Musique de la Renaissance

Lune des caractéristiques les plus marquantes de la musique dart européenne de la première Renaissance était le recours croissant à lintervalle du tiers et à son inversion, le sixième (au Moyen Âge, les tiers et les sixièmes avaient considérés comme des dissonances, et seuls les intervalles parfaits étaient traités comme des consonances: la quatrième parfaite la quinte parfaite, loctave et lunisson). La polyphonie – lutilisation de multiples lignes mélodiques indépendantes, exécutées simultanément – est devenue de plus en plus élaborée tout au long du 14ème siècle, avec des voix très indépendantes (à la fois dans la musique vocale et dans la musique instrumentale). Le début du XVe siècle a montré une simplification, les compositeurs recherchant souvent la douceur des parties mélodiques. Cela a été possible en raison dune gamme vocale considérablement accrue en musique – au Moyen Âge, la gamme étroite rendait nécessaire le croisement fréquent des parties, nécessitant ainsi un plus grand contraste entre elles pour distinguer les différentes parties. Les caractéristiques modales (par opposition aux tonalités, également connues sous le nom de «clé musicale», une approche développée à lère de la musique baroque ultérieure, vers 1600–1750) de la musique de la Renaissance ont commencé à seffondrer vers la fin de la période avec une utilisation accrue des mouvements de la racine des cinquièmes ou des quarts (voir le «cercle des cinquièmes» pour plus de détails). Un exemple de progression daccords dans laquelle les racines daccords se déplacent par lintervalle dun quart serait la progression daccords, dans la tonalité de Do majeur: « Ré mineur / Sol majeur / Do majeur » (ce sont toutes des triades; trois notes accords). Le mouvement de laccord de ré mineur à laccord de sol majeur est un intervalle dune quatrième parfaite. Le mouvement de laccord de sol majeur à laccord de do majeur est également un intervalle dune quatrième parfaite. Ceci est devenu plus tard lune des caractéristiques déterminantes de la tonalité à lépoque baroque.

Les principales caractéristiques de la musique de la Renaissance sont:

• Musique basée sur les modes.
• Texture plus riche, avec quatre parties mélodiques indépendantes ou plus exécutées simultanément. Ces lignes mélodiques entrelacées, un style appelé polyphonie, est lune des caractéristiques déterminantes de la musique de la Renaissance.
• Mélange, plutôt que contraste, des lignes mélodiques dans la texture musicale.
• Lharmonie qui a placé une plus grande préoccupation sur la fluidité de la musique et sa progression des accords.

Le développement de la polyphonie a produit les changements notables dinstruments de musique qui marquent musicalement la Renaissance à partir du Moyen Âge. Son utilisation encourageait lutilisation densembles plus grands et exigeait des ensembles dinstruments qui se fondraient sur toute la gamme vocale.

BackgroundEdit

Comme dans les autres arts, la musique de lépoque était significativement influencé par les développements qui définissent la période moderne: la montée de la pensée humaniste; la récupération du patrimoine littéraire et artistique de la Grèce antique et de la Rome antique; innovation et découverte accrues; la croissance des entreprises commerciales; la montée dune classe bourgeoise; et la Réforme protestante. De cette société en mutation a émergé un langage musical commun et unificateur, en particulier le style polyphonique de lécole franco-flamande.

