Renessansemusikk

Et av de mest uttalt trekk ved europeisk kunstmusikk fra tidlig renessanse var den økende avhengigheten av intervallet til den tredje og dens inversjon, den sjette (i middelalderen hadde tredjedeler og sjettedeler blitt betraktet som dissonanser, og bare perfekte intervaller ble behandlet som konsonanser: den perfekte fjerde den perfekte femten, oktaven og det korstemme). Polyfoni – bruken av flere uavhengige melodilinjer, utført samtidig – ble stadig mer forseggjort gjennom 1300-tallet, med svært uavhengige stemmer (både innen vokalmusikk og instrumental musikk). Begynnelsen av 1400-tallet viste forenkling, med komponistene ofte etterstreber jevnhet i de melodiske delene. Dette var mulig på grunn av et sterkt økt vokalområde i musikk – i middelalderen gjorde det smale området nødvendig hyppig kryssing av deler, og krevde dermed større kontrast mellom dem for å skille mellom de forskjellige delene. Modalene (i motsetning til tonale, også kjent som «musikalsk nøkkel», en tilnærming som ble utviklet i den påfølgende barokkmusikk-tiden, ca. 1600–1750), begynte kjennetegn ved renessansemusikken å brytes ned mot slutten av perioden med økt bruk. av rotbevegelser fra femtedeler eller fjerdedeler (se «sirkelen av femtedeler» for detaljer). Et eksempel på akkordprogresjon der akkordrøttene beveger seg med intervallet på en fjerde, ville være akkordprogresjonen, i nøkkelen til C-dur: «D-mol / G-dur / C-dur» (disse er alle treklanger; tre-tone akkorder). Bevegelsen fra D-mollord til G-durakkord er et intervall på en perfekt fjerde. Bevegelsen fra G dur akkord til C dur akkord er også et intervall på en perfekt fjerde. Dette utviklet seg senere til en av de definerende egenskapene til tonalitet under barokken.

De viktigste egenskapene til renessansemusikk er .:

• Musikk basert på modus.
• Rikere tekstur, med fire eller flere uavhengige melodiske deler som fremføres samtidig. Disse sammenvevde melodilinjene, en stil som kalles polyfoni, er et av de definerende trekkene ved renessansemusikken.
• Blanding, snarere enn kontrasterende, melodiske linjer i den musikalske strukturen.
• Harmoni som plasserte en større bekymring for jevn flyt av musikken og dens progresjon av akkorder.

Utviklingen av polyfoni produserte de bemerkelsesverdige endringene i musikkinstrumenter som markerer renessansen fra middelalderen musikalsk. Bruken av den oppmuntret til bruk av større ensembler og krevde sett med instrumenter som ville smelte sammen over hele vokalområdet. betydelig påvirket av utviklingen som definerer den tidlige moderne perioden: fremveksten av humanistisk tanke; gjenopprettingen av den litterære og kunstneriske arven til det antikke Hellas og det gamle Roma; økt innovasjon og funn; veksten av kommersielle virksomheter; fremveksten av en borgerlig klasse; og den protestantiske reformasjonen. Fra dette forandrende samfunnet kom det frem et felles, forenende musikkspråk, spesielt den polyfoniske stilen til den fransk-flamske skolen.

