Cerámica de la antigua Grecia

Edad del BronceEditar

La pintura fina sobre la cerámica griega se remonta a la cerámica minoica y la cerámica micénica de la Edad del Bronce, algunos ejemplos posteriores muestran el ambicioso pintura figurativa que iba a ser muy desarrollada y típica.

Iron AgeEdit

Después de muchos siglos dominados por estilos de decoración geométrica, cada vez más complejos, los elementos figurativos volvieron con fuerza en el siglo VIII. . Desde finales del siglo VII hasta aproximadamente el 300 a. C., los estilos en evolución de la pintura con figuras se encontraban en su punto máximo de producción y calidad y se exportaron ampliamente.

Durante la Edad Oscura griega, que abarca desde los siglos XI al VIII a. C., el estilo temprano predominante fue el del arte protogeométrico, que utiliza predominantemente patrones decorativos circulares y ondulados. Esto tuvo éxito en la Grecia continental, el Egeo, Anatolia e Italia por el estilo de cerámica conocido como arte geométrico, que empleaba ordenadas hileras de formas geométricas.

El período de la Grecia arcaica, que comienza en el siglo VIII. A. C. y que duró hasta finales del siglo V a. C., vio el nacimiento del período orientalizante, liderado en gran parte por la antigua Corinto, donde las figuras de palitos anteriores de la cerámica geométrica se desarrollaron en medio de motivos que reemplazaron a los patrones geométricos.

La decoración de cerámica clásica está dominada principalmente por la pintura de jarrones áticos. La producción ática fue la primera en reanudarse después de la Edad Oscura griega e influyó en el resto de Grecia, especialmente en Beocia, Corinto, las Cícladas (en particular Naxos) y las colonias jónicas en el este del Egeo. La producción de jarrones era en gran parte prerrogativa de Atenas – está bien atestiguado que en Corinto, Beocia, Argos, Creta y Cícladas, los pintores y alfareros se conformaron con seguir el estilo ático. Al final del período arcaico, los estilos de negro- La cerámica de figuras, la cerámica de figuras rojas y la técnica de fondo blanco se habían establecido completamente y continuarían en uso durante la era de la Grecia clásica, desde principios del siglo V hasta finales del siglo IV a. C. Corinto fue eclipsada por las tendencias atenienses, ya que Atenas fue la progenitora de los estilos de fondo rojo y blanco.

Estilos protogeométricosEditar

Jarrones del período protogeométrico (c. 1050 –900 a. C.) representan el regreso de la producción artesanal después del colapso de la cultura del Palacio Micénico y la subsiguiente edad oscura griega. Es una de las pocas formas de expresión artística además de la joyería en este período ya que desconocemos la escultura, la arquitectura monumental y la pintura mural de esta época. Hacia 1050 a. C., la vida en la península griega parece estar lo suficientemente asentada como para permitir una mejora notable en la producción de loza. El estilo se limita a la representación de círculos, triángulos, líneas onduladas y arcos, pero colocado con una consideración evidente y una destreza notable, probablemente con la ayuda de una brújula y múltiples pinceles. El sitio de Lefkandi es una de nuestras fuentes más importantes de cerámica de este período en el que se ha encontrado un alijo de ajuar funerario que da evidencia de un estilo protogeométrico distintivo de Eubeo que duró hasta principios del siglo VIII.

Estilo geométricoEditar

El arte geométrico floreció en los siglos IX y VIII a.C. Se caracterizó por nuevos motivos, rompiendo con la representación de los períodos minoico y micénico: meandros, triángulos y otra decoración geométrica (de ahí el nombre del estilo) a diferencia del predominante figuras circulares del estilo anterior. Sin embargo, nuestra cronología para este nuevo arte f orm proviene de mercancías exportadas que se encuentran en contextos datables en el extranjero.

Con el estilo geométrico temprano (aproximadamente 900-850 a. C.), solo se encuentran motivos abstractos, en lo que se llama el estilo «Dipylon negro», que se caracteriza por el uso extensivo de barniz negro, con la geometría media (aprox. 850-770 aC), hace su aparición la decoración figurativa: inicialmente son bandas idénticas de animales como caballos, ciervos, cabras, gansos, etc. que se alternan con las bandas geométricas. Paralelamente, la decoración se complica y se vuelve cada vez más ornamentada; el pintor se resiste a dejar espacios vacíos y los llena de meandros o esvásticas. Esta fase se denomina horror vacui (miedo al vacío) y no cesará hasta el final del período geométrico.

