가장 유명한 정물화 예술가

정물화는 고대 이집트의 정물화 프레스코 조각가와 페인팅에서 수천 년에 걸친 예술 장르입니다. 정물화를 합법적 인 예술 형식으로 만든 16 세기 네덜란드 예술가와 인상파 운동을 시작한 19 세기 프랑스 화가에 이르기까지 익명의 예술가에 의해.

정물화는 계속해서 인기있는 예술 형식이되었으며 1950 년대에 Andy Warhol, Roy Lichtenstein과 같은 예술가들에 의해 부활되었으며 나중에 Judy Chicago 및 Keith Haring과 같은 예술가들에 의해 부활했습니다.

우리는 가장 유명하고 영향력있는 스틸 작품을 선별했습니다. 17 세기 초부터 1950 년대까지의 생활 예술.

Caravaggio의 “Basket of Fruit”

Michelangelo Merisi Caravaggio는 16 세기 말 밀라노에서 태어난 이탈리아 화가입니다. 세기. 그는 당시 또는 그 이후로 가장 비판적으로 평가 된 종교 그림을 그리는 것으로 유명합니다. 그의 스타일은 매우 어두운 배경과 매우 명확하고 빛나는 빛의 샤프트를 사용하여 그의 그림에 등장하는 인물을 비추는 chiaroscuro 기법의 사용에 크게 의존했습니다.

나중에 tenebrism으로 알려지게 된 그의 스타일은 의미가 있습니다. 렘브란트가 이탈리아의 거장 화가를 연구하기 위해 이탈리아를 여행하지 않았음에도 불구하고 다음 세대의 예술가들에게 영향을 미치고이 문체 요소는 네덜란드 예술가 렘브란트의 작품에서 볼 수 있습니다.

과일 바구니는 1599 년경에 그려졌습니다. 그리고 Caravaggio의 작품에서 단 두 개의 정물화 중 하나로 눈에 띕니다.

Caravaggio가 경력을 쌓는 동안 자주 사용한 속임수 중 하나는 trompe l “oeil입니다. 이 그림에서, 그것이 보여주는 준 사진 적 사실주의는 우리의 눈과 뇌를 속여 과일이 캔버스에서 거의 튀어 나오고 있다고 생각하도록합니다.

돌 선반에 과일이있는 정물화를 통해 Caravaggio는 Roman을 시작했습니다. 움직임이 실제로 시작되는 데 시간이 좀 걸리더라도 정물화 움직임.

클로드 모네의 “수련”시리즈

클로드 모네는 1860 년대 파리에서 시작된 인상파 운동의 창시자 중 한 명입니다. 운동 자체의 이름은 Monet의 그림 중 하나 인 Impression, Sunrise에서 가져온 제목은 성장하는 운동을 조롱하는 데 처음 사용되었습니다.

그의 경력 내내 Monet은 인상파 운동이며 가장 많은 예술가였습니다. 모네가 의도 한 자연광을 구현 한 방법 중 하나는 하루 중 다른 시간이나 다른 계절에 같은 장면을 반복해서 그리는 것이 었습니다.

모네는 세심하고 열정적 인 화가였습니다. 그는 연기, 증기, 비 또는 안개가 빛의 굴절에 미치는 영향을 연구하기 위해 오랜 시간을 보냈습니다. 이 연구를 통해 그는 동일한 장면을 반복해서 그려서 가능한 한 많은 세부 사항을 포착했습니다.

250 개가 넘는 그림으로 구성된 그의 Water Lilies 시리즈에는 그의 가장 유명한 작품이 포함되어 있습니다. Water Lily Pond라는 제목으로 1919 년에 그린 캔버스 그림에 유화는 지금까지 판매 된 가장 비싼 유럽 예술 작품 중 하나입니다. 2008 년 런던 Christie s 경매에서 $ 80,451,178의 가격에 도달했습니다.

