Die berühmtesten Stillleben-Künstler

Stillleben ist ein Kunstgenre, das sich über Jahrtausende erstreckt und von Fresken aus dem alten Ägypten geschnitzt und gemalt wurde von anonymen Künstlern zu niederländischen Künstlern des 16. Jahrhunderts, die die Stilllebenmalerei zu einer legitimen Kunstform machten, und den französischen Malern des 19. Jahrhunderts, die die impressionistische Bewegung ins Leben gerufen haben.

Stillleben war weiterhin eine beliebte Kunstform und wurde in den 1950er Jahren von Künstlern wie Andy Warhol, Roy Lichtenstein und später von Künstlern wie Judy Chicago und Keith Haring wiederbelebt.

Wir haben einige der berühmtesten und einflussreichsten Stücke von Still- ausgewählt. Lebenskunst vom frühen 17. Jahrhundert bis in die 1950er Jahre.

„Obstkorb“ von Caravaggio

Michelangelo Merisi Caravaggio war ein italienischer Maler, der Ende des 16. Jahrhunderts in Mailand geboren wurde Jahrhundert. Er ist berühmt dafür, einige der am kritischsten bewerteten religiösen Gemälde seiner Zeit oder seitdem zu malen. Sein Stil beruhte stark auf der Verwendung der Hell-Dunkel-Technik, bei der sehr dunkle Hintergründe und sehr klare und leuchtende Lichtstrahlen verwendet wurden, um die Figuren auf seinen Gemälden zu beleuchten.

Sein Stil, der später als Tenebrismus bekannt wurde, hatte eine bedeutende Bedeutung Der Einfluss auf die folgende Künstlergeneration und dieses Stilelement zeigt sich in der Arbeit des niederländischen Künstlers Rembrandt, obwohl Rembrandt nie nach Italien reist, um italienische Malermeister zu studieren.

Der Obstkorb wurde um 1599 gemalt und sticht in Caravaggios Werk als eines von nur zwei Stillleben hervor.

Einer der Tricks, die Caravaggio während seiner Karriere oft benutzte, war Trompe loeil. In diesem Gemälde täuscht der quasi-fotografische Realismus, den es zeigt, unsere Augen und unser Gehirn vor, dass die Früchte fast aus der Leinwand herausspringen.

Mit Stillleben mit Früchten auf einem Steinrand startete Caravaggio den Römer Stillleben-Bewegung, obwohl es einige Zeit dauern würde, bis die Bewegung wirklich startet.

„Water Lilies“ -Serie von Claude Monet

Claude Monet war einer der Gründer der Impressionismus-Bewegung, die in den 1860er Jahren in Paris begann. Der Name der Bewegung selbst kam aus einem von Monets Gemälden Impression, Sunrise, ein Titel, der zuerst verwendet wurde, um die wachsende Bewegung zu verspotten.

Während seiner Karriere blieb Monet der Hauptführer der Impressionistische Bewegung und war ihr produktivster Künstler. Eine der Möglichkeiten, wie Monet das beabsichtigte Spiel mit natürlichem Licht erreichte, bestand darin, immer wieder dieselbe Szene zu einer anderen Tageszeit oder zu einer anderen Jahreszeit zu malen.

Monet war ein akribischer und sehr motivierter Maler. Er verbrachte längere Zeit damit, die Auswirkungen von Rauch, Dampf, Regen oder Nebel auf die Lichtbrechung zu untersuchen. Diese Studie führte ihn dazu, immer wieder dieselbe Szene zu malen, um so viele Details wie möglich festzuhalten.

Seine Seerosen-Serie mit mehr als 250 Gemälden enthält einige seiner berühmtesten Kunstwerke. Das Öl auf Leinwand mit dem Titel Water Lily Pond, das 1919 gemalt wurde, ist eines der teuersten europäischen Kunstwerke, die jemals verkauft wurden. Bei einer Auktion in Christies, London, erreichte es 2008 den Preis von 80.451.178 USD.