Oppfinnelsen av trykkpressen i 1439 gjorde det billigere og enklere å distribuere musikk og musikk. teoretiske tekster i større geografisk skala og til flere mennesker. Før oppfinnelsen av utskrift måtte skriftlig musikk og musikkteoretiske tekster kopieres for hånd, en tidkrevende og kostbar prosess. Etterspørselen etter musikk som underholdning og som fritidsaktivitet for utdannede amatører økte med fremveksten av en borgerlig klasse. Formidling av chansons, motetter og masser i hele Europa falt sammen med foreningen av polyfonisk praksis i den flytende stilen som kulminerte i andre halvdel av det sekstende århundre i arbeidet med komponister som Giovanni Pierluigi da Palestrina, Orlande de Lassus, Thomas Tallis, William Byrd og Tomás Luis de Victoria. Relativ politisk stabilitet og velstand i de lave landene, sammen med et blomstrende system for musikkutdanning i områdets mange kirker og katedraler tillot opplæring av et stort antall sangere, instrumentalister og komponister. Disse musikerne var svært etterspurte i hele Europa, spesielt i Italia, der kirker og aristokratiske domstoler hyret dem inn som komponister, utøvere og lærere. Siden trykkpressen gjorde det lettere å formidle trykt musikk, mot slutten av 1500-tallet, hadde Italia absorbert den nordlige musikalske påvirkningen med Venezia, Roma, og andre byer som ble sentrum for musikalsk aktivitet. Dette snudde situasjonen fra hundre år tidligere. Opera, en dramatisk iscenesatt sjanger der sangere blir ledsaget av instrumenter, oppsto på dette tidspunktet i Firenze. Opera ble utviklet som et bevisst forsøk på å gjenreise musikk fra det gamle Hellas.

GenresEdit

Hovedliturgiske (kirkebaserte) musikalske former som forble i bruk gjennom renessanseperioden var masser og motetter, med noen andre utviklingstrekk mot slutten av tiden, spesielt som komponister av hellig musikk begynte å adoptere sekulære (ikke-religiøse) musikalske former (som madrigalen) for religiøs bruk. Massene fra 1400- og 1500-tallet hadde to typer kilder som ble brukt, monofoniske (en enkelt melodilinje) og polyfoniske (flere uavhengige melodilinjer), med to hovedformer for utdyping, basert på cantus firmus-praksis eller, begynner en tid rundt 1500, den nye stilen med «gjennomgripende etterligning», der komponister skulle skrive musikk der de forskjellige stemmene eller delene ville imitere de melodiske og / eller rytmiske motivene utført av andre stemmer eller deler. Fire hovedtyper av masser ble brukt:

• Cantus firmus masse (tenormasse)
• Cantus firmus / imitasjonsmasse
• Parafrasemassen
• Imitasjonsmassen (parodimasse)

Massene ble normalt betegnet av kilden de lånte fra. Cantus firmus-massen bruker den samme monofoniske melodien, vanligvis hentet fra sang og vanligvis i tenoren og ofte i lengre toneverdier enn de andre stemmene. Andre hellige sjangre var madrigale spirituale og laude.

I løpet av perioden hadde sekulær (ikke-religiøs) musikk en økende distribusjon, med et bredt utvalg av former, men man må være forsiktig med å anta en eksplosjon. i mangfold: siden utskrift gjorde musikk mer tilgjengelig, har mye mer overlevd fra denne tiden enn fra forrige middelalder, og sannsynligvis er en rik butikk med populærmusikk fra senmiddelalderen tapt. Sekulær musikk var musikk som var uavhengig av kirker. Hovedtyper var tysk Lied, italiensk frottola, fransk chanson, italiensk madrigal og den spanske villancico. Andre sekulære vokalsjangre inkluderte caccia, rondeau, virelai, bergerette, ballade, musique mesurée, canzonetta, villanella, villotta og lutesangen. Blandede former som motet-chanson og det sekulære motet dukket også opp.

Rent instrumentalmusikk inkluderte konsortmusikk for opptakere eller fioler og andre instrumenter, og dans for forskjellige ensembler. Vanlige instrumentalsjangere var toccata, prelude, ricercar og canzona. Danser spilt av instrumentale ensembler (eller noen ganger sunget) inkluderte basse danse (It. Bassadanza), tourdion, saltarello, pavane, galliard, allemande, courante, bransle, canarie, piva og lavolta. Musikk av mange sjangere kan arrangeres for et soloinstrument som lute, vihuela, harpe eller keyboard. Slike arrangementer ble kalt intabulations (It. Intavolatura, Ger. Intabulierung).

