Ce este arta non-obiectivă – definiție și exemple
Există o legătură între dezintegrarea atomică și arta non-obiectivă? Dar Ernest Rutherford și Wassily Kandinsky? La începutul secolului al XX-lea, descoperirile din fizică au schimbat rapid modul în care percepem lumea, mergând până la a ne arăta că chiar și cea mai mică unitate constitutivă a materiei obișnuite poate fi spartă în particule chiar mai mici. Ernest Rutherford, considerat astăzi un tată al fizicii nucleare, a publicat Teoria dezintegrării atomice în 1902, împreună cu J.J. Thomson. În carte, ei au explicat o idee radical nouă că atomii substanțelor radioactive pot fi rupți. În același timp, Wassily Kandinsky a decis să părăsească Munchenul unde a studiat și să călătorească prin Europa pentru a vedea ce arta occidentală, după cuvintele sale, „a realizat până la acea dată”. Această călătorie a fost provocată de primirea ușoară a lucrărilor sale la expoziția Berlin Secession și la Salon dAutomne din Paris în 1904. Suspectiv cu teoriile care găsesc adevărul realității care ne înconjoară în operele de artă și familiarizat cu teoriile despre dezintegrarea atomul, Kandinsky a început să pună la îndoială veridicitatea realității care l-a determinat în curând să definească o nouă linie în gândirea la artă, care nu se preocupa de real, indiferent de realitate, ci de metafizic.
Arta spirituală a lui Kandinsky
Această schimbare în gândirea despre artă de la reprezentarea realității la reprezentare a „Stimmung” sau spirit esențial al naturii, care va influența și inspira mulți artiști de proveniență non-obiectivă a artei, a fost elaborat de Kandinsky în textul său Cu privire la spiritual în artă. După cum scrie, într-o mare artă:
„Spectatorul simte în el un fior corespunzător. O astfel de armonie sau chiar contrast al emoției nu pot fi superficiale sau inutile; într-adevăr, Stimmung-ul unei imagini poate adânci și purifica Astfel de opere de artă cel puțin păstrează sufletul de asprimea; „îl tastează”, ca să spunem așa, la o anumită înălțime, ca o cheie de acordare a corzilor unui instrument muzical. ”
Vedeți mai multe lucrări ale lui Wassily Kandinsky pe piața noastră!
Este evident că Kandinsky a văzut arta ca pe un vehicul care ne ajută să ne conectăm la sferele superioare, metafizice și spirituale care dizolvă grosimea realității, dar și gândirea materialistă, pozitivistă a secolului al XIX-lea. Trecerea sa în abstractizare nu a fost însă bruscă, însă a venit treptat de-a lungul anilor, prima sa piesă de artă non-obiectivă fiind o acuarelă din 1910. Punând spiritualul deasupra materialului de Kandinsky, mai târziu a inspirat artiștii să caute expresia artistică pură. realitate de formă deconectată în forme și culori geometrice, care definesc arta non-obiectivă.
Helen Mirren despre Wassily Kandinsky
Definiție de artă non-obiectivă – abstract și non-reprezentativ
Arta non-obiectivă este un termen general care definește forme de artă abstractă care nu aderă la caracteristicile identificabile, cuantificabile și observabile ale lumii vii. Este adesea legată de două figuri seminale ale artei rusești, Alexander Rodchenko și compatriotul său Kasimir Malevich, care a fost pionierul artei abstracte bazate pe forme geometrice și liniaritate, care este denumită și abstractizare geometrică. Termenul de artă neobiectivă a fost folosit pentru prima dată de Rodchenko când și-a numit unele dintre imaginile sale și a fost ulterior preluat de alți artiști, cum ar fi Malevich. Acesta din urmă a scris, de asemenea, o carte intitulată Lumea non-obiectivă: Manifestul suprematismului, care a fost publicată în 1926. Definiția artei non-obiective se învârte în jurul expresiilor abstracte, dar exprimată în termeni mai simpli, s-ar putea spune că arta reprezintă lucrări de artă care creează o lume nouă făcută din elemente care în general nu înseamnă nimic – cum ar fi un pătrat, o linie sau o culoare de culoare. Suprematismul, constructivismul și De Stijl, cu cel mai faimos reprezentant al său în Piet Mondrian, toate aparțin grupului de stiluri de artă non-obiective care au unele diferențe reciproce. În timp ce toți erau înrădăcinați într-o încercare de a schimba lumea și de a crea o nouă artă care este funcțională și normativă, suprematismul a fost înrădăcinat în anarhismul pre-revoluționar din Rusia, constructivismul a accentuat estetica tehnologică și futuristă, în timp ce De Stijl a aderat la o definire și o delimitare clară. avion.