Linvention de limprimerie en 1439 a rendu moins cher et plus facile la distribution de musique et de musique textes théoriques à une échelle géographique plus large et à plus de personnes. Avant linvention de limprimerie, la musique écrite et les textes de théorie musicale devaient être copiés à la main, un processus long et coûteux. La demande de musique comme divertissement et comme activité de loisir pour les amateurs instruits a augmenté avec lémergence dune classe bourgeoise. La diffusion de chansons, motets et messes à travers lEurope a coïncidé avec lunification de la pratique polyphonique dans le style fluide qui a culminé dans la seconde moitié du XVIe siècle dans lœuvre de compositeurs tels que Giovanni Pierluigi da Palestrina, Orlande de Lassus, Thomas Tallis, William Byrd et Tomás Luis de Victoria. La stabilité politique relative et la prospérité dans les Pays-Bas, ainsi quun système florissant déducation musicale dans la région, de nombreuses églises et cathédrales ont permis la formation dun grand nombre de chanteurs, instrumentistes et compositeurs. Ces musiciens étaient très recherchés dans toute lEurope, en particulier en Italie, où les églises et les cours aristocratiques les embauchaient comme compositeurs, interprètes et professeurs. Puisque limprimerie facilitait la diffusion de la musique imprimée, à la fin du XVIe siècle, lItalie avait absorbé les influences musicales du nord avec Venise, Rome, et dautres villes devenant des centres dactivité musicale. Cela a inversé la situation cent ans plus tôt. Lopéra, un genre dramatique mis en scène dans lequel les chanteurs sont accompagnés dinstruments, est né à cette époque à Florence. Lopéra a été développé comme une tentative délibérée de ressusciter musique de la Grèce antique.

GenresEdit

Les principales formes musicales liturgiques (basées sur léglise) qui sont restées en usage tout au long de la période de la Renaissance étaient les messes et les motets, avec quelques autres développements vers la fin de lépoque, en particulier comme les compositeurs de musique sacrée ont commencé à adopter des formes musicales laïques (non religieuses) (comme le madrigal) à des fins religieuses. Les messes des XVe et XVIe siècles avaient deux types de sources utilisées, monophoniques (une seule ligne mélodique) et polyphoniques (lignes mélodiques multiples et indépendantes), avec deux formes principales délaboration, basées sur la pratique du cantus firmus ou, commençant quelque temps. 1500, le nouveau style d « imitation omniprésente », dans lequel les compositeurs écrivaient une musique dans laquelle les différentes voix ou parties imiteraient les motifs mélodiques et / ou rythmiques exécutés par dautres voix ou parties. Quatre principaux types de masses ont été utilisés:

• Masse du cantus firmus (masse du ténor)
• La masse du cantus firmus / imitation
• La masse paraphrase
• La masse dimitation (masse parodique)

Les messes étaient normalement intitulées par la source à laquelle elles ont emprunté. Cantus firmus mass utilise la même mélodie monophonique, généralement tirée du chant et généralement dans le ténor et le plus souvent dans des valeurs de notes plus longues que les autres voix. Dautres genres sacrés étaient le madrigale spirituale et le laude.

Pendant cette période, la musique profane (non religieuse) avait une distribution croissante, avec une grande variété de formes, mais il faut se méfier de supposer une explosion en variété: depuis que limprimerie a rendu la musique plus largement disponible, beaucoup plus a survécu de cette époque que de lépoque médiévale précédente, et probablement une riche réserve de musique populaire de la fin du Moyen Âge est perdue. La musique profane était une musique indépendante des églises. Les principaux types étaient le Lied allemand, la frottola italienne, la chanson française, le madrigal italien et le villancico espagnol. Dautres genres vocaux profanes comprenaient la caccia, le rondeau, le virelai, la bergerette, la ballade, la musique effacée, la canzonetta, la villanella, la villotta et le chant du luth. Des formes mixtes telles que le motet-chanson et le motet profane sont également apparues.

La musique purement instrumentale comprenait de la musique consort pour flûtes à bec ou violes et autres instruments, et des danses pour divers ensembles. Les genres instrumentaux communs étaient le toccata, le prélude, le ricercar et le canzona. Les danses jouées par des ensembles instrumentaux (ou parfois chantées) comprenaient la basse danse (It. Bassadanza), le tourdion, le saltarello, le pavane, le galliard, lallemande, la courante, le bransle, le canarie, le piva et le lavolta. La musique de nombreux genres peut être arrangée pour un instrument solo tel que le luth, la vihuela, la harpe ou le clavier. De tels arrangements ont été appelés intabulations (It. Intavolatura, Ger. Intabulierung).

