Najsłynniejsi artyści martwej natury
Martwa natura to gatunek sztuki, który obejmuje tysiące lat, od rzeźbionych i malowanych fresków ze starożytnego Egiptu od anonimowych artystów do XVI-wiecznych artystów holenderskich, którzy uczynili malowanie martwych natur legalną formą sztuki, oraz dziewiętnastowiecznych francuskich malarzy, którzy zapoczątkowali ruch impresjonistów.
Martwa natura nadal była popularną formą sztuki i została wskrzeszona w latach pięćdziesiątych XX wieku przez artystów takich jak Andy Warhol, Roy Lichtenstein, a później przez takich artystów jak Judy Chicago i Keith Haring.
Wybraliśmy jedne z najbardziej znanych i wpływowych dzieł sztuka życia od początku XVII wieku do lat pięćdziesiątych XX wieku.
„Kosz owoców” Caravaggia
Michelangelo Merisi Caravaggio był włoskim malarzem urodzonym w Mediolanie pod koniec XVI wieku stulecie. Słynie z malowania jednych z najbardziej ocenianych przez krytyków obrazów religijnych swoich czasów lub później. Jego styl opierał się w dużej mierze na wykorzystaniu techniki światłocienia, wykorzystując bardzo ciemne tła i bardzo wyraźne i świecące promienie światła do oświetlania postaci na jego obrazach.
Jego styl, który później stał się znany jako tenebrism, miał znaczące wpływ na kolejne pokolenie artystów i ten element stylistyczny można dostrzec w pracach holenderskiego artysty Rembrandta, mimo że Rembrandt nigdy nie podróżował do Włoch, aby studiować włoskich mistrzów malarstwa.
Koszyk owoców został namalowany około 1599 i wyróżnia się w twórczości Caravaggia jako jeden z zaledwie dwóch obrazów martwej natury.
Jedną ze sztuczek, których Caravaggio często używał w swojej karierze, był trompe l „oeil. Na tym obrazie, quasi-fotograficzny realizm, który pokazuje, oszukuje nasze oczy i mózg, by pomyśleć, że owoce prawie wyskakują z płótna.
Martwą naturą z owocami na kamiennej półce Caravaggio rozpoczął rzymską ruch martwej natury, nawet jeśli jego rozpoczęcie zajmie trochę czasu.
Seria „Lilie wodne” Claudea Moneta
Claude Monet był jednym z założycieli ruchu impresjonizmu, który rozpoczął się w Paryżu w latach sześćdziesiątych XIX wieku. Nazwa ruchu pochodziła z jednego z obrazów Moneta Impresja, Wschód słońca, tytuł, który po raz pierwszy został użyty do kpienia z rosnącego ruchu.
W całej swojej karierze Monet pozostał głównym liderem Ruch impresjonistyczny i był jego najbardziej płodnym artystą. Jednym ze sposobów, w jaki Monet osiągnął zamierzoną grę w naturalnym świetle, było malowanie w kółko tej samej sceny, o innej porze dnia lub o innej porze roku.
Monet był malarzem skrupulatnym i bardzo zaangażowanym. Spędzał długie okresy czasu, badając wpływ dymu, pary, deszczu lub mgły na załamanie światła. To badanie doprowadziło go do ponownego namalowania tej samej sceny w kółko, aby uchwycić jak najwięcej szczegółów.
Jego seria lilii wodnych, obejmująca ponad 250 obrazów, zawiera niektóre z jego najbardziej znanych dzieł. Obraz olejny na płótnie zatytułowany Water Lily Pond i namalowany w 1919 roku jest jednym z najdroższych europejskich dzieł sztuki, jakie kiedykolwiek sprzedano. Osiągnął cenę 80 451 178 USD w 2008 r. Na aukcji w Christie „s w Londynie.
