Wat is niet-objectieve kunst – definitie en voorbeelden
Is er een verband tussen atomaire desintegratie en niet-objectieve kunst? Hoe zit het met Ernest Rutherford en Wassily Kandinsky? In het begin van de 20e eeuw veranderden ontdekkingen in de natuurkunde snel de manier waarop we de wereld waarnemen, zelfs zo ver dat ze ons aantoonden dat zelfs de kleinste samenstellende eenheid van gewone materie verder kan worden opgesplitst in nog kleinere deeltjes. Ernest Rutherford, tegenwoordig beschouwd als een vader van de kernfysica, publiceerde in 1902 Theory of Atomic Disintegration, samen met J.J. Thomson. In het boek verklaarden ze een radicaal nieuw idee dat de atomen van radioactieve stoffen kunnen worden afgebroken. Het was rond dezelfde tijd dat Wassily Kandinsky besloot München, waar hij studeerde, te verlaten en door Europa te reizen om te zien wat de westerse kunst, in zijn woorden, tot die datum had bereikt. Deze reis werd uitgelokt door de milde ontvangst van zijn werken op de Berlin Secession-tentoonstelling en de Salon dAutomne in Parijs in 1904. Achterdochtig over de theorieën die waarheid vinden over de realiteit die ons omringt in kunstwerken en vertrouwd zijn met theorieën over het uiteenvallen van het atoom, begon Kandinsky de waarachtigheid van de werkelijkheid in twijfel te trekken, wat hem er al snel toe bracht een nieuwe lijn te definiëren in het denken over kunst, die zich niet bezighield met het echte, wat dat echt ook mag zijn, maar met het metafysische.
Kandinskys spirituele kunst
Deze verschuiving in het denken over kunst van representatie van de werkelijkheid naar representatie van Stimmung of essentiële geest van de natuur die vele kunstenaars van niet-objectieve kunstgeschiedenis zal beïnvloeden en inspireren, was uitgewerkt door Kandinsky in zijn tekst Concerning the Spiritual in Art. Zoals hij schrijft, in grote kunst:
“De toeschouwer voelt een overeenkomstige opwinding in zichzelf. Zon harmonie of zelfs contrast van emotie kan niet oppervlakkig of waardeloos zijn; inderdaad kan de prikkel van een foto dat verdiepen en zuiveren. van de toeschouwer. Dergelijke kunstwerken behoeden de ziel in ieder geval voor grofheid; ze “toetsen het”, om zo te zeggen, tot een bepaalde hoogte, als een stemsleutel de snaren van een muziekinstrument. “
Bekijk meer werken van Wassily Kandinsky op onze marktplaats!
Het is duidelijk dat Kandinsky kunst zag als een voertuig dat ons helpt ons af te stemmen op hogere, metafysische en spirituele sferen die de grofheid van de werkelijkheid oplossen, maar ook het materialistische, positivistische denken van de 19e eeuw. Zijn overgang naar abstractie was echter niet plotseling, maar kwam geleidelijk in de loop van de jaren, met zijn eerste niet-objectieve kunstwerk als een aquarel uit 1910. Door het spirituele boven het materiaal van Kandinsky te plaatsen, inspireerde Kandinsky later kunstenaars om de pure, artistieke expressie te zoeken. losgemaakt van de werkelijkheid in geometrische vormen en kleuren, die niet-objectieve kunst definiëren.
Helen Mirren over Wassily Kandinsky
Niet-objectieve kunstdefinitie – het abstracte en het niet-representatieve
Niet-objectieve kunst is een algemene term die abstracte kunstvormen definieert die niet voldoen aan identificeerbare, kwantificeerbare en waarneembare kenmerken van de levende wereld. Het wordt vaak in verband gebracht met twee baanbrekende figuren uit de Russische kunst, Alexander Rodchenko en zijn landgenoot Kasimir Malevich, die een pionier waren in abstracte kunst op basis van geometrische vormen en lineariteit, ook wel geometrische abstractie genoemd. De term niet-objectieve kunst werd voor het eerst gebruikt door Rodchenko toen hij enkele van zijn fotos noemde, en werd later overgenomen door andere kunstenaars, zoals Malevich. Laatstgenoemde schreef ook een boek met de titel The Non-Objective World: The Manifesto of Suprematism, dat in 1926 werd gepubliceerd. De definitie van niet-objectieve kunst gaat om abstracte uitdrukkingen, maar eenvoudiger gezegd zou je kunnen zeggen dat niet-objectieve kunst kunst staat voor kunstwerken die een nieuwe wereld creëren, gemaakt van de elementen die over het algemeen niets betekenen – zoals een vierkant, lijn of een vleugje kleur. Suprematisme, constructivisme en De Stijl, met de beroemdste vertegenwoordiger in Piet Mondriaan, behoren allemaal tot de groep van niet-objectieve kunststijlen die enkele onderlinge verschillen hebben. Hoewel ze allemaal geworteld waren in een poging om de wereld te veranderen en nieuwe kunst te creëren die functioneel en normatief is, was suprematisme geworteld in het pre-revolutionaire anarchisme in Rusland, het constructivisme benadrukte technologische en futuristische esthetiek, terwijl De Stijl vasthield aan duidelijk omschreven en afgebakende vliegtuig.
