10 compositores contemporáneos cuya música necesitas descubrir hoy
Jennifer Higdon
» Los innumerables elogios y logros de Jennifer Higdon son impresionantes desde cualquier punto de vista, pero especialmente en el mundo de la música clásica contemporánea. Ha ganado un premio Pulitzer y un premio Grammy. Su música tiene una demanda tan alta que puede componer exclusivamente por encargo. Los campeones incluyen solistas, conjuntos y orquestas de primer nivel. Según una encuesta reciente de orquestas estadounidenses, Higdon es uno de los compositores estadounidenses vivos más interpretados.
«Sin embargo, el logro más sorprendente de Higdon no encaja tan fácilmente en una biografía, y así es como su música se ha filtrado en todos los estratos de la cultura de la música clásica en los Estados Unidos. Eche un vistazo a la página «Próximas actuaciones» de su sitio web oficial y verá que su trabajo está siendo interpretado no solo por la Sinfónica de Houston y la Orquesta de Filadelfia, sino también por conjuntos municipales, comunitarios y de escuelas secundarias de todo el país. En la superficie, parece ser una fórmula simple: Higdon escribe música que al público le gusta escuchar y que los músicos encuentran gratificante de tocar. ¿Pero es realmente tan simple? .. «
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Lera Auerbach
» En una era de hábitos multitarea, percepciones polimodales y experiencias multisensoriales, ahora se espera que todos seamos eruditos. Como dijo Vinnie Mirchandani en su prefacio de The New Polymath (Wiley: 2010): «ya no puede ser una sola persona, sino una colección de muchas». Pero al tratar de convertirse en demasiadas personas, ¿qué se pierde? ¿Identidad, profundidad, talento? ¿Genio, quizás?
«Lera Auerbach es una erudita en el sentido original de la palabra, tal como la definieron y defendieron los escritores y pensadores del Renacimiento; pero también es una artista de su tiempo. Aparte de ser compositora y concertista de éxito, pintora, escultora, libretista y autora de varios libros de poesía y prosa, pero para Auerbach estas actividades extramusicales no son ejercicios de diletantismo: todas las formas de arte están interconectadas y diseñadas para nutrirse y sostenerse mutuamente. .. «
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Sally Beamish
«En cierto modo, la música fue el primer idioma de Sally Beamish. Su madre, una violinista, le enseñó a leer y escribir notas a la edad de cuatro años, antes de que pudiera tocar un instrumento, antes incluso de leer. o escribir palabras. Dibujaba pequeñas flores o caras en el manuscrito y su madre interpretaba cómo sonaría la notación gráfica. «Siempre quise para hacer mis propias cosas «, dice. «Hice mi propia ropa, escribí historias, pinté …» Cuando comenzó a aprender piano a los cinco años, se construyó un pequeño cuaderno de ejercicios.
«Hoy en día, Beamish es uno de los lugares más concurridos y cálidos del Reino Unido compositores respetados, con grandes y rápidos encargos para partituras que van desde ballet y oratorios a gran escala hasta obras de cámara, teatro y solistas. A los 60 años ya tiene un catálogo de más de 200 piezas y ese número está aumentando rápidamente: este año ha estado escribiendo tres conciertos para piano, entre varios otros proyectos. Para muchos oyentes, el gran atractivo de la música de Beamish es el espacio que encuentra entre la suavidad y el acero: su habilidad para mezclar el lirismo folclórico, la franqueza emocional, un sentido del mundo natural y una forma propulsora con ritmo más economía real, franqueza, orquestaciones luminosas y rigor de oficio. Es el tipo de compositora que parece saber exactamente lo que quiere que diga una pieza y encuentra la forma más compasiva y menos quisquillosa de decirlo … . «
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Augusta Read Thomas
«La música clásica estadounidense de este último cuarto de siglo ha estado dominada por la estética minimalista que pasó a primer plano como una reacción contra el pensamiento modernista que antes dominaba. Actualmente representa una lengua franca virtual en términos de su influencia en los compositores convencionales. Otros, sin embargo, han mirado atrás (no con ira y menos con nostalgia) a una época en la que aspectos del modernismo estaban vinculados a una tonalidad en libre evolución, de modo que se abrieron nuevas posibilidades para la exploración. Solo recientemente este enfoque ha recuperado prominencia, con Augusta Read Thomas entre sus principales exponentes.
