Renaissance-Musik

Eines der ausgeprägtesten Merkmale der europäischen Kunstmusik der frühen Renaissance war die zunehmende Abhängigkeit vom Intervall des Dritten und seiner Umkehrung, dem Sechsten (im Mittelalter hatten Drittel und Sechstel) wurden als Dissonanzen betrachtet, und nur perfekte Intervalle wurden als Konsonanzen behandelt: die perfekte vierte, die perfekte fünfte, die Oktave und die Einheit). Die Polyphonie – die Verwendung mehrerer unabhängiger Melodielinien, die gleichzeitig aufgeführt werden – wurde im Laufe des 14. Jahrhunderts mit sehr unabhängigen Stimmen (sowohl in der Vokalmusik als auch in der Instrumentalmusik) immer ausgefeilter. Der Beginn des 15. Jahrhunderts zeigte eine Vereinfachung, wobei die Komponisten häufig nach Glätte in den melodischen Teilen strebten. Dies war aufgrund eines stark vergrößerten Stimmumfangs in der Musik möglich – im Mittelalter erforderte der enge Bereich eine häufige Kreuzung von Teilen, so dass ein größerer Kontrast zwischen ihnen erforderlich war, um die verschiedenen Teile zu unterscheiden. Die modalen (im Gegensatz zu tonalen, auch als „musikalischer Schlüssel“ bekannt, ein Ansatz, der in der späteren Ära der Barockmusik, ca. 1600–1750, entwickelten) Merkmale der Renaissance-Musik begann gegen Ende des Zeitraums mit der zunehmenden Verwendung zusammenzubrechen von Wurzelbewegungen von Quinten oder Vierteln (Einzelheiten siehe „Quintenkreis“). Ein Beispiel für eine Akkordfolge, bei der sich die Akkordwurzeln im Abstand von einem Viertel bewegen, wäre die Akkordfolge in der Tonart C-Dur: „d-Moll / G-Dur / C-Dur“ (dies sind alles Triaden; drei Noten) Akkorde). Der Satz vom d-Moll-Akkord zum G-Dur-Akkord ist ein Intervall von einem perfekten vierten. Der Satz vom G-Dur-Akkord zum C-Dur-Akkord ist auch ein Intervall von einem perfekten vierten. Dies entwickelte sich später zu einem der bestimmenden Merkmale der Tonalität während des Barock.

Die Hauptmerkmale der Renaissance-Musik sind:

• Musik basierend auf Modi.
• Reichhaltigere Textur, wobei vier oder mehr unabhängige melodische Parts gleichzeitig gespielt werden. Diese verwobenen melodischen Linien, ein Stil, der als Polyphonie bezeichnet wird, sind eines der bestimmenden Merkmale der Musik der Renaissance.
• Mischen von melodischen Linien in der musikalischen Textur, anstatt sie zu kontrastieren.
• Harmonie, die platziert wurde eine größere Sorge um den reibungslosen Fluss der Musik und ihre Akkordfolge.

Die Entwicklung der Polyphonie führte zu bemerkenswerten Veränderungen bei Musikinstrumenten, die die Renaissance ab dem Mittelalter musikalisch kennzeichnen. Seine Verwendung förderte die Verwendung größerer Ensembles und verlangte Instrumentensätze, die sich über den gesamten Stimmumfang zusammenfügen würden.

BackgroundEdit

Wie in den anderen Künsten war die Musik dieser Zeit maßgeblich beeinflusst von den Entwicklungen, die die Frühe Neuzeit bestimmen: der Aufstieg des humanistischen Denkens; die Wiederherstellung des literarischen und künstlerischen Erbes des antiken Griechenlands und des antiken Roms; erhöhte Innovation und Entdeckung; das Wachstum von Handelsunternehmen; der Aufstieg einer bürgerlichen Klasse; und die protestantische Reformation. Aus dieser sich verändernden Gesellschaft ging eine gemeinsame, einheitliche Musiksprache hervor, insbesondere der polyphone Stil der französisch-flämischen Schule.

