Renässansmusik

En av de mest uttalade funktionerna i europeisk konstmusik från tidig renässans var det ökande beroende av intervallet för den tredje och dess inversion, den sjätte (under medeltiden hade tredjedelar och betraktades som dissonanser, och endast perfekta intervall behandlades som konsonanser: den perfekta fjärde den perfekta femten, oktaven och unisonen). Polyfoni – användningen av flera oberoende melodilinjer, framförda samtidigt – blev alltmer detaljerad under hela 1300-talet, med mycket oberoende röster (både i sångmusik och i instrumental musik). Början av 1400-talet visade sig vara förenklad, och kompositörerna strävade ofta efter mjukhet i de melodiska delarna. Detta var möjligt på grund av ett kraftigt ökat sångintervall i musik – under medeltiden gjorde det smala intervallet nödvändiga frekventa korsningar av delar, vilket krävde en större kontrast mellan dem för att särskilja de olika delarna. Modalen (i motsats till tonal, även känd som ”musikalisk nyckel”, ett tillvägagångssätt som utvecklades under den efterföljande barockmusiktiden, ca 1600–1750), började karaktäristiken för renässansmusik bryta ner mot slutet av perioden med ökad användning. av rotrörelser från femtedelar eller fjärdedelar (se ”femtedelcirkeln” för detaljer). Ett exempel på en ackordprogression där ackordrötterna rör sig med intervallet en fjärde skulle vara ackordprogressionen, i nyckeln till C-dur: ”D-moll / G-dur / C-dur” (dessa är alla triader; tre-ton ackord). Förflyttningen från D-mollackordet till G-durackordet är ett intervall på en perfekt fjärde. Förflyttningen från G-dur-ackordet till C-dur-ackordet är också ett intervall på en perfekt fjärde. Detta utvecklades senare till en av de definierande egenskaperna hos tonalitet under barocktiden.

De viktigaste egenskaperna hos renässansmusik är .:

• Musik baserad på lägen.
• Rikare konsistens, med fyra eller flera oberoende melodiska delar som utförs samtidigt. Dessa sammanflätade melodiska linjer, en stil som kallas polyfoni, är en av de definierande funktionerna i renässansmusik.
• Blandning, snarare än kontrasterande, melodiska linjer i den musikaliska strukturen.
• Harmoni som placerade en större oro för det smidiga flödet av musiken och dess framsteg av ackord.

Utvecklingen av polyfoni producerade de anmärkningsvärda förändringarna i musikinstrument som musikaliskt markerar renässansen från medeltiden. Användningen uppmuntrade till användning av större ensembler och krävde uppsättningar instrument som skulle smälta samman över hela vokalområdet.

BackgroundEdit

Som i övriga konster var periodens musik väsentligt påverkad av utvecklingen som definierar den tidiga moderna perioden: uppkomsten av humanistisk tanke; återhämtningen av det litterära och konstnärliga arvet i antika Grekland och antika Rom; ökad innovation och upptäckt; tillväxten av kommersiella företag; uppkomsten av en borgerlig klass; och den protestantiska reformationen. Från detta föränderliga samhälle framkom ett gemensamt, förenande musikalspråk, särskilt den polyfoniska stilen i den fransk-flamländska skolan.

Uppfinningen av tryckpressen 1439 gjorde det billigare och lättare att distribuera musik och musik teoretiska texter i en bredare geografisk skala och till fler människor. Innan uppfinningen av tryckning måste skriftlig musik och musikteoretiska texter kopieras för hand, en tidskrävande och dyr process. Efterfrågan på musik som underhållning och som fritidsaktivitet för utbildade amatörer ökade med uppkomsten av en borgerlig klass. Spridning av chansoner, motetter och massor i hela Europa sammanföll med föreningen av polyfonisk praktik till den flytande stilen som kulminerade under andra hälften av 1500-talet i kompositörernas arbete som Giovanni Pierluigi da Palestrina, Orlande de Lassus, Thomas Tallis, William Byrd och Tomás Luis de Victoria. Relativ politisk stabilitet och välstånd i de låga länderna, tillsammans med ett blomstrande system för musikutbildning i områdets många kyrkor och katedraler gjorde det möjligt att utbilda ett stort antal sångare, instrumentalister och kompositörer. Dessa musiker var mycket eftertraktade i hela Europa, särskilt i Italien, där kyrkor och aristokratiska domstolar anlitade dem som kompositörer, artister och lärare. Eftersom tryckpressen gjorde det lättare att sprida tryckt musik, i slutet av 1500-talet, hade Italien absorberat de norra musikaliska influenser med Venedig, Rom, och andra städer som blev centrum för musikalisk aktivitet. Detta vände om situationen från hundra år tidigare. Opera, en dramatisk iscensatt genre där sångare åtföljs av instrument, uppstod vid denna tid i Florens. Opera utvecklades som ett medvetet försök att återuppliva antika Greklands musik.

GenresEdit

Huvudsakliga liturgiska (kyrkbaserade) musikformer som förblev i bruk under hela renässansperioden var massor och motetter, med vissa andra utvecklingar mot slutet av eran, särskilt som kompositörer av helig musik började anta sekulära (icke-religiösa) musikformer (som madrigalen) för religiös användning. Massorna från 1400- och 1500-talet hade två typer av källor som användes, monofoniska (en enda melodilinje) och polyfoniska (flera, oberoende melodilinjer), med två huvudsakliga former av utarbetande, baserade på cantus firmus-praxis eller, med början någon gång 1500, den nya stilen med ”genomgripande imitation”, där kompositörer skulle skriva musik där de olika rösterna eller delarna skulle imitera de melodiska och / eller rytmiska motiv som utförs av andra röster eller delar. Fyra huvudtyper av massor användes:

• Cantus firmus massa (tenormassa)
• Cantus firmus / imitation mass
• Parafrasmassa
• Imitationsmassan (parodimassa)

Massorna betecknades normalt av den källa de lånade från. Cantus firmus-massan använder samma monofoniska melodi, oftast från sång och vanligtvis i tenoren och oftast i längre tonvärden än de andra rösterna. Andra heliga genrer var madrigale spirituale och laude.