Mot slutten av perioden høres de tidlige dramatiske forløperne til opera som monodi, den madrigale komedien og mellommediet.

Teori og notasjonEdit

Ifølge Margaret Bent: «Renessansens notasjon er underordinær etter våre standarder; når den oversettes til moderne form, får den en reseptiv vekt som overspesifiserer og forvrenger dens original åpenhet «. Renessansekomposisjoner ble kun notert i individuelle deler; score var ekstremt sjeldne, og streklinjer ble ikke brukt. Merkverdier var generelt større enn det som er i bruk i dag; den primære enheten for beat var semibreve, eller hele tonen. Som det hadde vært tilfelle siden Ars Nova (se middelaldermusikk), kan det være enten to eller tre av disse for hver brygge (en dobbel hel tone), som kan sees på som tilsvarer det moderne «tiltaket», skjønt det var i seg selv en merkeverdi og et mål er ikke. Situasjonen kan betraktes på denne måten: den er den samme som regelen der en kvart-tone i moderne musikk kan tilsvare enten to åttende eller tre, som ville blitt skrevet som en «triplett». På samme måte kan det være to eller tre av den neste minste noten, «minim», (tilsvarer den moderne «halvnoten») til hver semibreve.

Disse forskjellige permutasjonene ble kalt «perfekt» / ufullkommen tempus «på nivået mellom forholdet mellom brygge og semibreve,» perfekt / ufullkommen prolasjon «på nivå med semibreve-minim, og eksisterte i alle mulige kombinasjoner med hverandre. Tre-mot-en ble kalt «perfekt» og to-til-en «ufullkommen». Det eksisterte også regler der enkeltnoter kunne halveres eller dobles i verdi (henholdsvis «ufullkommen» eller «endret») når andre bestemte toner gikk foran eller etterfulgt av dem. Notater med svarte sedler (for eksempel kvart notater) skjedde sjeldnere. Denne utviklingen av hvit menstruasjonsnotasjon kan være et resultat av økt bruk av papir (snarere enn velum), ettersom det svakere papiret var mindre i stand til å tåle riper som kreves for å fylle ut solide notatpapir; notasjonen fra tidligere tider, skrevet på velell, hadde vært svart.Andre farger og senere utfylte notater ble også brukt rutinemessig, hovedsakelig for å håndheve de nevnte manglene eller endringene og for å kreve andre midlertidige rytmiske endringer.

Tilfeldigheter (f.eks. Tilsatte skarpe, flate og naturlige ting som endrer tonene) ble ikke alltid spesifisert, noe som i visse fingeringstegn for gitarfamilieinstrumenter (tablaturer) i dag. Imidlertid ville renessansemusikere ha vært høyt opplært i dyadisk kontrapunkt og dermed hatt denne og annen informasjon som er nødvendig for å lese en partitur riktig, selv om de tilfeldige ikke ble skrevet inn. Som sådan ville «det moderne notasjon krever, ha vært helt tydelig uten notasjon til en sanger som er kontrapunkt. » (Se musica ficta.) En sanger ville tolke sin del ved å finne kadiale formler med andre deler i tankene, og når de synger sammen, ville musikere unngå parallelle oktaver og parallelle femtedeler eller endre kadentielle deler i lys av beslutninger fra andre musikere. Det er gjennom moderne tablaturer for forskjellige plukkede instrumenter at vi har fått mye informasjon om hvilke tilfeldigheter som ble utført av de opprinnelige utøverne.

For informasjon om spesifikke teoretikere, se Johannes Tinctoris, Franchinus Gaffurius, Heinrich Glarean, Pietro Aron , Nicola Vicentino, Tomás de Santa María, Gioseffo Zarlino, Vicente Lusitano, Vincenzo Galilei, Giovanni Artusi, Johannes Nucius og Pietro Cerone.