Hva er ikke-objektiv kunst – Definisjon og eksempler
Er det en sammenheng mellom atomoppløsning og ikke-objektiv kunst? Hva med Ernest Rutherford og Wassily Kandinsky? Tidlig på 1900-tallet endret oppdagelser i fysikk raskt måten vi oppfatter verden på, og gikk så langt som å vise oss at selv den minste bestanddel av vanlig materie kan brytes videre i enda mindre partikler. Ernest Rutherford, i dag ansett som far til kjernefysikk, publiserte Theory of Atomic Disintegration i 1902, sammen med J.J. Thomson. I boka forklarte de en radikalt ny idé om at atomene til radioaktive stoffer kan brytes opp. Det var omtrent samtidig som Wassily Kandinsky bestemte seg for å forlate München der han studerte, og å reise rundt i Europa for å se hva vestlig kunst, i hans ord, «hadde oppnådd til den datoen.» Denne reisen ble provosert av den milde mottakelsen av hans arbeider på Berlin Secession-utstillingen, og Salon dAutomne i Paris i 1904. Mistenkelig for teoriene som finner sannheten om virkeligheten som omgir oss i kunstverk og kjent med teorier om oppløsningen av atomet begynte Kandinsky å stille spørsmål ved sannferdigheten i virkeligheten som snart førte ham til å definere en ny linje i å tenke på kunst, som ikke var opptatt av det virkelige, uansett hva det virkelige måtte være, men det metafysiske.
Kandinskys åndelige kunst
Dette skiftet i å tenke på kunst fra representasjon av virkeligheten til representasjon av Stimmung eller essensiell naturånd som vil påvirke og inspirere mange kunstnere med ikke-objektiv kunstherkomst, var utarbeidet av Kandinsky i teksten Concerning the Spiritual in Art. Som han skriver, med stor kunst:
«Tilskueren føler en tilsvarende spenning i seg selv. En slik harmoni eller til og med kontrast av følelser kan ikke være overfladisk eller verdiløs. Stimmung av et bilde kan faktisk utdype og rense det Slike kunstverk i det minste bevarer sjelen fra grovhet; de «nøkkel den opp», for å si det sånn, til en viss høyde, som en tuningnøkkel strengene til et musikkinstrument. «
Se flere verk av Wassily Kandinsky på vår markedsplass!
Det er tydelig at Kandinsky så på kunsten som et redskap som hjelper oss å stille inn på høyere, metafysiske og åndelige sfærer som oppløser grovheten i virkeligheten, men også den materialistiske, positivistiske tenkningen fra 1800-tallet. Hans overgang til abstraksjon var imidlertid ikke plutselig, men kom gradvis opp gjennom årene, med hans første ikke-objektive kunstverk som en akvarell fra 1910. Senere satte det åndelige over materialet av Kandinsky kunstnere til å søke det rene, kunstneriske uttrykket. frakoplet form virkelighet i geometriske former og farger, som definerer ikke-objektiv kunst.
Helen Mirren om Wassily Kandinsky
Ikke objektiv kunstdefinisjon – det abstrakte og det ikke-representative
Ikke-objektiv kunst er et generelt begrep som definerer abstrakte kunstformer som mangler overholdelse av identifiserbare, kvantifiserbare og observerbare egenskaper i den levende verden. Det er ofte knyttet til to banebrytende figurer av russisk kunst, Alexander Rodchenko og hans landsmann Kasimir Malevich, som var banebrytende for abstrakt kunst basert på geometriske former og linearitet, som også blir referert til som geometrisk abstraksjon. Begrepet ikke-objektiv kunst ble først brukt av Rodchenko da han kalte noen av bildene sine, og ble senere tatt opp av andre kunstnere, som Malevich. Sistnevnte skrev også en bok med tittelen The Non-Objective World: The Manifesto of Suprematism, som ble utgitt i 1926. Definisjonen av ikke-objektiv kunst svinger rundt abstrakte uttrykk, men sett i enklere termer, kan det sies at ikke-objektiv kunst står for kunstverk som skaper en romanverden laget av elementene som vanligvis ikke betyr noe – for eksempel en firkant, en linje eller en fargetone. Suprematisme, konstruktivisme og De Stijl, med sin mest berømte representant i Piet Mondrian, tilhører alle gruppen av ikke-objektive kunststiler som har noen gjensidige forskjeller. Mens de alle var forankret i et forsøk på å forandre verden og skape ny kunst som er funksjonell og normativ, var suprematisme forankret i pre-revolusjonær anarkisme i Russland, la konstruktivisme vekt på teknologisk og futuristisk estetikk, mens De Stijl fulgte tydelig definert og avgrenset. plan.