Malevichs zwart-witte niet-objectieve kunst
Malevich was een van de eerste schilders die probeerden het ideaal van een absoluut schilderij te bereiken dat wordt uit elke toespeling en objectieve verwijzing gewist. Misschien wel de meest radicale van niet-objectieve kunstenaars en theoretici, benadrukte hij in zijn geschriften dat kunst en de gevoelens die het kan opwekken belangrijker zijn dan politieke opvattingen en religieuze overtuigingen. In 1913 vestigde hij suprematisme, en zijn esthetiek nam vanaf dat moment een wending. Een van de kunstwerken die Suprematism zou kenmerken, is zijn Black Square on a White Ground uit 1913. Het schilderij was bedoeld om “de ervaring van pure niet-objectiviteit in de witte leegte van een bevrijd niets” op te roepen. Het is de eerste van de serie van de zogenaamde laatste schilderijen waarin hij het einde van de voorstelling probeerde te bereiken die vervolgens zou leiden tot de dood van de schilderkunst. Zoals hij zei, voelde hij gewoon de nacht in mezelf, en voelde het nieuwe dat ik suprematisme noem. ” Het hoogtepunt van zijn zoektocht naar ultieme niet-objectiviteit kwam met zijn White Square on a White Ground uit 1917. Met dit schilderij bereikte hij de grens van het niets:
“Ik transformeerde mezelf in de nul van vorm en kwam van niets naar creatie, dat wil zeggen naar suprematisme, naar het nieuwe realisme in de schilderkunst – naar niet-objectieve creatie. ”
Non Objective Art Today
Hoewel het tegenwoordig een anachronisme lijkt om over niet-objectieve kunst te praten, aangezien de term werd gebruikt om kunst in een bepaalde historische context te definiëren, zijn formele elementen van deze kunst deel blijven uitmaken van artistieke verkenningen, zelfs vandaag de dag. Hoewel de context die de opkomst van niet-objectieve kunst inluidde in de loop van de decennia drastisch veranderde, zien we vandaag het gebruik van dezelfde geometrische vormen en abstracte elementen in kunstwerken die over de hele wereld worden geproduceerd. Abstractie is het artistieke decorum van de moderniteit binnengedrongen en maakt vandaag deel uit van de postmoderne veelheid en het vrije spel van stijlen en artistieke vormen. Christian Rosa, Ben Berlow, Anish Kapoor, Kika Karadi en Molly Zuckerman Hartung zijn slechts enkele van de namen van kunstenaars die tegenwoordig abstracte en niet-objectieve kunst maken. Hun werken zijn geanalyseerd en vergeleken met hun historische voorgangers, maar ze geven ook een nieuwe, eigentijdse draai aan deze kunststijl. Spiritualiteit en het zoeken naar diepere betekenissen en emotionele betrokkenheid lijkt tegenwoordig meer uitgesproken dan ooit, en kunst volgt zeker deze trends. Niet alleen dat de niet-objectieve kunst tegenwoordig springlevend is, maar we kunnen ons de hedendaagse kunst nauwelijks voorstellen zonder.
Een baanbrekend werk in de beweging om kunst te bevrijden van zijn traditionele banden met de materiële realiteit. Dit boek is een van de belangrijkste documenten in de kunstgeschiedenis. Geschreven door de beroemde niet-objectieve schilder Wassily Kandinsky (1866-1944), verklaart het Kandinskys eigen schilderstheorie en kristalliseert het de ideeën die veel andere kunstenaars uit die periode beïnvloedden. Samen met zijn eigen baanbrekende kunst had dit boek een enorme impact over de ontwikkeling van kunst. Kandinskys ideeën worden in twee delen gepresenteerd. Het eerste deel, genaamd “Over algemene esthetiek”, roept op tot een spirituele revolutie in de schilderkunst en tot expressie in abstracte, niet-materiële termen. In het tweede deel, “Over schilderen”, bespreekt Kandinsky de psychologie van kleuren, de taal van vorm en kleur, en de verantwoordelijkheden van de kunstenaar.
Uitgelichte afbeeldingen: schilderij van Kazimir Malevich, afbeelding via 100architects. com; Wassily Kandinsky – Compositie VII, 1913. Courtesy State Tretyakov Gallery Moscow; Alexander Rodchenko – Construction No.95. Afbeelding via magazineclick.com. Alle afbeeldingen worden alleen voor illustratieve doeleinden gebruikt.