«Nacido en Glen Cove, Long Island, en abril de 1964, Thomas estudió en la Universidad de Yale y más tarde en la Royal Academy of Música en Londres y en la Northwestern University de Chicago Hablar de influencias suele ser innecesariamente subjetivo, sin embargo, dos compositores con los que entró en contacto durante este período dejarían su huella en su música en el sentido más directo y positivo.De Jacob Druckman (1928-96) absorbió el valor del color instrumental como un componente formal y expresivo más que como un simple vestuario externo, mientras que en Donald Erb (1927-2008) tuvo el ejemplo de un orquestador insuperable en este respeto entre los compositores estadounidenses de su generación. Lo que esto le dio a la música de Thomas desde el principio fue su claridad de concepción y precisión de gesto (ya sea en las miniaturas instrumentales más breves o en obras orquestales a gran escala), que actúan como el foco de sus texturas a menudo intrincadas y armonías iridiscentes, por lo tanto asegurándose de que su trabajo exuda una inmediatez y una comunicatividad sea cual sea su grado de complejidad y disonancia … «
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Unsuk Chin
«Más curioso y más curioso. Escuchar la música de Unsuk Chin puede parecer una aventura en el país de las maravillas de Alicia. Empezamos en territorio familiar, con ideas musicales sencillas y atractivas, pero estas se van tejiendo en texturas complejas e inquietantes. Pronto estamos en la madriguera del conejo y nada es lo que parece. La música parece estable, hasta que un cambio sutil en la armonía la arroja a una luz completamente nueva. Las perspectivas cambian, los motivos y las melodías se retuercen y distorsionan. La simplicidad da paso a la cautivadora complejidad. Entonces todo se detiene, a menudo con un golpe de percusión, y nos quedamos contemplando el extraño giro de los acontecimientos. ¿Fue todo un sueño?
«Unsuk Chin ha estado fascinada por Alicia en el país de las maravillas desde la infancia y ha inspirado gran parte de su música, sobre todo su ópera Alicia de 2007. Pero su interpretación de la historia es distintiva . La ópera está llena de momentos de intriga y asombro, pero estos se contraponen a crudas representaciones del brutal absurdo de la historia, una concepción fantástica pero siempre lúcida, típica de Chin. Como coreana afincada en Alemania, tiene una perspectiva ajena a lo europeo cultura, y su música resalta regularmente sus paradojas arraigadas. Es una voz de la razón, que pone orden en lo surrealista. Por encima de todo, aporta claridad, por más compleja que se vuelva su música, con cada nota audible, cada motivación clara … »
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Anna Thorvaldsdóttir
Antes de anotar sus obras de forma convencional a través de las cinco líneas del pentagrama musical, Anna Thorvaldsdóttir dibuja literalmente la metro. Las impecables ilustraciones a lápiz que genera este proceso son algo digno de contemplar. Uno de ellos está reproducido en la portada – y dentro del folleto, en una versión más completa – de lo que fue el primer álbum en presentar su música y solo su música: Rhízoma.
El dibujo presenta una coherencia pero horizonte accidentado de dos líneas casi horizontales en contrapunto. Debajo de eso, múltiples raíces se juntan hacia un solo tronco grueso antes de romperse en cuatro ramas, deshilacharse hacia afuera en sus extremos (podría ser un volcán imponente; podría ser un nabo con maleza). Los pensamientos en forma de texto están dispersos en meticulosas mayúsculas: En constante desarrollo / Como una campana / Predigo que la duración de esta pieza será de aproximadamente 12 a 14 minutos.