A mediados de siglo comienzan a aparecer figuras humanas, de las que las representaciones más conocidas son las de los vasos hallados en Dipylon, uno de los cementerios de Atenas. Los fragmentos de estos grandes vasos funerarios muestran principalmente procesiones de carros o guerreros o de las escenas funerarias: πρόθεσις / prothesis (exposición y lamentación de los muertos) o ἐκφορά / ekphora (transporte del ataúd al cementerio). Los cuerpos están representados de forma geométrica salvo las pantorrillas, que son bastante protuberantes. En el caso de los soldados, un escudo en forma de diábolo, llamado «escudo dipylon» por su dibujo característico, cubre la parte central del cuerpo. Las patas y el cuello de los caballos, las ruedas de los carros están representadas una al lado del otro sin perspectiva. La mano de este pintor, llamado así en ausencia de firma, es el Dipylon Master, se pudo identificar en varias piezas, en particular ánforas monumentales.

Al final del período aparecen representaciones de la mitología, probablemente en el momento en que Homero codifica las tradiciones del ciclo troyano en la Ilíada y la Odisea. Sin embargo, aquí la interpretación constituye un riesgo para el observador moderno: un enfrentamiento entre dos guerreros puede ser un duelo homérico o un simple combate ; un barco fallido puede representar el naufragio de Ulises o de cualquier marinero desventurado.

Por último, están las escuelas locales que aparecen en Grecia. La producción de jarrones era en gran parte prerrogativa de Atenas; está bien atestiguado que, como en En el período proto-geométrico, en Corinto, Beocia, Argos, Creta y Cícladas, los pintores y alfareros se conformaron con seguir el estilo ático. Aproximadamente desde el siglo VIII aC en adelante, crearon sus propios estilos, Argos se especializó en las escenas figurativas, Creta permaneció apegada a una abstracción más estricta.

Estilo orientalizanteEditar

El estilo orientalizante fue producto del fermento cultural en el Egeo y el Mediterráneo oriental de los siglos VIII y VII a. C. Impulsados por vínculos comerciales con las ciudades-estado de Asia Menor, los artefactos de Oriente influyeron en un arte representativo muy estilizado pero reconocible. Marfiles, alfarería y orfebrería de los principados neo-hititas del norte de Siria y Fenicia llegaron a Grecia, al igual que productos de Anatolia Urartu y Frigia, pero hubo poco contacto con los centros culturales de Egipto o Asiria. El nuevo idioma se desarrolló inicialmente en Corinto (como Proto-Corinthian) y más tarde en Atenas entre 725 aC y 625 aC (como Proto-Attic).

Se caracterizó por un vocabulario ampliado de motivos: esfinge, grifo, leones, etc., así como por un repertorio de animales no mitológicos. dispuestas en frisos sobre el vientre del jarrón. En estos frisos, los pintores también comenzaron a aplicar lotos o palmetas. Las representaciones de humanos eran relativamente raras. Las que se han encontrado son figuras en silueta con algún detalle incisa, quizás el origen de las figuras de silueta incisa del período de la figura negra. Hay suficiente detalle en estas figuras para permitir a los estudiosos discernir las manos de varios artistas diferentes. Las características geométricas permanecieron en el estilo llamado proto-corintio que abrazó estos experimentos orientalizantes, pero que coexistieron con un estilo conservador subgeométrico.

La cerámica de Corinto se exportó a toda Grecia, y su técnica llegó a Atenas, lo que provocó el desarrollo de un idioma menos marcadamente oriental allí. Durante este tiempo descrito como Proto-Ático, aparecen los motivos orientalizantes pero los rasgos no permanecen muy realista. Los pintores muestran una preferencia por las escenas típicas del Período Geométrico, como las procesiones de carros. Sin embargo, adoptan el principio del dibujo lineal para reemplazar la silueta. A mediados del siglo VII a. C., aparece el negro y estilo blanco: figuras negras sobre una zona blanca, acompañadas de policromía para dar el color de la carne o de la ropa. La arcilla utilizada en Atenas era mucho más anaranjada que la de Corin th, por lo que no se prestaba tan fácilmente a la representación de la carne. Entre los pintores orientalizadores del ático se encuentran el pintor Analatos, el pintor de Mesogeia y el pintor Polifemos.

Creta, y especialmente las islas de las Cícladas, se caracterizan por su atracción por los vasos conocidos como «plásticos», es decir, aquellos cuyo la panza o collar está moldeado con la forma de la cabeza de un animal o de un hombre. En Egina, la forma más popular del jarrón de plástico es la cabeza del grifo. Las ánforas melanesias, fabricadas en Paros, exhiben poco conocimiento de los desarrollos corintios.Presentan un marcado gusto por la composición épica y un horror vacui, que se expresa en abundancia de esvásticas y meandros.

