Was ist nicht objektive Kunst – Definition und Beispiele
Gibt es einen Zusammenhang zwischen atomarer Desintegration und nicht objektiver Kunst? Was ist mit Ernest Rutherford und Wassily Kandinsky? Zu Beginn des 20. Jahrhunderts veränderten Entdeckungen in der Physik die Art und Weise, wie wir die Welt wahrnehmen, schnell und zeigten uns, dass selbst die kleinste Einheit gewöhnlicher Materie weiter in noch kleinere Teilchen zerlegt werden kann. Ernest Rutherford, der heute als Vater der Kernphysik gilt, veröffentlichte 1902 zusammen mit J.J. Thomson. In dem Buch erklärten sie eine radikal neue Idee, dass die Atome radioaktiver Substanzen aufgebrochen werden können. Etwa zur gleichen Zeit beschloss Wassily Kandinsky, München zu verlassen, wo er studierte, und durch Europa zu reisen, um zu sehen, was die westliche Kunst in seinen Worten „bis zu diesem Zeitpunkt erreicht“ hatte. Diese Reise wurde durch die milde Rezeption seiner Werke in der Berliner Sezessionsausstellung und im Salon dAutomne in Paris im Jahr 1904 provoziert. Verdächtig gegenüber den Theorien, die die Wahrheit der Realität finden, die uns in Kunstwerken umgibt, und mit Theorien über die Auflösung von vertraut sind Als Atom begann Kandinsky, die Wahrhaftigkeit der Realität in Frage zu stellen, die ihn bald dazu veranlasste, eine neue Linie im Denken über Kunst zu definieren, die sich nicht mit dem Realen befasste, was auch immer das Reale sein mag, sondern mit dem Metaphysischen.
Kandinskys spirituelle Kunst
Diese Verschiebung des Denkens über Kunst von der Repräsentation der Realität zur Repräsentation von „Stimmung“ oder essentiellem Naturgeist, der viele Künstler nicht objektiver Kunstherkunft beeinflussen und inspirieren wird, war von Kandinsky in seinem Text über das Geistige in der Kunst ausgearbeitet. Wie er in großer Kunst schreibt:
„Der Zuschauer spürt einen entsprechenden Nervenkitzel in sich. Eine solche Harmonie oder sogar ein Kontrast von Emotionen kann nicht oberflächlich oder wertlos sein; tatsächlich kann die Stimmung eines Bildes dies vertiefen und reinigen.“ Solche Kunstwerke bewahren zumindest die Seele vor Grobheit; sie „tasten sie“ sozusagen bis zu einer bestimmten Höhe als Stimmschlüssel für die Saiten eines Musikinstruments. „
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Es ist offensichtlich, dass Kandinsky Kunst als ein Mittel sah, das uns hilft, uns auf höhere, metaphysische und spirituelle Sphären einzustimmen, die die Grobheit der Realität auflösen. aber auch das materialistische, positivistische Denken des 19. Jahrhunderts. Sein Schritt in die Abstraktion war jedoch nicht plötzlich, sondern erfolgte im Laufe der Jahre allmählich. Sein erstes nicht objektives Kunstwerk war ein Aquarell aus dem Jahr 1910. Später setzte Kandinsky das Geistige über das Material, was später Künstler dazu inspirierte, den reinen, künstlerischen Ausdruck zu suchen gelöste Formrealität in geometrischen Formen und Farben, die nicht-objektive Kunst definieren.
Helen Mirren über Wassily Kandinsky
Nicht-objektive Kunstdefinition – die abstrakte und die nicht-repräsentative
Nicht objektive Kunst ist ein allgemeiner Begriff, der abstrakte Kunstformen definiert, bei denen es an der Einhaltung identifizierbarer, quantifizierbarer und beobachtbarer Merkmale der lebenden Welt mangelt. Es wird oft mit zwei wegweisenden Figuren der russischen Kunst verbunden, Alexander Rodchenko und seinem Landsmann Kasimir Malevich, der Pionierarbeit in der abstrakten Kunst auf der Grundlage geometrischer Formen und Linearität leistete, die auch als geometrische Abstraktion bezeichnet wird. Der Begriff nicht-objektive Kunst wurde zuerst von Rodtschenko verwendet, als er einige seiner Bilder benannte, und später von anderen Künstlern wie Malewitsch aufgegriffen. Letzterer schrieb auch ein Buch mit dem Titel Die nicht-objektive Welt: Das Manifest des Suprematismus, das 1926 veröffentlicht wurde. Die Definition der nicht-objektiven Kunst dreht sich um abstrakte Ausdrücke, aber in einfacheren Worten könnte man sagen, dass nicht-objektiv Kunst steht für Kunstwerke, die eine neuartige Welt schaffen, die aus Elementen besteht, die im Allgemeinen nichts bedeuten – wie einem Quadrat, einer Linie oder einem Farbtupfer. Suprematismus, Konstruktivismus und De Stijl mit seinem berühmtesten Vertreter in Piet Mondrian gehören alle zur Gruppe der nicht objektiven Kunststile, die einige gegenseitige Unterschiede aufweisen. Während sie alle in dem Versuch verwurzelt waren, die Welt zu verändern und neue Kunst zu schaffen, die funktional und normativ ist, wurzelte der Suprematismus im vorrevolutionären Anarchismus in Russland, während der Konstruktivismus die technologische und futuristische Ästhetik betonte, während De Stijl an klar definierten und abgegrenzten Themen festhielt Flugzeug.