„Der Korb der Äpfel“ von Paul Cézanne

Paul Cezanne ist wahrscheinlich einer der einflussreichsten Künstler des 19. Jahrhunderts. Als die impressionistische Bewegung entstand, schuf er gemeinsam mit Pisaro, Renoir und Monet erstaunliche impressionistische Landschaftsbilder und Porträts. Während des größten Teils der 1870er Jahre hielt Cezanne am impressionistischen Stil fest, aber obwohl seine Gemälde zusammen mit anderen Künstlern der Bewegung in Ausstellungen gezeigt wurden, war Cezannes Werk immer etwas anderes, nicht ganz impressionistisch.

Cezanne hat viel Arbeit geleistet und die Beziehung zwischen natürlich vorkommenden geometrischen Formen untersucht. Er wollte immer jedes natürliche Element auf seine reinste geometrische Form reduzieren. Viele Kritiker der damaligen Zeit schlugen vor, dass die Wiedergabe von Cezannes Kompositionen auf eine Sehbehinderung zurückzuführen sei, aber keine Beweise deuteten jemals auf so etwas hin.

Cezannes Arbeit für den größten Teil seiner Karriere war eine Mischung aus Lebensporträts und Stillleben, einschließlich Landschaften und „nature morte“.

Einige seiner Arbeiten beeinflussten direkt die postimpressionistischen Bewegungen, einschließlich der Kubismusbewegung, aber insgesamt bestand Cezannes Vermächtnis darin, einer der revolutionärsten Künstler seiner Zeit zu sein und den Verlauf von zu verändern Entwicklung der modernen Kunst. Er war auf den Wegen von Vincent Van Gogh, Picasso und Gaughin.

Die Malerei Basket of Apples enthält viele Elemente, mit denen die Lücke zwischen Impressionismus und Kubismus geschlossen werden kann:

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  „Stillleben leben“ von Salvador Dali

  Salvador Domingo Felipe Jacinto D. alí i Domènech, 1. Marquess von Dalí de Púbol oder einfach Salvador Dali, war wahrscheinlich einer der exzentrischsten und extravagantesten Künstler des 20. Jahrhunderts.

  Er war auch ein künstlerisches Genie und trug Kunst in vielen Bereichen bei. Von Zeichnungen, Gemälden, Skulpturen bis hin zu Fotografien, Schriften, Filmen und sogar Mode.

  Er war fasziniert von der Quantenphysik und der Arbeit von Werner Heisenberg über das Prinzip der Unsicherheit. Diese Faszination übertrug sich auf seine Arbeit und viele seiner Gemälde enthielten Elemente und Symbole, die die neue Wissenschaft anerkannten.

  Während Dali stark von Malern der Renaissance beeinflusst wurde, enthalten einige seiner Arbeiten auch kubistische Elemente und später Dali entwickelte seine eigene Interpretation der Bewegungen des Surrealismus und des Dadaismus nach dem Ersten Weltkrieg.

  Nature Morte Vivante oder Living Still Life wurde 1956 von Dali gemalt. Zu dieser Zeit erlebte der Maler einen Stil, den er Nuclear nannte Mystik. In solchen Meisterwerken versuchte Dali, die Verbindung zwischen der Quantenphysik und dem menschlichen Geist herzustellen.

  Dali komponierte diese Leinwand und versuchte, Elemente der Kunst, Wissenschaft und Physik zu verbinden, und glaubte, dass trotz der stillen und bewegungslosen Natur von Bei einem solchen Stillleben bewegen sich die Atome, aus denen entweder die auf dem Bild dargestellten Objekte oder das Gemälde selbst bestehen, immer in einer konstanten, unendlichen Bewegung.

  Dali hat das jahrhundertealte Thema erfolgreich aufgenommen von Stillleben und fügte seinen eigenen Unterschriftenstil hinzu, während er dem Betrachter vermittelte, was er wirklich mit nuklearer Mystik meinte.

  

  „32 Campbells Suppendosen“ von Andy Warhol

  Geboren in Pittsburgh, Pennsylvania, von Eltern slowakischer Einwanderer, war Andy Warhol nicht sehr prädestiniert, der Popkulturführer der boomenden 1960er Jahre zu werden.

  Als krankes Kind war er oft bettlägerig und später Das Leben beschrieb diese Zeit des Sammelns von Bildern von Filmstars und des Hörens mit seiner Mutter als eine Zeit von großer Bedeutung für die Entwicklung seiner Persönlichkeit, Fähigkeiten und Vorlieben.