„Koszyk jabłek” Paula Cézannea
Paul Cezanne jest prawdopodobnie jednym z najbardziej wpływowych artyści XIX wieku. Kiedy pojawił się ruch impresjonistów, chętnie dołączył do Pisaro, Renoira i Moneta w tworzeniu niesamowitych impresjonistycznych obrazów pejzażowych i portretów. Przez większość lat 70. XIX wieku Cézanne trzymał się stylu impresjonistycznego, ale mimo że jego obrazy były pokazywane na wystawach obok innych artystów tego ruchu, prace Cézannea zawsze były czymś innym, niezupełnie impresjonistycznym.
Cezanne wykonał dużo pracy, badając związki między naturalnie występującymi kształtami geometrycznymi. Zawsze pragnął zredukować każdy naturalny element do jego najczystszej formy geometrycznej. Wielu krytyków tamtych czasów sugerowało, że wykonanie kompozycji Cézannea było spowodowane uszkodzeniem wzroku, ale żadne dowody nigdy nie sugerowały czegoś takiego.
Prace Cézannea przez większość jego kariery było mieszanką portretów życia i martwej natury, w tym krajobrazów i „nature morte”.
Niektóre z jego prac wywarły bezpośredni wpływ na ruchy postimpresjonistyczne, w tym ruch kubizmu, ale jako całość dziedzictwo Cézannea miało być jednym z najbardziej rewolucyjnych artystów swoich czasów i zmienić bieg rozwój sztuki współczesnej. Wyznaczał ścieżki Vincenta Van Gogha, Picassa i Gaughina.
Obraz Kosz jabłek zawiera wiele elementów, które miały zostać wykorzystane do wypełnienia luki między impresjonizmem a kubizmem:
- rozłączna perspektywa
- niezrównoważone aspekty obrazu łączą się, aby zrównoważyć całą kompozycję
- jednoczesne dwa punkty widzenia.
„Living Still Life” Salvadora Dali
Salvador Domingo Felipe Jacinto D alí i Domènech, 1. markiz Dalí de Púbol lub po prostu Salvador Dali, był prawdopodobnie jednym z najbardziej ekscentrycznych i ekstrawaganckich artystów XX wieku.
Był także geniuszem artystycznym i wniósł wkład w prace plastyczne z wielu dziedzin, od rysunków, obrazów, rzeźb po fotografie, pisma, filmy, a nawet modę.
Fascynowała go fizyka kwantowa i praca Wernera Heisenberga na temat zasady niepewności. Ta fascynacja przełożyła się na jego prace, a wiele jego obrazów zawierało elementy i symbole potwierdzające nową naukę.
Chociaż Dali był pod silnym wpływem malarzy renesansu, niektóre jego prace zawierają również elementy kubistyczne, a później Dali rozwinął własną interpretację ruchów surrealizmu i dadaizmu po I wojnie światowej.
Nature Morte Vivante lub Living Still Life został namalowany przez Dali w 1956 roku. W tym czasie malarz doświadczał stylu, który nazwał Nuclear Mistycyzm. W takich arcydziełach Dali próbował narysować związek między fizyką kwantową a ludzkim umysłem.
Dali skomponował to płótno i próbował połączyć elementy sztuki, nauki i fizyki oraz wierzył, że pomimo nieruchomej i nieruchomej natury taki martwy obraz, atomy, z których składają się obiekty przedstawione na obrazie lub sam obraz, zawsze poruszają się, w ciągłym, nieskończonym ruchu.
Dali z powodzeniem zajął się stuletnim tematem martwej natury i dodał do niej swój własny, charakterystyczny styl, jednocześnie przekazując widzowi, co naprawdę miał na myśli mówiąc o mistycyzmie jądrowym.
Puszki zupy „32 Campbell” autorstwa Andyego Warhola
Urodzony w Pittsburghu w Pensylwanii, z rodziców imigrantów ze Słowacji, Andy Warhol nie był zbyt predestynowany do zostania liderem popkultury rozkwitających lat 60-tych.
Jako chorowite dziecko często był przykuty do łóżka, a później życie opisało ten czas zbierania zdjęć gwiazd filmowych i słuchania radia z mamą jako okres o wielkim znaczeniu dla rozwoju jego osobowości, umiejętności i preferencji.
Na początku swojej kariery Warhol pracował jako artysta komercyjny i reklamowy; kontynuował szeroko zakrojoną pracę dla amerykańskiego producenta obuwia, Israela Millera.
