Renæssancemusik

Et af de mest markante træk ved tidlig renæssance europæisk kunstmusik var den stigende afhængighed af intervallet for den tredje og dens inversion, den sjette (i middelalderen havde tredjedele og sjettedele blevet betragtet som dissonanser, og kun perfekte intervaller blev behandlet som konsonanser: den perfekte fjerde, den perfekte femte, oktav og enstemmighed). Polyfoni – brugen af flere uafhængige melodilinjer, udført samtidigt – blev mere og mere detaljeret gennem det 14. århundrede med meget uafhængige stemmer (både inden for vokalmusik og instrumentalmusik). Begyndelsen af det 15. århundrede viste forenkling, hvor komponisterne ofte stræbte efter glathed i de melodiske dele. Dette var muligt på grund af et stærkt øget vokalområde i musik – i middelalderen gjorde det smalle interval nødvendigt hyppigt at krydse dele, hvilket krævede en større kontrast mellem dem for at skelne mellem de forskellige dele. Modalerne (i modsætning til tonale, også kendt som “musikalsk nøgle”, en tilgang udviklet i den efterfølgende barokmusik æra, ca. 1600–1750), begyndte karakteristika ved renæssancemusik at bryde sammen mod slutningen af perioden med den øgede brug af rodbevægelser på femtedele eller fjerdedele (se “cirkel af femtedele” for detaljer). Et eksempel på en akkordprogression, hvor akkordrødderne bevæger sig med intervallet på en fjerde, ville være akkordprogression i nøglen til C-dur: “D-mol / G-dur / C-dur” (disse er alle treklanger; tre-tone akkorder). Bevægelsen fra D-mol akkord til G dur akkord er et interval på en perfekt fjerde. Bevægelsen fra G dur akkord til C dur akkord er også et interval på en perfekt fjerde. Dette udviklede sig senere til en af de definerende egenskaber ved tonalitet under baroktiden.

De vigtigste egenskaber ved renæssancemusik er .:

• Musik baseret på tilstande.
• Richere tekstur med fire eller flere uafhængige melodiske dele, der udføres samtidigt. Disse sammenvævede melodiske linjer, en stil kaldet polyfoni, er et af de definerende træk ved renæssancemusik.
• Blanding, snarere end kontrasterende, melodiske linjer i den musikalske struktur.
• Harmoni, der placerede en større bekymring for den glatte strøm af musikken og dens progression af akkorder.

Udviklingen af polyfoni frembragte de bemærkelsesværdige ændringer i musikinstrumenter, der musikalsk markerer renæssancen fra middelalderen. Dens anvendelse tilskyndede brugen af større ensembler og krævede sæt instrumenter, der ville blande sig over hele vokalområdet.

BackgroundEdit

Som i de øvrige kunstarter var periodens musik væsentligt påvirket af udviklingen, der definerer den tidlige moderne periode: stigningen i den humanistiske tanke; genopretning af den litterære og kunstneriske arv fra det antikke Grækenland og det gamle Rom øget innovation og opdagelse væksten af kommercielle virksomheder fremkomsten af en borgerlig klasse; og den protestantiske reformation. Fra dette skiftende samfund opstod der et fælles, forenende musikalsprog, især den polyfoniske stil i den fransk-flamske skole.

Opfindelsen af trykpressen i 1439 gjorde det billigere og lettere at distribuere musik og musik teoretiske tekster i en bredere geografisk skala og til flere mennesker. Før opfindelsen af trykning skulle tekster til skriftlig musik og musikteori kopieres i hånden, en tidskrævende og kostbar proces. Efterspørgslen efter musik som underholdning og som fritidsaktivitet for veluddannede amatører steg med fremkomsten af en borgerlig klasse. Formidling af chansons, motetter og masser i hele Europa faldt sammen med foreningen af polyfonisk praksis i den flydende stil, der kulminerede i anden halvdel af det sekstende århundrede i komponister som Giovanni Pierluigi da Palestrina, Orlande de Lassus, Thomas Tallis, William Byrd og Tomás Luis de Victoria. Relativ politisk stabilitet og velstand i de lave lande sammen med et blomstrende system af musikuddannelse i områdets mange kirker og katedraler tillod uddannelse af et stort antal sangere, instrumentalister og komponister. Disse musikere var meget efterspurgte i hele Europa, især i Italien, hvor kirker og aristokratiske domstole hyrede dem som komponister, kunstnere og lærere. Da trykpressen gjorde det lettere at formidle trykte musik, havde Italien i slutningen af det 16. århundrede absorberet de nordlige musikalske påvirkninger med Venedig, Rom, og andre byer, der blev centrum for musikalsk aktivitet. Dette vendte situationen fra hundrede år tidligere. Opera, en dramatisk iscenesat genre, hvor sangere ledsages af instrumenter, opstod på dette tidspunkt i Firenze. Opera blev udviklet som et bevidst forsøg på at genoplive musik fra det antikke Grækenland.

GenresEdit

De vigtigste liturgiske (kirkebaserede) musikalske former, der forblev i brug gennem hele renæssanceperioden, var masser og moteter med nogle andre udviklinger mod slutningen af æraen, især som komponister af hellig musik begyndte at vedtage sekulære (ikke-religiøse) musikalske former (såsom madrigalen) til religiøs brug. Masserne fra det 15. og 16. århundrede havde to slags kilder, der blev brugt, monofonisk (en enkelt melodilinje) og polyfonisk (flere, uafhængige melodilinjer) med to hovedformer til udarbejdelse, baseret på cantus firmus-praksis eller, begyndende omkring tiden 1500, den nye stil med “gennemgribende efterligning”, hvor komponister skriver musik, hvor de forskellige stemmer eller dele efterligner de melodiske og / eller rytmiske motiver udført af andre stemmer eller dele. Fire hovedtyper af masser blev brugt:

• Cantus firmus masse (tenormasse)
• Cantus firmus / imiteret masse
• Parafrasemassen
• Efterligningsmassen (parodimasse)

Masser blev normalt betegnet af den kilde, de lånte fra. Cantus firmus-masse bruger den samme monofoniske melodi, normalt trukket fra sang og normalt i tenoren og oftest i længere toneværdier end de andre stemmer. Andre hellige genrer var madrigale spirituale og laude.