Finalmente se puede identificar el último gran estilo de la época, el Wild Goat Style, asignado tradicionalmente a Rodas debido a un descubrimiento importante dentro de la necrópolis de Kameiros. De hecho, está muy extendido por toda Asia Menor, con centros de producción en Miletos y Chios. Predominan dos formas, los enocos, que copiaban los modelos de bronce, y los platos, con o sin pies. La decoración se organiza en registros superpuestos en los que animales estilizados, en particular cabras salvajes (de ahí el nombre) se persiguen en frisos. Numerosos motivos decorativos (triángulos florales, esvásticas, etc.) llenan los espacios vacíos.

Técnica de figuras negrasEditar

La figura negra es la más comúnmente imaginada cuando uno piensa en cerámica griega. Fue un estilo popular en la antigua Grecia durante muchos años. El período de figuras negras coincide aproximadamente con la era designada por Winckelmann como Arcaica media a tardía, desde c. 620 a 480 AC. La técnica de incisión de figuras recortadas con detalles vivificantes, que ahora llamamos el método de la figura negra, fue una invención corintia del siglo VII y se extendió desde allí a otras ciudades estado y regiones como Esparta, Beocia, Eubea, las islas griegas orientales y Atenas.

El tejido corintio, ampliamente estudiado por Humfry Payne y Darrell Amyx, se puede rastrear a través del tratamiento paralelo de figuras animales y humanas. Los motivos animales tienen mayor protagonismo en el jarrón y muestran la mayor experimentación en la fase temprana de la figura negra corintia. A medida que los artistas corintios ganaron confianza en su interpretación de la figura humana, el friso de animales disminuyó en tamaño en relación con la escena humana durante la fase media a tardía. A mediados del siglo VI a. C., la calidad de la cerámica corintia había decaído significativamente hasta el punto de que algunos alfareros corintios disfrazaban sus vasijas con un engobe rojo a imitación de la cerámica ateniense superior.

En Atenas, los investigadores han encontró los primeros ejemplos conocidos de pintores de vasijas firmando su trabajo, siendo el primero un dinosaurio de Sophilos (ilustración abajo, BM c. 580), esto quizás sea indicativo de su creciente ambición como artistas en la producción de la obra monumental exigida como lápidas, como por ejemplo, con François Jarrón de Kleitias. Muchos estudiosos consideran que la obra más fina del estilo pertenece a Exekias y el pintor Amasis, que se destacan por su sentimiento por la composición y la narrativa.

Circa 520 a. C. La técnica de la figura se desarrolló y fue introducida gradualmente en forma de jarrón bilingüe por el pintor Andokides, Oltos y Psiax. La figura roja eclipsó rápidamente a la figura negra, pero en la forma única del ánfora Panathanaic, la figura negra continuó siendo utili bien entrado en el siglo IV aC.

Técnica de figura rojaEditar

La innovación de la técnica de figuras rojas fue una invención ateniense de finales del siglo VI. Era todo lo contrario a la figura negra que tenía un fondo rojo. La capacidad de renderizar detalles mediante pintura directa en lugar de incisión ofreció nuevas posibilidades expresivas a los artistas, como perfiles de tres cuartos, mayor detalle anatómico y la representación de la perspectiva.

La primera generación de pintores de figuras rojas trabajó en tanto de figura roja como de figura negra, así como otros métodos, incluida la técnica de Six y el fondo blanco; esta última se desarrolló al mismo tiempo que la figura roja. Sin embargo, en veinte años, la experimentación había dado paso a la especialización como se ve en los jarrones del Grupo Pioneer, cuyo trabajo figurativo era exclusivamente de figura roja, aunque conservaron el uso de la figura negra para algunos ornamentos florales tempranos. Los valores y objetivos compartidos de Los pioneros como Euphronios y Euthymides indican que eran algo acercarse a un movimiento consciente de sí mismo, aunque no dejaron ningún testimonio más que su propio trabajo. John Boardman dijo de la investigación sobre su trabajo que «la reconstrucción de sus carreras, el propósito común , incluso las rivalidades, pueden tomarse como un triunfo arqueológico «

La próxima generación de pintores de vasijas arcaicas tardías (c. 500 a 480 a. C.) trajo un creciente naturalismo al estilo como se ve en el cambio gradual del ojo de perfil.Esta fase también ve la especialización de pintores en pintores de vasijas y tazas, con los Pintores de Berlín y Cleófrades notables en la primera categoría y Douris y Onesimos en la segunda.