  Zu Beginn seiner Karriere arbeitete Warhol als Werbe- und Werbekünstler; Er arbeitete weiterhin intensiv für den amerikanischen Schuhhersteller Israel Miller.

  Warhol, der von der Kunstwelt für seine ungewöhnlichen Tuschezeichnungen von Schuhwerbung entdeckt worden war, begann seine Arbeiten während dieser Zeit in Galerien in New York auszustellen Ende der 1950er Jahre und dann Anfang der 1960er Jahre in Los Angeles.

  Zur gleichen Zeit, als er begann, die Kunstwelt zu durchbrechen, wurde er von RCA Records beauftragt, Albumcover und Werbematerialien für zu entwerfen Bands der Zeit.

  In den 1960er Jahren wurde Andy Warhols Werk wirklich berühmt und sein Einfluss auf die amerikanische Popkultur etablierte sich. Er beherrschte die Kunst des Druckens mit abstrakten und realistischen Motiven, die die Essenz von Objekten oder Prominenten einfingen.

  Während dieses Jahrzehnts produzierte er Gemälde von ikonischen amerikanischen Alltagsgegenständen wie Campbells Soup Cans oder Coca -Cola Flaschen und begann auch Persönlichkeiten zu malen, die ihn faszinierten: Schauspieler, Sänger und einflussreiche Leute wie Marilyn Monroe, Marlon Brando oder Elizabeth Taylor.

  Er gründete die Factory, ein Kunststudio, das zu einer Drehscheibe für wurde Künstler, Musiker, Schriftsteller, Journalisten und Schauspieler sowie Prominente aus dem Untergrund.

  Leider wurde Andy Warhol 1968 angeschossen und erlitt Verletzungen, die ihn für den Rest seines Lebens treffen würden. Er erlebte einen Rückgang der Popularität in In den 1970er Jahren wurde er vom Rest der Kunstwelt eher als Unternehmer und Geschäftsmann als als Künstler wahrgenommen.

  Trotz der Kritik der Zeit arbeitete Warhol weiter an seiner Kunst, oft mit wohlhabenden Gönnern. 1979 war er Mitbegründer der New York Academy of Art, einer privaten Kunsthochschule, die heute einen der angesehensten Master of Fine Arts in den USA anbietet.

  Die New York Academy of Kunst umfasst alles von Stillleben und Zeichenunterricht bis hin zu Demonstrationen, Ausstellungen und Galerien. Es begann mit Zeichenunterricht und Malunterricht für Schüler aller Niveaus, wo sie von professionellen Künstlern unterrichtet werden können.

  Andy Warhol starb im Februar 1987 an den Komplikationen einer Gallenblasenoperation.

  Seiner Auswirkungen auf unsere moderne Kultur sind immer noch fast überall zu sehen. Der Kunstverkauf zeigt seine Kunstwerke ständig (ein Sechstel aller Verkäufe zeitgenössischer Kunst), und sein Stil hat sowohl die „klassische moderne Kunst“ als auch die Popkultur beeinflusst.

  

  Seine 32 Campbell-Suppendosen sind wahrscheinlich das berühmteste Stillleben Meisterwerk der Moderne. Mit dieser Arbeit verband Warhol beide klassischen Techniken wie Malen und Zeichnen mit fortschrittlichen Verfahren.

  Jeder Umriss der 32 Suppendosen wurde zuerst mit einem Projektor auf die Leinwand gezeichnet Dann wurden die Dose und das Etikett von Hand bemalt, und der Schriftzug wurde auch vor dem Bemalen projiziert, und schließlich wurde das Fleur-de-Lys-Logo mit einem Radiergummi aus recyceltem Gummi gestempelt.

  Zu der Zeit, als er es zuerst tat Diese Serie wurde in einer Einzelausstellung in Los Angeles gezeigt und verursachte große Kontroversen. Einige Kritiker stellten Warhols künstlerisches Motiv in Frage und bestritten, dass seine Arbeit als Kunst einen wirklichen Wert hatte.

  Heute ist seine Kunst Eine seiner kleinen zerrissenen Campbell-Suppendosen wurde für 11.776.000 US-Dollar verkauft. Sie gelten als einige großartige Beispiele für Pop-Art und gehören zu den teuersten Pop-Art-Meisterwerken im Jahr 2006 und war der höchste Preis aller Campbell Soup-Serien.

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