Malewitschs nicht-objektive Schwarz-Weiß-Kunst
Malewitsch gehörte zu den ersten Malern, die versuchten, das Ideal eines absoluten Gemäldes zu erreichen das wird aus jeder Anspielung und objektiven Bezugnahme gelöscht. Vielleicht der radikalste nicht objektive Künstler und Theoretiker, bestand er in seinen Schriften darauf, dass Kunst und die Gefühle, die sie erzeugen kann, wichtiger sind als politische Vorstellungen und religiöse Überzeugungen. 1913 etablierte er den Suprematismus und seine Ästhetik nahm von diesem Punkt an eine Wendung. Eines der Kunstwerke, das den Suprematismus kennzeichnen würde, ist sein Schwarzes Quadrat auf weißem Grund aus dem Jahr 1913. Das Gemälde sollte „die Erfahrung der reinen Nicht-Objektivität in der weißen Leere eines befreiten Nichts“ hervorrufen. Es ist das erste aus der Reihe der sogenannten „letzten Gemälde“, in denen er versuchte, das Ende der Repräsentation zu erreichen, das später zum Tod der Malerei führen würde. Wie er sagte, „fühlte er nur die Nacht in mir und“ spürte das Neue, was ich Suprematismus nenne. “ Der Höhepunkt seiner Suche nach ultimativer Nicht-Objektivität war 1917 sein Weißes Quadrat auf weißem Grund. Mit diesem Gemälde erreichte er die Grenze des Nichts:
„Ich verwandelte mich in die Null der Form und tauchte auf vom Nichts zur Schöpfung, dh zum Suprematismus, zum neuen Realismus in der Malerei – zur nicht objektiven Schöpfung. “
Nicht objektive Kunst heute
Obwohl es heute ein Anachronismus zu sein scheint, über nicht objektive Kunst zu sprechen, da der Begriff verwendet wurde, um Kunst in einem bestimmten historischen Kontext zu definieren, sind formale Elemente dieser Kunst bleiben auch heute noch Teil künstlerischer Erkundungen. Obwohl sich der Kontext, der das Erscheinen nicht objektiver Kunst einleitete, im Laufe der Jahrzehnte dramatisch verändert hat, sehen wir heute die Verwendung derselben Geometrie Formen und abstrakte Elemente in Kunstwerken, die auf der ganzen Welt hergestellt werden. Die Abstraktion trat in den künstlerischen Anstand der Moderne ein und ist heute Teil der postmodernen Vielfalt und des freien Spiels von Stilen und künstlerischen Formen. Christian Rosa, Ben Berlow, Anish Kapoor, Kika Karadi und Molly Zuckerman Hartung sind nur einige der Namen von Künstlern, die heute abstrakte und nicht objektive Kunst schaffen. Ihre Werke wurden analysiert und mit ihren historischen Vorgängern verglichen, aber sie verleihen diesem Kunststil auch eine neue und zeitgemäße Note. Spiritualität und die Suche nach tieferen Bedeutungen und emotionalen Engagements scheinen heute ausgeprägter zu sein als je zuvor, und Kunst folgt diesen Trends mit Sicherheit. Nicht nur, dass die nicht-objektive Kunst heute lebendig und lebendig ist, wir können uns die zeitgenössische Kunst ohne sie kaum vorstellen.
Dieses Buch ist eine Pionierarbeit in der Bewegung, Kunst von ihren traditionellen Bindungen an die materielle Realität zu befreien. Es ist eines der wichtigsten Dokumente in der Kunstgeschichte. Es wurde vom berühmten nicht-objektiven Maler Wassily Kandinsky (1866–1944) geschrieben und erklärt Kandinskys eigene Theorie der Malerei und kristallisiert die Ideen, die viele andere Künstler dieser Zeit beeinflussten. Zusammen mit seiner eigenen bahnbrechenden Kunst hatte dieses Buch einen enormen Einfluss über die Entwicklung der Kunst. Kandinskys Ideen werden in zwei Teilen vorgestellt. Der erste Teil mit dem Titel „Über die allgemeine Ästhetik“ fordert eine spirituelle Revolution in der Malerei und einen abstrakten, nicht materiellen Ausdruck. Im zweiten Teil, „Über Malerei“, diskutiert Kandinsky die Psychologie der Farben, die Sprache der Form und Farbe und die Verantwortlichkeiten des Künstlers.
Ausgewählte Bilder: Gemälde von Kasimir Malewitsch, Bild über 100 Architekten. com; Wassily Kandinsky – Komposition VII, 1913. Mit freundlicher Genehmigung der Tretyakov Gallery Moscow, Alexander Rodchenko – Bau Nr. 95. Bild über magazineclick.com. Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung.