Hvad er ikke-objektiv kunst – Definition og eksempler
Er der en sammenhæng mellem atomær opløsning og ikke-objektiv kunst? Hvad med Ernest Rutherford og Wassily Kandinsky? I det tidlige 20. århundrede ændrede opdagelser i fysikken hurtigt den måde, vi opfatter verden på, og gik så langt som at vise os, at selv den mindste bestanddel af almindelig materie yderligere kan opdeles i endnu mindre partikler. Ernest Rutherford, der i dag betragtes som far til kernefysik, udgav Theory of Atomic Disintegration i 1902 sammen med J.J. Thomson. I bogen forklarede de en radikalt ny idé om, at atomerne i radioaktive stoffer kan brydes op. Det var omkring samme tid, at Wassily Kandinsky besluttede at forlade München, hvor han studerede, og at rejse rundt i Europa for at se, hvad vestlig kunst med hans ord “havde opnået indtil den dato.” Denne rejse blev provokeret af den milde modtagelse af hans værker på Berlin Secession-udstillingen og Salon dAutomne i Paris i 1904. Mistænkelig over de teorier, der finder sandheden om den virkelighed, der omgiver os i kunstværker og fortrolige med teorier om opløsning af atomet begyndte Kandinsky at sætte spørgsmålstegn ved sandhedens virkelighed, der snart fik ham til at definere en ny linje i tænkning om kunst, som ikke var bekymret for det virkelige, uanset hvad det virkelige måtte være, men om det metafysiske.
Kandinskys spirituelle kunst
Dette skift i tænkning om kunst fra repræsentation af virkelighed til repræsentation af Stimmung eller væsentlig ånd i naturen, der vil påvirke og inspirere mange kunstnere med ikke-objektiv kunstherkomst, var udarbejdet af Kandinsky i sin tekst Concerning the Spiritual in Art. Som han skriver, med stor kunst:
“Tilskueren føler en tilsvarende spænding i sig selv. Sådan harmoni eller endog kontrast af følelser kan ikke være overfladisk eller værdiløs. Stimmung af et billede kan faktisk uddybe og rense det Tilskuerne. Sådanne kunstværker bevarer i det mindste sjælen fra grovhed; de “nøgler den”, så at sige, til en bestemt højde, som en tuningnøgle til strengene i et musikinstrument. “
Se flere værker af Wassily Kandinsky på vores markedsplads!
Det er tydeligt, at Kandinsky så kunsten som et middel, der hjælper os med at indstille os på højere, metafysiske og åndelige sfærer, der opløser grovheden i virkeligheden, men også den materialistiske, positivistiske tænkning fra det 19. århundrede. Hans overgang til abstraktion var imidlertid ikke pludselig, men kom gradvist gennem årene, hvor hans første ikke-objektive kunstværk var en akvarel fra 1910. Senere satte det spirituelle over materialet af Kandinsky kunstnere til at søge det rene, kunstneriske udtryk. frakoblet form virkelighed i geometriske former og farver, der definerer ikke-objektiv kunst.
Helen Mirren om Wassily Kandinsky
Ikke objektiv kunstdefinition – det abstrakte og det ikke-repræsentative
Ikke-objektiv kunst er et generelt udtryk, der definerer abstrakte kunstformer, der mangler overholdelse af identificerbare, kvantificerbare og observerbare egenskaber i den levende verden. Det er ofte forbundet med to sædvanlige figurer af russisk kunst, Alexander Rodchenko og hans landsmand Kasimir Malevich, der var banebrydende for abstrakt kunst baseret på geometriske former og linearitet, som også kaldes geometrisk abstraktion. Udtrykket ikke-objektiv kunst blev først brugt af Rodchenko, da han navngav nogle af sine billeder, og blev senere taget op af andre kunstnere, såsom Malevich. Sidstnævnte skrev også en bog med titlen The Non-Objective World: The Manifesto of Suprematism, som blev udgivet i 1926. Definitionen af ikke-objektiv kunst drejer sig om abstrakte udtryk, men i enklere vendinger kan det siges, at ikke-objektiv kunst står for kunstværker, der skaber en romanverden lavet af de elementer, der generelt ikke betyder noget – såsom en firkant, en linje eller en farvetone. Suprematisme, konstruktivisme og De Stijl, med sin mest berømte repræsentant i Piet Mondrian, tilhører alle gruppen af ikke-objektive kunststilarter, som har nogle gensidige forskelle. Mens de alle var forankret i et forsøg på at ændre verden og skabe ny kunst, der er funktionel og normativ, var suprematisme forankret i prærevolutionær anarkisme i Rusland, konstruktivisme understregede teknologisk og futuristisk æstetik, mens De Stijl overholdt klart defineret og afgrænset plan.
Malevichs sort-hvide ikke-objektive kunst
Malevich var blandt de første malere, der forsøgte at opnå idealet om et absolut maleri der fjernes fra enhver hentydning og objektiv reference. Måske den mest radikale af ikke-objektive kunstnere og teoretikere insisterede han i sine skrifter på, at kunst og de følelser, den kan generere, er vigtigere end politiske opfattelser og religiøse overbevisninger. I 1913 etablerede han Suprematism, og hans æstetik tog en drejning fra det tidspunkt og frem. Et af kunstværkerne, der markerer Suprematism, er hans sorte firkant på en hvid grund fra 1913. Maleriet skulle fremkalde “oplevelsen af ren ikke-objektivitet i den hvide tomhed af et befriet intet.” Det er den første blandt serierne af de såkaldte sidste malerier, hvor han forsøgte at nå slutningen af repræsentationen, der efterfølgende ville føre til en maleridød. Som han sagde, følte han bare “natten i mig selv, og fornemmede den nye ting, jeg kalder Suprematism. ” Kulminationen af hans søgen efter ultimativ ikke-objektivitet kom med hans hvide firkant på en hvid grund fra 1917. Med dette maleri nåede han grænsen til intetheden:
“Jeg forvandlede mig selv i formens nul og dukkede op fra intet til skabelse, det vil sige til suprematisme, til den nye realisme i maleriet – til ikke-objektiv skabelse. ”
Ikke-objektiv kunst i dag
Selvom det kan virke som en anakronisme at tale om ikke-objektiv kunst i dag, da udtrykket blev brugt til at definere kunst i en bestemt historisk sammenhæng, er formelle elementer i denne kunst forbliver en del af kunstneriske udforskninger selv i dag. Selvom konteksten, der indledte udseendet af ikke-objektiv kunst, ændrede sig dramatisk gennem årtierne, ser vi i dag brugen af den samme geometriske former og abstrakte elementer i kunstværker produceret over hele verden. Abstraktion trådte ind i modernitetens kunstneriske dekor og er i dag en del af den postmoderne mangfoldighed og det frie spil af stilarter og kunstneriske former. Christian Rosa, Ben Berlow, Anish Kapoor, Kika Karadi og Molly Zuckerman Hartung er blot nogle af navnene på kunstnere, der skaber abstrakt og ikke-objektiv kunst i dag. Deres værker er blevet analyseret og sammenlignet med deres historiske forgængere, men de giver også et nyt og moderne twist til denne kunststil. Spiritualitet og søgen efter dybere betydninger og følelsesmæssige engagementer synes mere udtalt i dag end nogensinde, og kunsten følger bestemt disse tendenser. Ikke kun at den ikke-objektive kunst lever og sparker i dag, men vi kan næsten ikke forestille os samtidskunsten uden den.
Et banebrydende arbejde i bevægelsen for at frigøre kunsten fra dens traditionelle bånd til den materielle virkelighed, denne bog er et af de vigtigste dokumenter i kunsthistorie. Skrevet af den berømte ikke-objektive maler Wassily Kandinsky (1866–1944) forklarer det Kandinskys egen teori om maleri og krystalliserer de ideer, der påvirkede mange andre kunstnere i perioden. Sammen med sin egen banebrydende kunst havde denne bog en enorm indflydelse. om kunstudviklingen. Kandinskys ideer præsenteres i to dele. Den første del, kaldet “Om generel æstetik”, opfordrer til en åndelig revolution i maleri og udtryk i abstrakte, ikke-materielle termer. I anden del, “Om maleri”, diskuterer Kandinsky farvernes psykologi, sprogets form og farve og kunstnerens ansvar.
Fremhævede billeder: Maleri af Kazimir Malevich, billede via 100 arkitekter. com; Wassily Kandinsky – Komposition VII, 1913. Hilsen Stat Tretyakov Galleri Moskva; Alexander Rodchenko – Konstruktion nr. 95. Billede via magazineclick.com. Alle billeder, der kun bruges til illustrative formål.