso e Gaughin.

A pintura da Cesta de Maçãs inclui muitos elementos que seriam usados para preencher a lacuna entre o impressionismo e o cubismo:

• a perspectiva desconexa
• os aspectos desequilibrados da imagem se juntando para equilibrar toda a composição
• os dois pontos de vista simultâneos.

“Living Still Life” de Salvador Dali

Salvador Domingo Felipe Jacinto D alí i Domènech, 1.º Marquês de Dalí de Púbol ou simplesmente Salvador Dali, foi provavelmente um dos artistas mais excêntricos e extravagantes do século XX.

Ele também foi um gênio artístico e contribuiu com obras de arte em muitos campos, de desenhos, pinturas, esculturas a fotografias, escritos, filmes e até moda.

Ele era fascinado pela física quântica e pelo trabalho de Werner Heisenberg sobre o princípio da incerteza. Esse fascínio se traduziu em seu trabalho e muitas de suas pinturas incluíram elementos e símbolos que reconhecem a nova ciência.

Embora Dali tenha sido muito influenciado por pintores da Renascença, algumas de suas obras também incluem elementos cubistas e, mais tarde, Dali desenvolveria sua própria interpretação dos movimentos do surrealismo e do dadaísmo pós-Primeira Guerra Mundial.

Nature Morte Vivante ou Living Still Life foi pintado por Dali em 1956. Na época, o pintor estava experimentando um estilo que chamou de Nuclear Misticismo. Em tais obras-primas, Dali tentou estabelecer a ligação entre a física quântica e a mente humana.

Dali compôs esta tela e tentou ligar elementos de arte, ciência e física e acreditou que, apesar da natureza imóvel e imóvel de Em tal pintura de natureza morta, os átomos que compunham os objetos representados na imagem ou a própria pintura estão sempre se movendo, em um movimento constante e infinito.

Dali pegou com sucesso o tema centenário da natureza-morta e acrescentou seu próprio estilo de assinatura enquanto transmitia ao espectador o que ele realmente queria dizer com Misticismo Nuclear.

“32 Campbell” s Soup Cans “por Andy Warhol

Nascido em Pittsburgh, Pensilvânia, filho de pais imigrantes eslovacos, não predestinou Andy Warhol a se tornar o líder da cultura pop dos anos 60 em expansão.

Quando criança doente, ele costumava ficar preso à cama e mais tarde A vida descreveu aquela época de colecionar fotos de estrelas de cinema e ouvir rádio com sua mãe como um período de grande importância no desenvolvimento de sua personalidade, conjunto de habilidades e preferências.

No início de sua carreira, Warhol trabalhou como artista comercial e publicitário; ele continuou a fazer um extenso trabalho para o fabricante americano de calçados Israel Miller.

Warhol, que havia sido notado pelo mundo da arte por seus desenhos incomuns de anúncios de sapatos, começou a exibir seu trabalho em galerias em Nova York durante no final dos anos 1950 e, em seguida, em Los Angeles no início dos anos 1960.

Ao mesmo tempo em que começou a romper o mundo da arte, foi contratado pela RCA Records para projetar capas de álbuns e materiais promocionais para bandas da época.

Foi durante a década de 1960 que o trabalho de Andy Warhol se tornou realmente famoso e sua influência sobre a cultura pop americana se estabeleceu. Ele dominou a arte da gravura usando temas abstratos e realistas, capturando a essência de objetos ou celebridades.

Durante essa década, ele produziu pinturas de objetos icônicos da vida cotidiana americana, como as latas de sopa Campbell ou a coca -Cola garrafas e também começou a pintar personalidades que o fascinavam: atores, cantores e pessoas influentes como Marilyn Monroe, Marlon Brando ou Elizabeth Taylor.

Ele começou a Factory, um estúdio de arte, que se tornou um polo de artistas, músicos, escritores, jornalistas, atores e celebridades underground.

Infelizmente, Andy Warhol foi baleado em 1968 e sofreu ferimentos que o afetariam pelo resto da vida. Ele experimentou um declínio de popularidade em nos anos 1970, quando ele foi visto pelo resto do mundo da arte como mais um empresário e homem de negócios do que um artista.

Apesar das críticas da época, Warhol continuou trabalhando em sua arte, muitas vezes com patrocinadores ricos. Em 1979, ele foi cofundador da New York Academy of Art, uma escola particular de pós-graduação em arte que hoje oferece um dos mais conceituados mestres em Belas Artes dos Estados Unidos.

The New York Academy of A arte inclui de tudo, desde aulas de naturezas mortas e desenhos animados até demonstrações, exposições e galerias. Ele começou a desenhar aulas e aulas de pintura para alunos de todos os níveis, onde eles podem ser ensinados por artistas profissionais.

Andy Warhol morreu em fevereiro de 1987 de complicações de uma cirurgia de vesícula biliar.

Seu impacto em nossa cultura moderna ainda pode ser visto em quase todos os lugares. As vendas de arte exibem suas obras o tempo todo (um sexto de todas as vendas de arte contemporânea), e seu estilo influenciou tanto a “arte moderna clássica” quanto a cultura pop.

Suas 32 latas de sopa Campbell são provavelmente a natureza morta mais famosa obra-prima da era moderna. Com este trabalho, Warhol vinculou técnicas clássicas, como pintura e desenho, a processos avançados.

Cada um dos contornos das 32 latas de sopa foi desenhado pela primeira vez na tela usando um projetor , então a lata e o rótulo foram pintados à mão, e as letras também foram projetadas antes de serem pintadas e, finalmente, o logotipo da flor de lis foi carimbado com uma borracha de borracha reciclada.

Na época, ele primeiro exibiu esta série, em uma exposição individual em Los Angeles, que causou grandes polêmicas, alguns críticos questionando o motivo artístico de Warhol e negando que seu trabalho tivesse algum valor real como arte.

Hoje sua arte é reconhecida como alguns grandes exemplos de Pop Art e está entre as obras-primas mais caras da Pop Art. Uma de suas Small Torn Campbell Soup Can foi vendida por $ 11.776.000 em 2006 e foi o preço mais alto de qualquer um dos Campbell Soup Series.

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