Desde la época clásica temprana hasta la alta de la pintura de figuras rojas (c. 480-425 a. C.), habían evolucionado varias escuelas distintas. Los manieristas asociados con el taller de Myson y ejemplificados por el Pan Painter se aferran a las características arcaicas de las cortinas rígidas y las poses incómodas y combinan eso con gestos exagerados. Por el contrario, la escuela del Pintor de Berlín en la forma del Pintor de Aquiles y sus compañeros (que pueden haber sido alumnos del Pintor de Berlín) favorecieron una pose naturalista generalmente de una sola figura sobre un fondo negro sólido o de un blanco sobrio. Polygnotos y el Kleophon Painter pueden incluirse en la escuela del Niobid Painter, ya que su trabajo indica algo de la influencia de las esculturas del Partenón tanto en el tema (por ejemplo, la centauromaquia de Polygnoto, Bruselas, Musées Royaux A. & Hist., A 134) y en el sentimiento de composición.

Hacia finales de siglo, el estilo «rico» de la escultura ática como se ve en la balaustrada Nike se refleja en la pintura de jarrones contemporáneos con una atención cada vez mayor a los detalles incidentales, como el cabello y las joyas. El pintor de Meidias suele identificarse más estrechamente con este estilo.

La producción de jarrones en Atenas se detuvo alrededor del 330-320 a. C. posiblemente debido al control de la ciudad por Alejandro Magno, y había estado en lento declive durante el El siglo IV junto con las fortunas políticas de la propia Atenas. Sin embargo, la producción de vasijas continuó en los siglos IV y III en las colonias griegas del sur de Italia donde se pueden distinguir cinco estilos regionales: Apulia, Lucano, Siciliano, Campaniano y Paestan. El trabajo de figuras rojas floreció allí con la adición distintiva de pintura policromática y, en el caso de la colonia de Panticapeum en el Mar Negro, el trabajo dorado del estilo Kerch. El trabajo de varios artistas notables nos llega, incluido el pintor Darius y el pintor del inframundo, ambos activos a finales del siglo IV, cuyas abarrotadas escenas policromáticas a menudo experimentan una complejidad de emoción no intentada por pintores anteriores. Su trabajo representa una fase manierista tardía del logro de la pintura de vasijas griegas.

Técnica de fondo blancoEditar

La técnica de fondo blanco se desarrolló a finales del siglo VI a. C. A diferencia de las técnicas más conocidas de figuras negras y figuras rojas, su coloración no se logró mediante la aplicación y cocción de engobe sino mediante el uso de pinturas y dorado sobre una superficie de arcilla blanca. Permitió un mayor nivel de policromía que las otras técnicas, aunque los jarrones terminan siendo menos llamativos visualmente. La técnica ganó gran importancia durante los siglos V y IV, especialmente en forma de pequeños lekythoi que se convirtieron en típicas ofrendas funerarias. Entre los representantes importantes se encuentran su inventor, el pintor de Aquiles, así como Psiax, el pintor de Pistoxenos y el pintor de Thanatos.

Jarrones en relieve y de plásticoEditar

Los jarrones en relieve y de plástico se hicieron particularmente populares en el siglo IV a. C. y se siguieron fabricando en el período helenístico. Se inspiraron en el llamado «estilo rico» desarrollado principalmente en Ática después del 420 a. C. Las características principales fueron las composiciones de múltiples figuras con el uso de colores agregados (rosa / rojizo, azul, verde, dorado) y un énfasis en las figuras mitológicas femeninas. El teatro y la actuación constituyeron una fuente más de inspiración.

El Museo Arqueológico de Delfos tiene algunos ejemplos particularmente buenos de este estilo, incluido un jarrón con Afrodita y Eros. La base es redonda, cilíndrica, y su mango vertical, con bandas, recubierto de color negro. La figura femenina (Afrodita) se representa sentada, vistiendo un himation. Junto a ella se encuentra una figura masculina, desnuda y alada. Ambas figuras llevan coronas de hojas y su cabello conserva rastros de pintura dorada. Los rasgos de sus rostros están estilizados. El jarrón tiene un fondo blanco y mantiene en varias partes las huellas de pintura azulada, verdosa y rojiza. Data del siglo IV a. C.

En la misma habitación se guarda un pequeño lekythos con una decoración plástica, que representa a una bailarina alada. La figura lleva un cubrecabeza persa y un vestido oriental, lo que indica que ya en ese período las bailarinas orientales, posiblemente esclavas, se habían puesto bastante de moda. La figura también está cubierta con un color blanco. La altura total del jarrón es de 18 centímetros y data del siglo IV aC.

Periodo helenísticoEditar

El período helenístico, iniciado por las conquistas de Alejandro Magno , presenció la virtual desaparición de la cerámica negra y de figuras rojas, pero también la aparición de nuevos estilos como West Slope Ware en el este, Centuripe Ware en Sicilia y los jarrones Gnathia en el oeste. Fuera de la Grecia continental se desarrollaron otras tradiciones regionales griegas, como las de Magna Graecia con los diversos estilos del sur de Italia, incluidos Apulia, Lucano, Paestan, Campaniano y Siciliano.