Hablando en En una sesión abierta de preguntas y respuestas en Copenhague en enero, Thorvaldsdóttir explicó que utiliza dibujos como estos como ayudas para la composición, dispositivos para «mapear hacia dónde va una pieza». Pero contienen pistas estructurales vitales para el resto de nosotros. En el caso de este dibujo en particular, una imagen de la pieza Streaming Arhythmia (2007), podemos rastrear cómo la biología de las raíces subterráneas o «rizomas» ha influido en el desarrollo de la música. El boceto también tiene un extraño parecido con el paisaje de la Islandia de Thorvaldsdóttir: un terreno árido y altamente atmosférico caracterizado por roca negra, musgo oscuro, picos volcánicos marcadamente delineados y una falta total de árboles.
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Olga Neuwirth
La música de Olga Neuwirth (b1968 ) es ricamente alusivo, moviéndose libremente entre puntos de referencia tan variados como Monteverdi, Weill, Miles Davis y Klaus Nomi. Ha citado influencias de Boulez a los Beastie Boys. Sin embargo, si hay un artista cuyo enfoque estético parece particularmente cercano al de ella, no es un músico en absoluto: es el cineasta David Lynch, el director inconformista detrás de clásicos de culto como Twin Peaks (1990-91; 2017), Lost. Highway (1997) y Mulholland Drive (2001). Yuxtaposiciones extrañas, giros narrativos surrealistas, imágenes vívidas de significado oscuro: sus películas no solo son extrañas sino también misteriosas, incluso inexplicables a veces, mientras viajan a mundos de ensueño en los que las reglas estándar del tiempo, el espacio y los sentidos parecen desvanecerse. La música puede ser un medio más abstracto que el cine, pero el trabajo de Neuwirth demuestra su capacidad de ser igualmente fascinante e insondable.Su música es cautivadora y provocativa no a pesar de su extrañeza, sino por eso.
La comparación de Lynch es una que Neuwirth se provocó cuando convirtió Lost Highway, la película que algunos llaman la más extraña de Lynch, en una ópera. en 2002-03, en colaboración con su compatriota ganadora del Premio Nobel Elfriede Jelinek. Es difícil imaginar una elección más audaz de película para recibir el tratamiento operístico, pero la música fragmentaria y multidimensional de Neuwirth crea algo que de alguna manera parece ser el espíritu afín del original. En un momento tanto del cine como de la ópera (algún tiempo antes de que inexplicablemente se transforme en mecánico de automóviles), el protagonista Fred explica por qué no tiene una cámara de video. «Me gusta recordar las cosas a mi manera», dice. «Cómo los recordaba. No necesariamente de la forma en que sucedieron. Quizás la ópera adopta un enfoque similar al adaptar la película, dándole nuevas formas: acrobacias vocales hiperexpresionistas para un personaje, palabra hablada inexpresiva para otro, vocalización espeluznante en falsete para una tercera la trama y realzando el trasfondo del noir. De hecho, quizás eso es lo que hace toda la ópera de todos modos, tomar el núcleo de una historia y aumentar su intensidad a través de líneas recortadas de texto y corrientes de música arrolladoras. Sin duda, la ópera rara vez retrata los eventos como ocurrieron.
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Kaija Saariaho
Kaija Saariaho (n. 1952 en Helsinki) es una de las compositoras más destacadas del planeta y una de las figuras creativas más importantes de su generación, de ambos sexos; un artista verdaderamente original con un estilo musical muy distintivo y una voz personal, desarrollado y refinado durante décadas. Los premios que ha recibido a lo largo de los años son un indicativo de ello, entre ellos el Premio Kranichsteiner (1986), el Premio de Música del Consejo Nórdico (2000, para Lonh), el Grawemeyer (2003, por su primera ópera, Lamour de loin), el Premio Nemmers en Composición (2007), el Premio Wihuri Sibelius (2009) y el Premio de Música Léonie Sonning (2011).