Warhol, który został zauważony przez świat sztuki za swoje niezwykłe rysunki atramentowe reklam butów, zaczął wystawiać swoje prace w galeriach w Nowym Jorku podczas późne lata pięćdziesiąte, a następnie w Los Angeles na początku lat sześćdziesiątych.
W tym samym czasie zaczął przebijać się przez świat sztuki, został zatrudniony przez RCA Records do projektowania okładek albumów i materiałów promocyjnych dla zespoły tamtych czasów.
W latach 60-tych twórczość Andyego Warhola stała się naprawdę sławna, a jego wpływ na amerykańską popkulturę ugruntował swoją pozycję. Opanował sztukę grafiki, wykorzystując zarówno abstrakcyjne, jak i realistyczne tematy, oddające istotę przedmiotów lub celebrytów.
W ciągu tej dekady namalował obrazy ikonicznych amerykańskich przedmiotów codziennego użytku, takich jak Puszki z zupą Campbella czy Coca -Butelki coli, a także zaczął malować osobowości, które go fascynowały: aktorzy, piosenkarze i wpływowe osoby, takie jak Marilyn Monroe, Marlon Brando czy Elizabeth Taylor.
Założył Factory, studio artystyczne, które stało się centrum artystów, muzyków, pisarzy, dziennikarzy i aktorów oraz undergroundowych celebrytów.
Niestety, Andy Warhol został postrzelony w 1968 roku i odniósł obrażenia, które miały na niego wpływ do końca życia. lata siedemdziesiąte, kiedy reszta świata sztuki postrzegała go bardziej jako przedsiębiorcę i biznesmena niż artystę.
Pomimo ówczesnej krytyki Warhol nadal pracował nad swoją sztuką, często z zamożnymi mecenasami. W 1979 roku był współzałożycielem New York Academy of Art, prywatnej uczelni artystycznej, która obecnie oferuje jeden z najbardziej cenionych studiów magisterskich w Stanach Zjednoczonych.
New York Academy of Sztuka obejmuje wszystko, od zajęć martwej natury i rysunku życia po pokazy, wystawy i galerie. Zaczęło się lekcje rysunku i malarstwa dla uczniów wszystkich poziomów, gdzie mogą być prowadzone przez profesjonalnych artystów.
Andy Warhol zmarł w lutym 1987 roku z powodu komplikacji po operacji woreczka żółciowego.
Jego wpływ na naszą współczesną kulturę jest nadal widoczny praktycznie wszędzie. Na sprzedaży dzieł sztuki przez cały czas pojawiają się jego dzieła (jedna szósta całej sprzedaży sztuki współczesnej), a jego styl wpłynął zarówno na „klasyczną sztukę nowoczesną”, jak i na popkulturę.
Jego 32 puszki zupy Campbell to prawdopodobnie najsłynniejsza martwa natura arcydzieło współczesności. W tej pracy Warhol połączył obie klasyczne techniki, takie jak malowanie i rysunek, z zaawansowanymi procesami.
Każdy z 32 puszek zupy został najpierw narysowany na płótnie za pomocą projektora , następnie puszka i etykieta zostały ręcznie pomalowane, a przed pomalowaniem został również wyświetlony napis, a na koniec logo fleur-de-lys zostało wybite gumową gumką z recyklingu.
W tym czasie on pierwszy pokazany na wystawie indywidualnej w Los Angeles, wywołał wielkie kontrowersje, niektórzy krytycy kwestionowali artystyczne motywy Warhola i zaprzeczali, że jego prace miały jakąkolwiek prawdziwą wartość jako sztuka.
Dziś jego sztuka jest uznawane za wspaniałe przykłady pop-artu i należą do najdroższych arcydzieł pop-artu. Jedna z jego małych rozdartych puszek z zupą Campbell została sprzedana za 11 776 000 dolarów w 2006 roku i była to najwyższa cena ze wszystkich serii Campbell Soup.
Zobacz kursy rysunku w Londynie.
Znajdź lekcje rysunku online.