Die Erfindung der Druckmaschine im Jahr 1439 machte es billiger und einfacher, Musik und Musik zu verbreiten Theorie-Texte in einem größeren geografischen Maßstab und für mehr Menschen. Vor der Erfindung des Drucks mussten geschriebene Musik und musiktheoretische Texte von Hand kopiert werden, ein zeitaufwändiger und teurer Prozess. Die Nachfrage nach Musik als Unterhaltung und als Freizeitbeschäftigung für gebildete Amateure stieg mit dem Aufkommen einer bürgerlichen Klasse. Die Verbreitung von Chansons, Motetten und Massen in ganz Europa fiel mit der Vereinigung der polyphonen Praxis in den fließenden Stil zusammen, der in der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts in Werken von Komponisten wie Giovanni Pierluigi da Palestrina, Orlande de Lassus, Thomas Tallis, gipfelte. William Byrd und Tomás Luis de Victoria. Relative politische Stabilität und Wohlstand in den Niederlanden sowie ein florierendes System der Musikausbildung in den vielen Kirchen und Kathedralen der Region ermöglichten die Ausbildung einer großen Anzahl von Sängern, Instrumentalisten und Komponisten. Diese Musiker waren insbesondere in ganz Europa sehr gefragt in Italien, wo Kirchen und Adelsgerichte sie als Komponisten, Interpreten und Lehrer engagierten. Seit die Druckerei die Verbreitung gedruckter Musik erleichterte, hatte Italien Ende des 16. Jahrhunderts die musikalischen Einflüsse des Nordens mit Venedig, Rom, aufgenommen. und andere Städte wurden zu Zentren musikalischer Aktivität. Dies kehrte die Situation von vor hundert Jahren um. Die Oper, ein dramatisch inszeniertes Genre, in dem Sänger von Instrumenten begleitet werden, entstand zu dieser Zeit in Florenz. Die Oper wurde als bewusster Versuch entwickelt, das wiederzubeleben Musik des antiken Griechenland.

GenresEdit

Die wichtigsten liturgischen (kirchlichen) Musikformen, die während der Renaissance verwendet wurden, waren Massen und Motetten, mit einigen anderen Entwicklungen gegen Ende der Ära, insbesondere als Komponisten geistlicher Musik begannen, weltliche (nicht religiöse) Musikformen (wie das Madrigal) für religiöse Zwecke anzunehmen. Die Messen des 15. und 16. Jahrhunderts hatten zwei Arten von Quellen, die verwendet wurden, monophon (eine einzelne Melodielinie) und polyphon (mehrere, unabhängige Melodielinien), mit zwei Hauptformen der Ausarbeitung, basierend auf der Cantus-Firmus-Praxis oder ab einiger Zeit 1500, der neue Stil der „durchdringenden Nachahmung“, bei dem Komponisten Musik schreiben, bei der die verschiedenen Stimmen oder Stimmen die melodischen und / oder rhythmischen Motive anderer Stimmen oder Stimmen nachahmen. Es wurden vier Haupttypen von Massen verwendet:

• Cantus firmus-Masse (Tenormasse)
• Die Cantus firmus / Nachahmungsmasse
• Die Paraphrasenmasse
• Die Nachahmungsmasse (Parodiemasse)

Die Massen wurden normalerweise nach der Quelle betitelt, von der sie ausgeliehen wurden. Die Cantus Firmus-Masse verwendet dieselbe monophone Melodie, die normalerweise aus dem Gesang und normalerweise im Tenor und meistens in längeren Notenwerten als die anderen Stimmen stammt. Andere heilige Genres waren das Madrigale Spirituale und das Laude.

Während dieser Zeit hatte die weltliche (nicht religiöse) Musik eine zunehmende Verbreitung mit einer Vielzahl von Formen, aber man muss vorsichtig sein, wenn man von einer Explosion ausgeht in der Vielfalt: Seit das Drucken die Musik breiter verfügbar gemacht hat, ist aus dieser Zeit viel mehr erhalten geblieben als aus dem vorangegangenen Mittelalter, und wahrscheinlich geht ein reichhaltiger Vorrat an populärer Musik des Spätmittelalters verloren. Weltliche Musik war Musik, die unabhängig von Kirchen war. Die Haupttypen waren das deutsche Lied, die italienische Frottola, das französische Chanson, das italienische Madrigal und das spanische Villancico. Andere weltliche Vokalgenres waren Caccia, Rondeau, Virelai, Bergerette, Ballade, Musique Mesurée, Canzonetta, Villanella, Villotta und das Lautenlied. Es erschienen auch gemischte Formen wie das Motetten-Chanson und die weltliche Motette.

Rein instrumentale Musik beinhaltete Gemahlmusik für Blockflöten oder Bratschen und andere Instrumente sowie Tänze für verschiedene Ensembles. Gemeinsame Instrumentalgenres waren Tokokata, Präludium, Ricercar und Canzona. Zu den Tänzen, die von Instrumentalensembles gespielt (oder manchmal gesungen) wurden, gehörten der Basse Danse (It. Bassadanza), Tourdion, Saltarello, Pavane, Galliard, Allemande, Courante, Bransle, Canarie, Piva und Lavolta. Musik vieler Genres könnte für ein Soloinstrument wie Laute, Vihuela, Harfe oder Keyboard arrangiert werden. Solche Arrangements wurden Intabulationen genannt (It. Intavolatura, Ger. Intabänderungen).