Malevichs svart-hvite ikke-objektive kunst
Malevich var blant de første malerne som forsøkte å oppnå idealet om et absolutt maleri som blir fjernet fra enhver hentydning og objektiv referanse. Kanskje den mest radikale av ikke-objektive kunstnere og teoretikere, insisterte han i sine skrifter at kunsten og følelsene den kan generere er viktigere enn politiske forestillinger og religiøs tro. I 1913 etablerte han suprematisme, og estetikken hans tok en vending fra det tidspunktet og utover. Et av kunstverkene som vil markere Suprematism er hans Svarte firkant på en hvit bakke fra 1913. Maleriet skulle fremkalle «opplevelsen av ren ikke-objektivitet i den hvite tomheten til et frigjort ingenting.» Det er den første blant serien med de såkalte siste maleriene der han prøvde å nå slutten av representasjonen som senere ville føre til en maleridød. Som han uttalte, følte han bare «natten i meg selv, og ante det nye jeg kaller Suprematism. ” Kulminasjonen av hans søken etter ultimativ ikke-objektivitet kom med den hvite firkanten på en hvit bakke fra 1917. Med dette maleriet nådde han grensen til intet:
«Jeg forvandlet meg i formens null og kom fram fra ingenting til skapelse, det vil si til suprematisme, til den nye realismen i maleriet – til ikke-objektiv skapelse. ”
Non Objective Art Today
Selv om det kan virke som en anakronisme å snakke om ikke-objektiv kunst i dag, da begrepet ble brukt til å definere kunst i en bestemt historisk sammenheng, formelle elementer i denne kunsten forblir en del av kunstneriske utforskninger også i dag. Selv om konteksten som innledet utseendet til ikke-objektiv kunst, endret seg dramatisk gjennom flere tiår, ser vi i dag bruken av den samme geometriske former og abstrakte elementer i kunstverk produsert over hele verden. Abstraksjon kom inn i det kunstneriske innredningen av moderniteten og er i dag en del av den postmoderne mangfold og frie spill av stiler og kunstneriske former. Christian Rosa, Ben Berlow, Anish Kapoor, Kika Karadi og Molly Zuckerman Hartung, er bare noen av navnene på kunstnere som skaper abstrakt og ikke-objektiv kunst i dag. Verkene deres er analysert og sammenlignet med deres historiske forgjengere, men de gir også en ny og moderne vri på denne kunststilen. Åndelighet og søken etter dypere betydninger og følelsesmessige engasjementer virker mer uttalt i dag enn noensinne, og kunsten følger absolutt disse trendene. Ikke bare at den ikke-objektive kunsten lever og sparker i dag, men vi kan nesten ikke forestille oss samtidskunsten uten den.
Et banebrytende arbeid i bevegelsen for å frigjøre kunsten fra sine tradisjonelle bånd til den materielle virkeligheten, er denne boka en av de viktigste dokumentene i kunsthistorie. Skrevet av den berømte ikke-objektive maleren Wassily Kandinsky (1866–1944), forklarer den Kandinskys egen teori om maling og krystalliserer ideene som påvirket mange andre kunstnere i perioden. Sammen med sin egen banebrytende kunst hadde denne boken en enorm innvirkning. om utvikling av kunst. Kandinskys ideer presenteres i to deler. Den første delen, kalt «About General Aesthetic», krever en åndelig revolusjon i maleri, og uttrykk i abstrakte, ikke-materielle termer. I den andre delen, «Om maleri», diskuterer Kandinsky fargenes psykologi, språket for form og farge og kunstnerens ansvar.
Utvalgte bilder: Maleri av Kazimir Malevich, bilde via 100 arkitekter. com; Wassily Kandinsky – Komposisjon VII, 1913. Courtesy State Tretyakov Gallery Moscow; Alexander Rodchenko – Construction No.95. Bilde via magazineclick.com. Alle bilder som kun brukes til illustrasjonsformål.