Under perioden hade sekulär (icke-religiös) musik en ökande spridning med en mängd olika former, men man måste vara försiktig med att anta en explosion i mångfald: sedan tryckning gjorde musik mer tillgänglig, har mycket mer överlevt från den här eran än från den föregående medeltiden, och förmodligen försvinner en rik butik med populärmusik under senmedeltiden. Sekulär musik var musik som var oberoende av kyrkor. Huvudtyperna var tyska Lied, italiensk frottola, fransk chanson, italiensk madrigal och spansk villancico. Andra sekulära sånggenrer inkluderade caccia, rondeau, virelai, bergerette, ballade, musique mesurée, canzonetta, villanella, villotta och lutesången. Blandade former som motet-chanson och den sekulära motetten dök också upp.

Rent instrumental musik inkluderade konsortmusik för inspelare eller viol och andra instrument och danser för olika ensembler. Vanliga instrumentgenrer var toccata, prelude, ricercar och canzona. Danser spelade av instrumentala ensembler (eller ibland sjungna) inkluderade basse danse (It. Bassadanza), tourdion, saltarello, pavane, galliard, allemande, courante, bransle, canarie, piva och lavolta. Musik av många genrer kan arrangeras för ett soloinstrument som lute, vihuela, harpa eller keyboard. Sådana arrangemang kallades intabulationer (It. Intavolatura, Ger. Intabulierung).

Mot slutet av perioden hörs de tidiga dramatiska föregångarna till opera som monodi, madrigalkomedin och mellanmediet.

Teori och notationEdit

Enligt Margaret Bent: ”Renässansnotation är underskrivande enligt våra normer; när den översätts till modern form får den en receptvikt som överspecificerar och snedvrider dess original öppenhet ”. Renässanskompositioner noterades endast i enskilda delar; poäng var extremt sällsynta och barlines användes inte. Observeringsvärdena var i allmänhet större än de som används idag; den primära enhet av beat var semibreve, eller hela anteckningen. Som hade varit fallet sedan Ars Nova (se medeltida musik), kan det finnas antingen två eller tre av dessa för varje brygge (en dubbel-hel ton), som kan ses som likvärdiga med det moderna ”måttet”, dock det var i sig ett notvärde och ett mått är inte. Situationen kan betraktas på detta sätt: den är densamma som regeln i vilken modern musik en kvartnoter kan motsvara antingen två åttonde eller tre, som skulle skrivas som en ”triplett”. Med samma räkning kan det finnas två eller tre av den näst minsta noten, ”minim” (motsvarande den moderna ”halvnoten”) till varje semibrev.

Dessa olika permutationer kallades ”perfekta / imperfekt tempus ”på nivån för förhållandet mellan bryg och halv,” perfekt / ofullkomlig spridning ”på nivån för semibreve-minim, och fanns i alla möjliga kombinationer med varandra. Tre mot en kallades ”perfekt” och två till en ”ofullkomlig”. Det fanns också regler där enstaka toner kunde halveras eller fördubblas i värde (”ofullkomliga” respektive ”ändrade”) när de föregicks eller följdes av andra vissa toner. Anteckningar med svarta anteckningshuvuden (t.ex. kvartnot) inträffade mindre ofta. Denna utveckling av vit mensural notation kan vara ett resultat av den ökade användningen av papper (snarare än velum), eftersom det svagare papperet var mindre kapabelt att motstå de repor som krävs för att fylla i fasta sedlar; tidigare tider, skrivna på veläng, hade varit svart.Andra färger, och senare, ifyllda anteckningar, användes också rutinmässigt, främst för att genomdriva ovannämnda brister eller förändringar och för att kräva andra tillfälliga rytmiska förändringar.

Oavsiktliga (t.ex. tillsatta vassa, lägenheter och naturliga) som ändrar anteckningarna) specificerades inte alltid, något som i vissa fingeringstecken för gitarrfamiljinstrument (tablaturer) idag. Emellertid skulle renässansmusiker ha varit högt utbildade i dyadisk kontrapunkt och därmed besatt denna och annan information som var nödvändig för att läsa ett partitur korrekt, även om de oavsiktliga inte skrevs in. Som sådan skulle ”vad modern notation kräver ha varit helt uppenbart utan notation till en sångare som är bekant med kontrapunkt. ” (Se musica ficta.) En sångare tolkade sin del genom att räkna ut kadentialformler med andra delar i åtanke, och när de sjunger tillsammans skulle musiker undvika parallella oktaver och parallella femtedelar eller ändra deras kadenta delar i ljuset av beslut från andra musiker. Det är genom samtida tablaturer för olika plockade instrument som vi har fått mycket information om vilka olyckor som utfördes av de ursprungliga utövarna.

För information om specifika teoretiker, se Johannes Tinctoris, Franchinus Gaffurius, Heinrich Glarean, Pietro Aron , Nicola Vicentino, Tomás de Santa María, Gioseffo Zarlino, Vicente Lusitano, Vincenzo Galilei, Giovanni Artusi, Johannes Nucius och Pietro Cerone.