Música renacentista

Una de las características más pronunciadas de la música artística europea del Renacimiento temprano fue la creciente dependencia del intervalo de la tercera y su inversión, la sexta (en la Edad Media, los tercios y sextos tenían han sido consideradas disonancias, y solo los intervalos perfectos fueron tratados como consonancias: la cuarta perfecta, la quinta perfecta, la octava y el unísono). La polifonía, el uso de múltiples líneas melódicas independientes, interpretadas simultáneamente, se volvió cada vez más elaborada a lo largo del siglo XIV, con voces muy independientes (tanto en la música vocal como en la instrumental). El comienzo del siglo XV mostró una simplificación, con los compositores a menudo luchando por la suavidad en las partes melódicas. Esto fue posible debido a un rango vocal mucho mayor en la música: en la Edad Media, el rango estrecho hizo necesario el cruce frecuente de partes, lo que requirió un mayor contraste entre ellas para distinguir las diferentes partes. Las características modales (en oposición a tonal, también conocido como «clave musical», un enfoque desarrollado en la era de la música barroca posterior, c. 1600-1750) de la música renacentista comenzaron a desmoronarse hacia el final del período con el mayor uso de movimientos de raíz de quintos o cuartos (consulte el «círculo de quintos» para obtener más detalles). Un ejemplo de una progresión de acordes en la que las raíces del acorde se mueven en el intervalo de una cuarta sería la progresión de acordes, en la tonalidad de Do mayor: «Re menor / Sol mayor / Do mayor» (todas son tríadas; tres notas acordes). El movimiento del acorde D menor al acorde G mayor es un intervalo de una cuarta perfecta. El movimiento del acorde de sol mayor al acorde de do mayor también es un intervalo de una cuarta perfecta. Esto más tarde se convirtió en una de las características definitorias de la tonalidad durante la época barroca.

Las principales características de la música renacentista son:

• Música basada en modos.
• Textura más rica, con cuatro o más partes melódicas independientes que se interpretan simultáneamente. Estas líneas melódicas entrelazadas, un estilo llamado polifonía, es una de las características definitorias de la música del Renacimiento.
• Mezclar, en lugar de contrastar, líneas melódicas en la textura musical.
• Armonía que colocó una mayor preocupación por el fluir suave de la música y su progresión de acordes.

El desarrollo de la polifonía produjo los notables cambios en los instrumentos musicales que marcan musicalmente el Renacimiento desde la Edad Media. Su uso alentó el uso de conjuntos más grandes y exigió conjuntos de instrumentos que se fusionaran en todo el rango vocal.

BackgroundEdit

Como en las otras artes, la música de la época fue influenciado significativamente por los desarrollos que definen el período moderno temprano: el surgimiento del pensamiento humanista; la recuperación del patrimonio literario y artístico de la Antigua Grecia y la Antigua Roma; mayor innovación y descubrimiento; el crecimiento de empresas comerciales; el surgimiento de una clase burguesa; y la reforma protestante. De esta sociedad cambiante surgió un lenguaje musical común y unificador, en particular, el estilo polifónico de la escuela franco-flamenca.

La invención de la imprenta en 1439 hizo que fuera más barato y más fácil distribuir música y música. textos teóricos en una escala geográfica más amplia y para más personas. Antes de la invención de la imprenta, los textos escritos sobre música y teoría musical tenían que copiarse a mano, un proceso costoso y que requería mucho tiempo. La demanda de música como entretenimiento y como actividad de ocio para los aficionados educados aumentó con el surgimiento de una clase burguesa. La difusión de chansons, motetes y misas por toda Europa coincidió con la unificación de la práctica polifónica en el estilo fluido que culminó en la segunda mitad del siglo XVI con la obra de compositores como Giovanni Pierluigi da Palestrina, Orlande de Lassus, Thomas Tallis, William Byrd y Tomás Luis de Victoria. La relativa estabilidad política y prosperidad en los Países Bajos, junto con un floreciente sistema de educación musical en las numerosas iglesias y catedrales de la zona, permitieron la formación de un gran número de cantantes, instrumentistas y compositores. Estos músicos fueron muy buscados en toda Europa, especialmente en Italia, donde las iglesias y las cortes aristocráticas los contrataron como compositores, intérpretes y maestros. Dado que la imprenta facilitó la difusión de la música impresa, a fines del siglo XVI, Italia había absorbido las influencias musicales del norte con Venecia, Roma, y otras ciudades convirtiéndose en centros de actividad musical. Esto revirtió la situación de cien años antes. La ópera, un género dramático en el que los cantantes son acompañados por instrumentos, surgió en este momento en Florencia. La ópera se desarrolló como un intento deliberado de resucitar música de la antigua Grecia.

GenresEdit

Las principales formas musicales litúrgicas (basadas en la iglesia) que permanecieron en uso durante el período del Renacimiento fueron misas y motetes, con algunos otros desarrollos hacia el final de la era, especialmente los compositores de música sacra comenzaron a adoptar formas musicales seculares (no religiosas) (como el madrigal) para uso religioso. Las misas de los siglos XV y XVI tenían dos tipos de fuentes que se utilizaban, monofónicas (una sola línea melódica) y polifónicas (líneas melódicas múltiples e independientes), con dos formas principales de elaboración, basadas en la práctica del cantus firmus o, comenzando en algún momento alrededor. 1500, el nuevo estilo de «imitación omnipresente», en el que los compositores escribirían música en la que las diferentes voces o partes imitarían los motivos melódicos y / o rítmicos interpretados por otras voces o partes. Se utilizaron cuatro tipos principales de masas:

• Masa cantus firmus (masa tenor)
• La masa cantus firmus / imitación
• La masa parafraseada
• La misa de imitación (misa de parodia)

Las misas normalmente se titulaban según la fuente de la que tomaban prestado. Cantus firmus mass usa la misma melodía monofónica, generalmente extraída del canto y generalmente en el tenor y con mayor frecuencia en valores de nota más largos que las otras voces. Otros géneros sagrados fueron la madrigale spirituale y la laude.