Arta non-obiectă alb-negru a lui Malevich
Malevich a fost printre primii pictori care au încercat să realizeze idealul unei picturi absolute care este eliminat din orice aluzie și referință obiectivă. Poate cel mai radical dintre artiști și teoreticieni non-obiective, el a insistat în scrierile sale că arta și sentimentele pe care le poate genera sunt mai importante decât concepțiile politice și credințele religioase. În 1913 a stabilit Suprematismul, iar estetica sa a luat o întorsătură din acel moment încoace. Una dintre lucrările de artă care ar marca Suprematismul este Piața Neagră pe un Pământ Alb din 1913. Pictura menită să evoce „experiența non-obiectivității pure în golul alb al unui nimic eliberat”. Este primul dintre seria așa-numitelor „ultime picturi” în care a încercat să ajungă la sfârșitul reprezentării care ar duce ulterior la moartea picturii. După cum a afirmat, el doar „a simțit noaptea în mine și am simțit noul lucru pe care îl numesc suprematism. ” Punctul culminant al căutării sale pentru non-obiectivitate finală a venit cu Piața sa albă pe un sol alb din 1917. Cu această pictură a ajuns la limita neantului:
„M-am transformat în zero de formă și am apărut de la nimic la creație, adică la suprematism, la noul realism în pictură – la creație non-obiectivă. ”
Arta non-obiective astăzi
Deși poate părea un anacronism să vorbim despre arta non-obiective astăzi, deoarece termenul a fost folosit pentru a defini arta într-un context istoric particular, elementele formale ale acestei arte rămân parte a explorărilor artistice chiar și astăzi. Deși contextul care a introdus apariția artei non-obiective s-a schimbat dramatic de-a lungul deceniilor, astăzi vedem utilizarea aceleiași forme geometrice forme și elemente abstracte din lucrările de artă produse în întreaga lume. Abstracția a intrat în decorul artistic al modernității și astăzi face parte din multiplicitatea post-modernă și jocul liber al stilurilor și formelor artistice. Christian Rosa, Ben Berlow, Anish Kapoor, Kika Karadi și Molly Zuckerman Hartung sunt doar câteva dintre numele artiștilor care creează astăzi artă abstractă și non-obiectivă. Lucrările lor au fost analizate și comparate cu predecesorii lor istorici, dar conferă, de asemenea, o nouă întoarcere contemporană acestui stil de artă. Spiritualitatea și căutarea unor semnificații mai profunde și angajamente emoționale par mai pronunțate astăzi decât oricând și arta urmează cu siguranță aceste tendințe. Nu doar că arta non-obiectivă este în viață astăzi, dar cu greu ne putem imagina arta contemporană fără ea.
O lucrare de pionierat în mișcarea de a elibera arta de legăturile sale tradiționale la realitatea materială, această carte este unul dintre cele mai importante documente din istoria artei. Scrisă de celebrul pictor non-obiectiv Wassily Kandinsky (1866–1944), aceasta explică teoria picturii lui Kandinsky și cristalizează ideile care influențau mulți alți artiști ai perioadei. Împreună cu propria sa artă revoluționară, această carte a avut un impact extraordinar. despre dezvoltarea artei. Ideile lui Kandinsky sunt prezentate în două părți. Prima parte, numită „Despre estetica generală”, necesită o revoluție spirituală în pictură și expresie în termeni abstracte, nemateriali. În a doua parte, „Despre pictură”, Kandinsky discută psihologia culorilor, limbajul formei și culorii și responsabilitățile artistului.
Imagini prezentate: Pictură de Kazimir Malevich, imagine prin intermediul 100architects. com; Vasili Kandinski – Compoziția a VII-a, 1913. Amabilitatea statului Galeria Tretiakov Moscova; Alexander Rodchenko – Construcția nr. 95. Imagine prin magazineclick.com. Toate imaginile utilizate numai în scop ilustrativ.