Paul Cézanne의 “The Basket of Apples”

Paul Cezanne은 아마도 가장 영향력있는 인물 중 하나 일 것입니다. 19 세기 예술가. 인상파 운동이 등장했을 때 그는 Pisaro, Renoir 및 Monet과 함께 놀라운 인상파 풍경화와 초상화를 제작했습니다. 대부분의 1870 년대 세잔은 인상파 스타일을 고수했지만 그의 그림이 다른 운동 예술가들과 함께 전시회에 전시 되었음에도 불구하고 세잔의 작품은 완전히 인상파가 아니라 항상 다른 것이 었습니다.

Cezanne은 자연적으로 발생하는 기하학적 모양 사이의 관계를 연구하면서 많은 작업을 수행했습니다. 그는 항상 자연적인 요소를 가장 순수한 기하학적 형태로 줄이기를 원했습니다. 당시의 많은 비평가들은 Cezanne의 작곡이 시각 장애로 인한 것이라고 주장했지만, 그러한 것을 암시하는 증거는 없었습니다.

Cezanne의 작업은 대부분의 경력에서, 풍경과 “자연 모트”를 포함하여 삶의 초상화와 정물화의 혼합이었다.

그의 작품 중 일부는 입체파 운동을 포함한 포스트 인상파 운동에 직접적인 영향을 미쳤지 만 전체적으로 세잔의 유산은 당시 가장 혁명적 인 예술가 중 한 사람이었고 현대 미술의 발전. 그는 Vincent Van Gogh, Picasso 및 Gaughin의 길을 설정했습니다.

사과의 바구니 그림에는 인상파와 입체파 사이의 격차를 해소하는 데 사용되는 많은 요소가 포함되어 있습니다.

• 분리 된 관점
• 전체 구도의 균형을 맞추기 위해 합쳐지는 그림의 불균형 한 측면
• 동시에 두 관점

“Living Still Life”by Salvador Dali

Salvador Domingo Felipe Jacinto D Dalí de Púbol 또는 단순히 Salvador Dali의 1st Marquess 인 alí i Domènech는 아마도 20 세기의 가장 기이하고 사치스러운 예술가 중 한 명이었을 것입니다.

그는 또한 예술적 천재였으며 여러 분야에서 예술 작품에 기여했습니다. 그림, 그림, 조각에서 사진, 글, 영화, 패션까지.

그는 불확실성의 원리에 대한 Werner Heisenberg의 작업과 양자 물리학에 매료되었습니다. 이 매력은 그의 작품으로 옮겨졌고 그의 많은 그림에는 새로운 과학을 인정하는 요소와 상징이 포함되었습니다.

Dali는 르네상스 화가의 영향을 많이 받았지만 그의 작품 중 일부에는 입체파 요소가 포함되어 있습니다. 달리는 1956 년 달리가 초현실주의와 다다이즘 이후의 운동에 대한 자신의 해석을 발전 시켰습니다.

Nature Morte Vivante 또는 Living Still Life는 1956 년 Dali에 의해 그렸습니다. 당시 화가는 Nuclear라는 스타일을 경험하고있었습니다. 비밀. 그런 걸작에서 Dali는 양자 물리학과 인간의 마음 사이의 연결 고리를 그리기 위해 노력했습니다.

Dali는이 캔버스를 구성하고 예술, 과학 및 물리학의 요소를 연결하려고 노력했으며, 그와 같은 정물화, 그림에 나타난 물체 또는 그림 자체를 구성하는 원자는 항상 끊임없이 무한한 움직임으로 움직이고 있습니다.

Dali는 100 년 된 주제를 성공적으로 취했습니다. 시청자에게 핵 신비주의의 진정한 의미를 전달하면서 정물화에 자신 만의 고유 한 스타일을 추가했습니다.

“32 Campbell”s Soup Cans “by Andy Warhol

펜실베이니아 주 피츠버그에서 슬로바키아 이민자 부모에게서 태어나 앤디 워홀이 1960 년대의 대중 문화 리더가 될 운명은 그리 많지 않았습니다.

병약 한 어린 시절에 그는 종종 침대에 누워있었습니다. life는 영화 배우의 사진을 수집하고 엄마와 함께 라디오를 듣는 시간이 그의 성격, 기술 및 선호도를 개발하는 데 매우 중요한시기라고 설명했습니다.

