Mikä on ei-objektiivinen taide – määritelmä ja esimerkkejä
Onko atomihajoamisen ja ei-objektiivisen taiteen välillä yhteyttä? Entä Ernest Rutherford ja Wassily Kandinsky? 1900-luvun alkupuolella fysiikan löydökset muuttivat nopeasti tapaa, jolla miellämme maailmaa, osoittavat meille, että jopa pienimmän tavallisen aineosan muodostava yksikkö voidaan hajottaa vielä pienemmiksi hiukkasiksi. Ernest Rutherford, jota tänään pidetään ydinfysiikan isänä, julkaisi atomihajoamisen teorian vuonna 1902 yhdessä J.J. Thomson. Kirjassa he esittivät radikaalisti uuden ajatuksen siitä, että radioaktiivisten aineiden atomit voidaan hajottaa. Samoihin aikoihin Wassily Kandinsky päätti lähteä Münchenistä, missä hän opiskeli, ja matkustaa ympäri Eurooppaa saadakseen selville, mitä länsimainen taide hänen sanoinsa oli ”saavuttanut tähän päivään mennessä”. Tämän matkan herättivät hänen teostensa lievä vastaanotto Berliinin Secession-näyttelyssä ja Salon dAutomne Pariisissa vuonna 1904. Epäilevät teoriat, jotka löytävät totuuden todellisuudesta, joka ympäröi meitä taideteoksissa ja tuntevat teosten hajoamista. Atomi, Kandinsky alkoi kyseenalaistaa todellisuuden totuudenmukaisuuden, joka sai hänet pian määrittelemään uuden linjan taiteen ajattelussa, joka ei koskenut todellista, riippumatta siitä, mikä todellinen voi olla, vaan metafyysistä.
Kandinskyn hengellinen taide
Tämä taiteen ajattelun muutos todellisuuden esityksestä esitykseen ungung tai olennainen luonnonhenki, joka vaikuttaa ja inspiroi monia taiteellisen alkuperän omaavia taiteilijoita Kandinsky on kehittänyt tekstissään Hengellinen taiteessa. Kuten hän kirjoittaa, suuressa taiteessa:
”Katsoja tuntee vastaavan jännityksen itsessään. Tällainen tunteiden harmonia tai edes kontrasti ei voi olla pinnallinen tai arvoton; kuvan tosiasia voi syventää ja puhdistaa sitä Tällaiset taideteokset ainakin suojelevat sielua karkeudelta; ne ”avaavat sen” niin sanotusti tietylle korkeudelle viritysavaimena soittimen kielet. ”
Katso lisää Wassily Kandinskyn teoksia markkinapaikaltamme!
On selvää, että Kandinsky näki taiteen välineenä, joka auttaa meitä virittämään korkeammille, metafyysisille ja hengellisille alueille, jotka hajottavat todellisuuden karkeuden, mutta myös 1800-luvun materialistinen, positivistinen ajattelu. Hänen siirtymisensä abstraktioon ei kuitenkaan ollut äkillinen, vaan tapahtui vähitellen vuosien varrella, jolloin hänen ensimmäinen ei-objektiivinen taideteoksensa oli vesiväri vuodelta 1910. Kandinskyn asettaminen henkisen materiaalin yläpuolelle inspiroi taiteilijoita etsimään puhdasta, taiteellista ilmaisua irrotettu muototodellisuus geometrisissa muodoissa ja väreissä, jotka määrittelevät ei-objektiivisen taiteen.
Helen Mirren Wassily Kandinskyssa
Ei-objektiivisen taiteen määritelmä – abstrakti ja ei-edustava
Ei-objektiivinen taide on yleinen termi, joka määrittelee abstraktit taidemuodot, jotka eivät ole kiinni elävän maailman tunnistettavissa olevista, kvantifioitavista ja havaittavista ominaisuuksista. Se liittyy usein kahteen venäläisen taiteen peruskuvaan, Alexander Rodchenkoon ja maanmiehensä Kasimir Malevichiin, jotka olivat uranuurtajia geometrisiin muotoihin ja lineaarisuuteen perustuvaan abstraktiin taiteeseen, johon viitataan myös geometrisena abstraktiona. Termiä ei-objektiivinen taide käytti Rodchenko ensimmäisen kerran, kun hän nimitti joitain kuviaan, ja myöhemmin muut taiteilijat, kuten Malevich, otti sen käyttöön. Viimeksi mainittu kirjoitti myös kirjan Ei-objektiivinen maailma: suprematismin manifesti, joka julkaistiin vuonna 1926. Ei-objektiivisen taiteen määritelmä kiertää abstrakteja ilmaisuja, mutta yksinkertaisemmin sanottuna voidaan sanoa, että ei-objektiivinen taide tarkoittaa taideteoksia, jotka luovat uuden maailman, joka on tehty elementeistä, jotka eivät yleensä tarkoita mitään – kuten neliö, viiva tai värisävy. Suprematismi, konstruktivismi ja De Stijl, joiden tunnetuin edustaja Piet Mondrianissa, kuuluvat kaikki ei-objektiivisten taiteiden ryhmään, joilla on joitain keskinäisiä eroja. Vaikka ne kaikki juurtuvat yritykseen muuttaa maailmaa ja luoda uutta toimivaa ja normatiivista taidetta, suprematismi juurrutti vallankumousta edeltävään anarkismiin Venäjällä, konstruktivismi korosti teknologista ja futuristista estetiikkaa, kun taas De Stijl noudatti selkeästi määriteltyä ja rajattua kone.