Gegen Ende der Periode sind die frühen dramatischen Vorläufer der Oper wie Monodie, Madrigalkomödie und Intermedio zu hören / p>

Theorie und NotationEdit

Laut Margaret Bent: „Die Renaissance-Notation ist nach unseren Maßstäben nicht vorgeschrieben; wenn sie in die moderne Form übersetzt wird, erhält sie ein vorgeschriebenes Gewicht, das sie überbestimmt und verzerrt ursprüngliche Offenheit „. Renaissancekompositionen wurden nur in einzelnen Teilen notiert; Partituren waren äußerst selten und Taktstriche wurden nicht verwendet. Die Notenwerte waren im Allgemeinen größer als heute verwendet. Die primäre Beat-Einheit war das Semibreve oder die ganze Note. Wie seit der Ars Nova (siehe mittelalterliche Musik) könnte es für jede Breve entweder zwei oder drei davon geben (eine doppelte ganze Note), was jedoch als dem modernen „Maß“ äquivalent angesehen werden kann es war selbst ein Notenwert und ein Takt ist es nicht. Die Situation kann folgendermaßen betrachtet werden: Sie entspricht der Regel, nach der in der modernen Musik eine Viertelnote entweder zwei Achtelnoten oder drei Achtelnoten entsprechen kann, die als „Triplett“ geschrieben würden. Nach der gleichen Berechnung könnte es zwei oder drei der nächstkleineren Note geben, die „Minim“ (entspricht der modernen „halben Note“) zu jedem Semibreve.

Diese verschiedenen Permutationen wurden als „perfekt“ bezeichnet / unvollkommener Tempus „auf der Ebene der Breve-Semibreve-Beziehung,“ perfekte / unvollkommene Prolation „auf der Ebene der Semibreve-Minim und existierte in allen möglichen Kombinationen miteinander. Drei zu eins wurde als „perfekt“ und zwei zu eins als „unvollkommen“ bezeichnet. Es gab auch Regeln, nach denen einzelne Noten halbiert oder verdoppelt werden konnten („unvollkommen“ bzw. „verändert“), wenn andere bestimmte Noten vorangestellt oder gefolgt wurden. Noten mit schwarzen Notenköpfen (z. B. Viertelnoten) traten seltener auf. Diese Entwicklung der weißen Mensuralnotation kann auf die zunehmende Verwendung von Papier (anstelle von Pergament) zurückzuführen sein, da das schwächere Papier den zum Ausfüllen fester Notenköpfe erforderlichen Kratzern weniger standhalten konnte. Die auf Pergament geschriebene Notation früherer Zeiten war schwarz gewesen.Andere Farben und später ausgefüllte Notizen wurden ebenfalls routinemäßig verwendet, hauptsächlich um die oben genannten Unvollkommenheiten oder Änderungen zu erzwingen und um andere vorübergehende rhythmische Änderungen zu fordern die die Noten ändern) wurden nicht immer spezifiziert, etwas wie in bestimmten Fingernotationen für Instrumente der Gitarrenfamilie (Tabulaturen) heute. Renaissance-Musiker wären jedoch in dyadischen Kontrapunkten bestens ausgebildet gewesen und hätten daher diese und andere Informationen besessen, die zum korrekten Lesen einer Partitur erforderlich sind, selbst wenn die Vorzeichen nicht eingeschrieben wären. Als solche wäre „ohne was die moderne Notation dies erfordert, vollkommen offensichtlich gewesen.“ Notation zu einem Sänger, der sich mit Kontrapunkten auskennt. “ (Siehe musica ficta.) Ein Sänger würde seinen Teil interpretieren, indem er Kadenzformeln unter Berücksichtigung anderer Teile herausfindet, und wenn Musiker zusammen singen, vermeiden sie parallele Oktaven und parallele Quinten oder ändern ihre Kadenzteile im Lichte von Entscheidungen anderer Musiker. Durch zeitgenössische Tabulaturen für verschiedene Zupfinstrumente haben wir viele Informationen darüber erhalten, welche Vorzeichen von den ursprünglichen Praktikern ausgeführt wurden.

Informationen zu bestimmten Theoretikern finden Sie bei Johannes Tinctoris, Franchinus Gaffurius, Heinrich Glarean und Pietro Aron , Nicola Vicentino, Tomás de Santa María, Gioseffo Zarlino, Vicente Lusitano, Vincenzo Galilei, Giovanni Artusi, Johannes Nucius und Pietro Cerone.