Vers la fin de la période, les premiers précurseurs dramatiques de lopéra tels que la monodie, la comédie madrigale et lintermédio sont entendus.

Théorie et notationModifier

Selon Margaret Bent: «La notation Renaissance est sous-prescriptive par nos standards; lorsquelle est traduite sous une forme moderne, elle acquiert un poids prescriptif qui sur-spécifie et déforme son ouverture originale « . Les compositions de la Renaissance nétaient notées que dans des parties individuelles; les scores étaient extrêmement rares et les barres de mesure nétaient pas utilisées. Les valeurs des notes étaient généralement plus élevées que celles utilisées aujourdhui; lunité principale de battement était le semi-fibreve, ou note entière. Comme cétait le cas depuis lArs Nova (voir Musique médiévale), il pouvait y en avoir deux ou trois pour chaque breve (une double note entière), ce qui peut être considéré comme équivalent à la «mesure» moderne, bien que cétait en soi une valeur de note et une mesure ne lest pas. La situation peut être considérée de cette façon: cest la même chose que la règle selon laquelle, dans la musique moderne, une noire peut être égale à deux croches ou à trois, qui seraient écrites comme un «triolet». Par le même calcul, il pourrait y avoir deux ou trois de la plus petite note suivante, le « minim », (équivalent à la « demi-note » moderne) à chaque demi-fibre.

Ces différentes permutations étaient appelées « parfaites » / tempus imparfait « au niveau de la relation breve-semibreve, » prolation parfaite / imparfaite « au niveau du semibreve-minim, et existaient dans toutes les combinaisons possibles les unes avec les autres. Trois contre un était appelé «parfait» et deux contre un «imparfait». Il existait également des règles selon lesquelles les notes simples pouvaient être divisées par deux ou doublées en valeur (« imparfaites » ou « modifiées », respectivement) lorsquelles étaient précédées ou suivies par dautres certaines notes. Les notes à tête de note noire (comme les noires) sont moins fréquentes. Ce développement de la notation mensurale blanche peut être le résultat de lutilisation accrue du papier (plutôt que du vélin), car le papier plus faible était moins capable de résister au grattage requis pour remplir des têtes de notes solides; la notation des temps précédents, écrite sur du vélin, avait été noire.Dautres couleurs, et plus tard, des notes remplies, ont également été utilisées régulièrement, principalement pour renforcer les imperfections ou altérations susmentionnées et pour appeler dautres changements rythmiques temporaires.

qui changent les notes) nétaient pas toujours spécifiées, un peu comme dans certaines notations de doigté pour les instruments de la famille des guitares (tablatures) aujourdhui. Cependant, les musiciens de la Renaissance auraient été hautement formés au contrepoint dyadique et auraient donc possédé cette information et dautres nécessaires pour lire correctement une partition, même si les altérations nétaient pas écrites. notation à un chanteur versé dans le contrepoint.  » (Voir musica ficta.) Un chanteur interpréterait sa partie en figurant des formules cadentielles avec dautres parties à lesprit, et lorsquils chantaient ensemble, les musiciens évitaient les octaves parallèles et les quintes parallèles ou altéraient leurs parties cadentielles à la lumière des décisions dautres musiciens. Cest grâce à des tablatures contemporaines pour divers instruments pincés que nous avons obtenu beaucoup dinformations sur les altérations effectuées par les praticiens originaux.

Pour des informations sur des théoriciens spécifiques, voir Johannes Tinctoris, Franchinus Gaffurius, Heinrich Glarean, Pietro Aron , Nicola Vicentino, Tomás de Santa María, Gioseffo Zarlino, Vicente Lusitano, Vincenzo Galilei, Giovanni Artusi, Johannes Nucius et Pietro Cerone.