Malevichin mustavalkoinen ei-objektiivinen taide
Malevich oli yksi ensimmäisistä maalareista, jotka yrittivät saavuttaa ihanteellisen maalauksen joka on puhdistettu jokaisesta viittauksesta ja objektiivisesta viitteestä. Ehkä radikaali ei-objektiivisista taiteilijoista ja teoreetikoista hän väitti kirjoituksissaan, että taide ja sen aiheuttamat tunteet ovat tärkeämpiä kuin poliittiset käsitykset ja uskonnolliset vakaumukset. Vuonna 1913 hän perusti suprematismin, ja hänen esteettisyytensä kääntyi siitä eteenpäin. Yksi suprematismia leimaavista teoksista on hänen musta neliönsä valkoisella pohjalla vuodelta 1913. Maalauksen oli tarkoitus herättää ”kokemus puhtaasta ei-objektiivisuudesta vapautuneen tyhjän valkoisessa tyhjyydessä”. Se on ensimmäinen ns. Viimeisten maalausten sarjassa, jossa hän yritti päästä esityksen loppuun, mikä johtaisi myöhemmin maalauskuolemaan. Kuten hän totesi, hän vain ”tunsi yötä itsessäni ja aisti uuden asian, jota kutsun suprematismiksi. ” Lopullisen epäobjektiivisuuden etsinnän huipentuma tuli hänen valkoisella neliöllä valkoisella pohjalla vuodelta 1917. Tämän maalauksen avulla hän pääsi olemattomuuden rajalle:
”Muutin itseni muodon nollassa ja nousin esiin tyhjästä luomiseen, toisin sanoen suprematismiin, maalauksen uuteen realismiin – ei-objektiiviseen luomiseen. ”
Ei-objektiivinen taide tänään
Vaikka voi tuntua anakronismilta puhua ei-objektiivisesta taiteesta nykyään, koska termiä käytettiin taiteen määrittelemiseen tietyssä historiallisessa yhteydessä, tämän taiteen muodolliset elementit Vaikka ei-objektiivisen taiteen ulkonäön johtanut konteksti muuttui dramaattisesti vuosikymmenien aikana, näemme nykyään saman geometrisen muotoja ja abstrakteja elementtejä ympäri maailmaa tuotetuissa teoksissa. Abstraktio tuli modernin taiteelliseen sisustukseen ja on nykyään osa postmodernista tyylien ja taiteellisten muotojen moninaisuutta ja vapaata peliä. Christian Rosa, Ben Berlow, Anish Kapoor, Kika Karadi ja Molly Zuckerman Hartung ovat vain joitain taiteilijoiden nimiä, jotka luovat nykyään abstraktia ja ei-objektiivista taidetta. Heidän teoksiaan on analysoitu ja verrattu historiallisiin edeltäjiinsä, mutta ne antavat myös uuden ja nykyaikaisen käänteen tähän taidetyyliin. Hengellisyys ja syvempien merkitysten ja emotionaalisten sitoutumisten etsiminen näyttää nykyään voimakkaammalta kuin koskaan, ja taide seuraa varmasti näitä suuntauksia. Eikä vain ei-objektiivinen taide elää ja potkaisee tänään, mutta tuskin voimme kuvitella nykytaidetta ilman sitä.
Tämä on uraauurtava liike taiteen vapauttamisessa sen perinteisistä siteistä aineelliseen todellisuuteen, ja tämä kirja on yksi tärkeimmistä asiakirjoista taiteen historia. Kuuluisan ei-objektiivisen taidemaalarin Wassily Kandinskyn (1866–1944) kirjoittama, se selittää Kandinskyn oman maalausteorian ja kiteyttää ideat, jotka vaikuttivat moniin muihin ajanjakson taiteilijoihin. Oman uraauurtavan taiteensa lisäksi tällä kirjalla oli valtava vaikutus Kandinskyn ideat esitetään kahdessa osassa. Ensimmäinen osa, nimeltään ”Tietoja yleisestä esteettisyydestä”, vaatii hengellistä vallankumousta maalauksessa ja ilmaisua abstrakteina, ei-aineellisina. Toisessa osassa ”Tietoja maalauksesta” Kandinsky käsittelee värien psykologiaa, muodon ja värin kieltä sekä taiteilijan vastuuta.
Esitetyt kuvat: Kazimir Malevichin maalaus, kuva 100arkkitehtuurin kautta. com; Wassily Kandinsky – sävellys VII, 1913. Kohteliaisuus valtion Tretjakovin galleria Moskovassa; Alexander Rodchenko – rakennus nro 95. Kuva magazineclick.com-sivuston kautta. Kaikki kuvat käytetään vain havainnollistamiseen.