커리어 초기에 Warhol은 일했습니다. 상업 및 광고 예술가로서; 그는 미국 신발 제조업체 인 Israel Miller에서 광범위한 작업을 계속했습니다.

신발 광고의 특이한 잉크 그림으로 예술계에서 발견 된 Warhol은 그 동안 뉴욕의 갤러리에서 자신의 작품을 전시하기 시작했습니다. 1950 년대 후반과 1960 년대 초 로스 앤젤레스에서.

예술계를 개척하기 시작하는 동시에 그는 RCA 레코드에 고용되어 앨범 표지와 홍보 자료를 디자인했습니다. 밴드.

Andy Warhol의 작품이 정말 유명 해졌고 미국 대중 문화에 대한 그의 영향력이 확립 된 것은 1960 년대입니다. 그는 사물이나 유명인의 본질을 포착하는 추상적 인 주제와 사실주의적인 주제를 모두 사용하여 판화 기술을 마스터했습니다.

그 10 년 동안 그는 Campbell의 수프 캔 또는 Coca와 같은 상징적 인 미국의 일상 생활 사물의 그림을 제작했습니다. -콜라 병을 사용하고 배우, 가수, 마릴린 먼로, 말론 브란도 또는 엘리자베스 테일러와 같은 영향력있는 사람들을 매료시키는 인물을 그리기 시작했습니다.

그는 예술 스튜디오 인 Factory를 시작하여 허브가되었습니다. 예술가, 음악가, 작가, 언론인, 배우, 언더 그라운드 유명 인사.

슬프게도 Andy Warhol은 1968 년 총에 맞아 부상을 입어 남은 생애 동안 영향을 미쳤습니다. 1970 년대에 그는 예술가 라기보다는 기업가이자 사업가에 가깝다고 다른 예술계에 의해 인식되었습니다.

당시의 비판에도 불구하고 워홀은 종종 부유 한 후원자들과 함께 자신의 예술 작업을 계속했습니다. 1979 년에 그는 현재 미국에서 가장 유명한 미술 석사 과정을 제공하는 사립 미술 대학원 인 New York Academy of Art를 공동 설립했습니다.

The New York Academy of 예술에는 정물화 및 생활 드로잉 수업에서 시연, 전시회 및 갤러리에 이르기까지 모든 것이 포함됩니다. 전문 예술가가 가르 칠 수있는 모든 레벨의 학생들을위한 그림 수업과 그림 수업을 시작했습니다.

Andy Warhol은 담낭 수술의 합병증으로 1987 년 2 월에 사망했습니다.

그는 현대 문화에 미치는 영향은 여전히 거의 모든 곳에서 볼 수 있습니다. 미술 판매는 항상 그의 작품을 선보이며 (모든 현대 미술 판매의 6 분의 1) 그의 스타일은 “고전적인 현대 미술”과 대중 문화에 모두 영향을 미쳤습니다.

그의 32 개 Campbell의 수프 캔은 아마도 가장 유명한 정물입니다. 현대 시대의 걸작.이 작품을 통해 워홀은 그림과 드로잉과 같은 고전적인 기술을 고급 프로세스와 연결했습니다.

32 수프 캔의 윤곽선은 각각 프로젝터를 사용하여 캔버스에 처음 그려졌습니다. 그런 다음 캔과 라벨을 손으로 칠하고 레터링도 칠하기 전에 투사했으며 마지막으로 재활용 고무 지우개를 사용하여 fleur-de-lys 로고에 스탬프를 찍었습니다.

그가 처음 이 시리즈를 로스 앤젤레스에서 열린 1 인전에서 선보였는데, 일부 비평가들은 워홀의 예술적 동기에 의문을 제기하고 그의 작품이 예술로서의 진정한 가치를 가지고 있다는 사실을 부정하면서 큰 논쟁을 불러 일으켰습니다.

오늘날 그의 예술은 팝아트의 훌륭한 사례로 인정 받았으며 가장 비싼 팝아트 걸작 중 하나입니다. 그의 Small Torn Campbell Soup Can 중 하나는 $ 11,776,000에 판매되었습니다. 2006 년에 Campbell Soup Series 중 가장 높은 가격이었습니다.

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