Durante el período, la música secular (no religiosa) tuvo una distribución cada vez mayor, con una amplia variedad de formas, pero hay que tener cuidado al asumir una explosión. en variedad: desde que la imprenta hizo que la música estuviera más disponible, ha sobrevivido mucho más de esta época que de la época medieval anterior, y probablemente se haya perdido una rica colección de música popular de finales de la Edad Media. La música secular era música independiente de las iglesias. Los tipos principales fueron el Lied alemán, la frottola italiana, la chanson francesa, el madrigal italiano y el villancico español. Otros géneros vocales seculares incluyeron la caccia, rondeau, virelai, bergerette, ballade, musique mesurée, canzonetta, villanella, villotta y la canción del laúd. También aparecieron formas mixtas como el motete-chanson y el motete secular.

La música puramente instrumental incluía música de consorte para flautas dulces o violas y otros instrumentos, y bailes para varios conjuntos. Los géneros instrumentales comunes fueron la toccata, preludio, ricercar y canzona. Las danzas interpretadas por conjuntos instrumentales (o algunas veces cantadas) incluían el bajo danse (It. Bassadanza), tourdion, saltarello, pavane, galliard, allemande, courante, bransle, canarie, piva y lavolta. Se podría arreglar música de muchos géneros para un instrumento solista como el laúd, vihuela, arpa o teclado. Tales arreglos se denominaron intabulaciones (It. Intavolatura, Ger. Intabulierung).

Hacia el final del período, se escuchan los primeros precursores dramáticos de la ópera como la monodia, la comedia del madrigal y el intermedio.

Teoría y notaciónEditar

Según Margaret Bent: «La notación renacentista no es prescriptiva según nuestros estándares; cuando se traduce a la forma moderna adquiere un peso prescriptivo que sobreespecifica y distorsiona su apertura original «. Las composiciones renacentistas se anotaron solo en partes individuales; las puntuaciones eran extremadamente raras y no se utilizaron barras de compás. Los valores de las notas eran generalmente mayores que los que se utilizan hoy en día; la unidad principal de tiempo era la semibreve, o nota completa. Como había sido el caso desde el Ars Nova (ver música medieval), podría haber dos o tres de estos para cada breve (una nota doble entera), que puede considerarse equivalente a la «medida» moderna, aunque en sí mismo era un valor de nota y una medida no lo es. La situación se puede considerar de esta manera: es la misma que la regla según la cual en la música moderna una negra puede ser igual a dos corcheas o tres, que se escribirían como un «triplete». Según el mismo cálculo, podría haber dos o tres de la siguiente nota más pequeña, la «mínima» (equivalente a la «media nota» moderna) para cada semibreve.

Estas diferentes permutaciones se denominaron «perfectas» / tempus imperfecto «al nivel de la relación breve-semibreve,» prolación perfecta / imperfecta «al nivel del semibreve-mínimo, y existían en todas las combinaciones posibles entre sí. Tres a uno se llamaba «perfecto» y dos a uno «imperfecto». También existían reglas por las cuales las notas individuales podían dividirse a la mitad o duplicarse en valor («imperfectas» o «alteradas», respectivamente) cuando iban precedidas o seguidas de otras notas determinadas. Las notas con cabezas de nota negras (como las negras) ocurrieron con menos frecuencia. Este desarrollo de la notación mensural blanca puede ser el resultado del mayor uso de papel (en lugar de vitela), ya que el papel más débil era menos capaz de resistir el rayado requerido para rellenar cabezas de notas sólidas; la notación de épocas anteriores, escrita en vitela, había sido negra.También se utilizaron de forma rutinaria otros colores y, posteriormente, notas rellenas, principalmente para reforzar las imperfecciones o alteraciones antes mencionadas y para solicitar otros cambios rítmicos temporales.

Accidentes (p. Ej., Sostenidos, bemoles y naturales añadidos que cambian las notas) no siempre se especificaron, algo así como en ciertas notaciones de digitación para instrumentos de la familia de la guitarra (tablaturas) de hoy. Sin embargo, los músicos del Renacimiento habrían sido altamente entrenados en el contrapunto diádico y, por lo tanto, poseían esta y otra información necesaria para leer una partitura correctamente, incluso si las alteraciones no estuvieran escritas. Como tal, «lo que requiere la notación moderna habría sido perfectamente evidente sin notación a un cantante versado en contrapunto «. (Ver musica ficta.) Un cantante interpretaría su parte imaginando fórmulas cadenciales con otras partes en mente, y al cantar juntos, los músicos evitarían octavas paralelas y quintas paralelas o alterarían sus partes cadenciales a la luz de decisiones de otros músicos. Es a través de tablaturas contemporáneas para varios instrumentos punteados que hemos obtenido mucha información sobre qué alteraciones fueron realizadas por los practicantes originales.

Para obtener información sobre teóricos específicos, vea Johannes Tinctoris, Franchinus Gaffurius, Heinrich Glarean, Pietro Aron , Nicola Vicentino, Tomás de Santa María, Gioseffo Zarlino, Vicente Lusitano, Vincenzo Galilei, Giovanni Artusi, Johannes Nucius y Pietro Cerone.