I perioden havde sekulær (ikke-religiøs) musik en stigende fordeling med en bred vifte af former, men man skal være forsigtig med at antage en eksplosion i mangfoldighed: siden udskrivning gjorde musik mere tilgængelig, har meget mere overlevet fra denne æra end fra den foregående middelaldertid, og sandsynligvis går en rig butik med populærmusik fra den sene middelalder tabt. Sekulær musik var musik, der var uafhængig af kirker. Hovedtyperne var tysk Lied, italiensk frottola, fransk chanson, italiensk madrigal og spansk villancico. Andre sekulære vokalgenrer omfattede caccia, rondeau, virelai, bergerette, ballade, musique mesurée, canzonetta, villanella, villotta og lutesangen. Blandede former som motet-chanson og det verdslige motet dukkede også op.

Rent instrumentalmusik omfattede konsortmusik til optagere eller violer og andre instrumenter og dans for forskellige ensembler. Almindelige instrumentelle genrer var toccata, prelude, ricercar og canzona. Danse spillet af instrumentale ensembler (eller undertiden sunget) omfattede basse danse (It. Bassadanza), tourdion, saltarello, pavane, galliard, allemande, courante, bransle, canarie, piva og lavolta. Musik af mange genrer kunne arrangeres til et soloinstrument som lut, vihuela, harpe eller keyboard. Sådanne arrangementer blev kaldt intabulations (It. Intavolatura, Ger. Intabulierung).

Mod slutningen af perioden høres de tidlige dramatiske forløbere for opera som monodi, madrigalkomedien og mellemmediet.

Teori og notationEdit

Ifølge Margaret Bent: “Renæssancens notation er under-receptpligtig efter vores standarder; når den oversættes til moderne form, får den en receptpligtig vægt, der overspecificerer og fordrejer dens original åbenhed “. Renæssancekompositioner blev kun noteret i individuelle dele; score var yderst sjældne, og barlines blev ikke brugt. Bemærkningsværdier var generelt større, end de er i brug i dag; den primære enhed af beat var semibreve, eller hele tonen. Som det havde været tilfældet siden Ars Nova (se middelalderlig musik), kunne der være enten to eller tre af disse for hver brygge (en dobbelt-hel tone), som dog kan betragtes som ækvivalent med det moderne “mål”. det var i sig selv en noteværdi, og et mål er det ikke. Situationen kan overvejes på denne måde: den er den samme som reglen, hvormed en kvartnote i moderne musik kan svare til enten to ottende eller tre, som ville blive skrevet som en “triplet”. Ved den samme regning kunne der være to eller tre af den næste mindste note, “minim” (svarende til den moderne “halvnote”) til hver semibreve.

Disse forskellige permutationer blev kaldt “perfekte / ufuldkommen tempus “på niveauet med forholdet mellem breve og semibreve,” perfekt / ufuldkommen udbredelse “på niveau med semibreve-minim, og eksisterede i alle mulige kombinationer med hinanden. Tre-til-en blev kaldt “perfekt” og to-til-en “ufuldkommen.” Der eksisterede også regler, hvorved enkelte toner kunne halveres eller fordobles i værdi (henholdsvis “ufuldkommen” eller “ændret”), når de blev forud for eller efterfulgt af andre bestemte toner. Noter med sorte notehoveder (såsom kvartnoter) forekom sjældnere. Denne udvikling af hvid mensural notation kan være et resultat af den øgede brug af papir (snarere end velum), da det svagere papir var mindre i stand til at modstå de ridser, der kræves for at udfylde solide sedler; tidligere tiders notation, skrevet på velum, havde været sort.Andre farver og senere udfyldte noter blev også brugt rutinemæssigt, hovedsageligt for at håndhæve de førnævnte ufuldkommenheder eller ændringer og for at opfordre til andre midlertidige rytmiske ændringer.

Tilfældige (f.eks. Tilføjede skarpe, flade og naturlige der ændrede noterne) blev ikke altid specificeret, noget som i visse fingering notationer for guitar-familie instrumenter (tablaturer) i dag. Imidlertid ville renæssancemusikere have været højtuddannede i dyadisk kontrapunkt og således besad denne og andre oplysninger, der var nødvendige for at læse en score korrekt, selvom de utilsigtede ikke blev skrevet i. Som sådan, “hvad moderne notation kræver, ville da have været helt tydeligt uden notation til en sanger, der kender kontrapunktet. ” (Se musica ficta.) En sanger fortolker sin del ved at finde kadentialformler med andre dele i tankerne, og når de synger sammen, undgår musikere parallelle oktaver og parallelle femtedele eller ændrer deres kadiale dele i lyset af beslutninger truffet af andre musikere. Det er gennem nutidige tablaturer til forskellige plukkede instrumenter, at vi har fået meget information om, hvilke utilsigtede der blev udført af de oprindelige udøvere.

For information om specifikke teoretikere, se Johannes Tinctoris, Franchinus Gaffurius, Heinrich Glarean, Pietro Aron , Nicola Vicentino, Tomás de Santa María, Gioseffo Zarlino, Vicente Lusitano, Vincenzo Galilei, Giovanni Artusi, Johannes Nucius og Pietro Cerone.