Sin embargo, también es una persona muy reservada, con muchas cosas sobre su biografía que son en gran parte Se desconoce, entre otras cosas que nació Kaija Laakkonen: el nombre de «marca registrada» de Saariaho es el de su primer marido. Estudió con Heininen en la Academia Sibelius, con otros miembros de una generación milagrosa de compositores finlandeses como Esa-Pekka Salonen y Magnus Lindberg. Siguieron más estudios con Brian Ferneyhough y Klaus Huber; Influencias igualmente formativas fueron Tristan Murail y Gérard Grisey, los principales exponentes de la música espectral (la música antepone el timbre y el sonido a otras consideraciones compositivas), que la llevaron a IRCAM y a su residencia de 30 años en París, más tarde con su segundo marido, Jean-Baptiste. Barrière. Aunque logró un avance inicial con la orquestal Verblendungen (1984), fue con su deslumbrante y encantadora Lichtbogen («Arches of Light», 1986) que irrumpió en la escena más amplia. Sus texturas etéreas e hipnóticas se inspiraron en la aurora boreal, y el uso de la electrónica resultó profético para su futura carrera. Más importante aún fue la combinación de delicadeza sonora y acero interior, lo que hace que sus obras sean cautivadoras para el oído pero a la vez robustas y atractivas como estructuras.
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Thea Musgrave
Cuando se le preguntó una vez si tenía algún consejo para los compositores jóvenes, Thea Musgrave respondió: Don t, a menos que realmente tenga que hacerlo; entonces lo harás de todos modos . Musgrave, la compositora, directora, pianista y profesora escocesa que cumple 90 años este mes, ha vivido de acuerdo con sus propios consejos. Hay una racionalidad clara en su enfoque, en la forma en que habla de su música, en la forma en que se adhiere a los plazos y escribe partituras prácticas y sencillas que la hacen querer por los comisionados y músicos de orquesta.
Pero debajo del pragmatismo, la música de Musgrave tiene que ver con el drama. Ya sea en sus óperas agudamente perceptivas o en sus obras instrumentales no narrativas, durante mucho tiempo ha estado fascinada por el drama innato del comportamiento humano: la danza psicológica de la conversación, la interacción, la confrontación y el apaciguamiento. Es una compositora que reconoce que la música refleja la vida, que la música puede moldear la forma en que vivimos, que la composición emocional e incluso física de los músicos es fundamental para el impacto de cualquier interpretación. En pocas palabras, su trabajo habla directa y compasivamente de todos nosotros. Hay verdades humanas básicas, dice, y son esas verdades las que investiga en su música.
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Roxanna Panufnik
Se está produciendo un tipo diferente de revolución en la música contemporánea actual, y en su corazón se encuentra Roxanna Panufnik.La suya no es una revolución radical diseñada para reformar por completo el viejo orden, al estilo de Schoenberg o Cage. En cambio, aquí hay una revolución silenciosa que utiliza el poder de la música para unir a personas de diferentes culturas, orígenes religiosos y creencias políticas: una revolución que es más John Lennon que John Cage.
En las propias palabras de Panufnik: Yo Tengo la misión de gritar desde los tejados la belleza de la música de todas estas religiones. Se trata de unirnos. Con demasiada frecuencia no pensamos en lo que tenemos en común, sino en nuestra pequeña fracción de diferencia entre nosotros .
La importancia de la función social y política de la música, por supuesto, no se perdió en El padre de Roxanna. El conocido, muy admirado y respetado compositor polaco Sir Andrzej Panufnik (1914-91) se vio obligado a escapar del opresivo clima de posguerra de su país natal en 1954. Llegó a Londres y unos nueve años más tarde se casó con el autor y fotógrafo. Camilla Jessel. Roxanna nació en 1968.
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