Música renascentista

Uma das características mais marcantes da música artística europeia do início da Renascença era a crescente dependência do intervalo do terceiro e de sua inversão, o sexto (na Idade Média, terceiros e sextos tinham foram considerados dissonâncias, e apenas intervalos perfeitos foram tratados como consonâncias: a quarta perfeita, a quinta perfeita, a oitava e o uníssono). A polifonia – o uso de múltiplas linhas melódicas independentes, executadas simultaneamente – tornou-se cada vez mais elaborada ao longo do século XIV, com vozes altamente independentes (tanto na música vocal como na música instrumental). O início do século XV mostrou uma simplificação, com os compositores muitas vezes buscando suavidade nas partes melódicas. Isso foi possível devido ao grande aumento do alcance vocal na música – na Idade Média, o estreito alcance tornava necessário o cruzamento frequente das partes, exigindo, assim, um maior contraste entre elas para distinguir as diferentes partes. As características modais (em oposição ao tonal, também conhecido como “chave musical”, uma abordagem desenvolvida na era da música barroca subsequente, c. 1600–1750) características da música renascentista começaram a quebrar no final do período com o aumento do uso de movimentos de raízes de quintas ou quartas (consulte o “círculo das quintas” para obter detalhes). Um exemplo de progressão de acordes em que as raízes de acordes se movem no intervalo de uma quarta seria a progressão de acordes, na chave de dó maior: “Ré menor / sol maior / dó maior” (são todas tríades; três notas acordes). O movimento do acorde Ré menor para o acorde Sol maior é um intervalo de uma quarta perfeita. O movimento do acorde de Sol maior para o acorde de C maior também é um intervalo de uma quarta perfeita. Posteriormente, isso se tornou uma das características definidoras da tonalidade durante a era barroca.

As principais características da música renascentista são:

• Música baseada em modos.
• Textura mais rica, com quatro ou mais partes melódicas independentes sendo executadas simultaneamente. Essas linhas melódicas entrelaçadas, um estilo chamado polifonia, é uma das características definidoras da música renascentista.
• Combinar, ao invés de contrastar, linhas melódicas na textura musical.
• Harmonia que colocou uma maior preocupação com o fluxo suave da música e sua progressão de acordes.

O desenvolvimento da polifonia produziu mudanças notáveis nos instrumentos musicais que marcam musicalmente o Renascimento desde a Idade Média. Seu uso encorajava o uso de conjuntos maiores e exigia conjuntos de instrumentos que se misturassem em toda a extensão vocal.

BackgroundEdit

Como nas outras artes, a música do período era significativamente influenciado pelos desenvolvimentos que definem o período da Idade Moderna: a ascensão do pensamento humanístico; a recuperação do patrimônio literário e artístico da Grécia e da Roma Antiga; maior inovação e descoberta; o crescimento das empresas comerciais; a ascensão de uma classe burguesa; e a Reforma Protestante. Dessa sociedade em mudança emergiu uma linguagem musical comum e unificadora, em particular, o estilo polifônico da escola franco-flamenga.

A invenção da imprensa em 1439 tornou mais fácil e barato distribuir música e música textos teóricos em uma escala geográfica mais ampla e para mais pessoas. Antes da invenção da impressão, a música escrita e os textos de teoria musical tinham que ser copiados à mão, um processo demorado e caro. A demanda por música como entretenimento e como atividade de lazer para amadores educados aumentou com o surgimento de uma classe burguesa. A disseminação de cânones, motetos e missas por toda a Europa coincidiu com a unificação da prática polifônica no estilo fluido que culminou na segunda metade do século XVI na obra de compositores como Giovanni Pierluigi da Palestrina, Orlande de Lassus, Thomas Tallis, William Byrd e Tomás Luis de Victoria. A estabilidade política relativa e a prosperidade nos Países Baixos, junto com um sistema florescente de educação musical nas muitas igrejas e catedrais da área, permitiram o treinamento de um grande número de cantores, instrumentistas e compositores. Esses músicos eram muito procurados em toda a Europa, especialmente na Itália, onde igrejas e cortes aristocráticas os contratavam como compositores, intérpretes e professores. Como a imprensa tornou mais fácil a divulgação da música impressa, no final do século 16, a Itália absorveu as influências musicais do norte com Veneza, Roma, e outras cidades se tornando centros de atividade musical. Isso reverteu a situação de cem anos antes. A ópera, um gênero dramático em que os cantores são acompanhados por instrumentos, surgiu nesta época em Florença. A ópera foi desenvolvida como uma tentativa deliberada de ressuscitar o música da Grécia antiga.

GenresEdit

As principais formas musicais litúrgicas (baseadas na igreja) que permaneceram em uso durante todo o período da Renascença foram missas e motetos, com alguns outros desenvolvimentos no final da era, especialmente como compositores de música sacra começaram a adotar formas musicais seculares (não religiosas) (como o madrigal) para uso religioso. As missas dos séculos XV e XVI tiveram dois tipos de fontes utilizadas, monofônicas (uma única linha melódica) e polifônicas (múltiplas linhas melódicas independentes), com duas formas principais de elaboração, baseadas na prática do cantus firmus ou, a partir de algum tempo 1500, o novo estilo de “imitação difusa”, em que os compositores escreveriam música em que as diferentes vozes ou partes imitariam os motivos melódicos e / ou rítmicos executados por outras vozes ou partes. Quatro tipos principais de massas foram usados:

• Massa Cantus firmus (massa de tenor)
• O cantus firmus / massa de imitação
• A massa paráfrase
• A missa de imitação (missa de paródia)

As missas eram normalmente intituladas pela fonte da qual foram emprestadas. Cantus firmus mass usa a mesma melodia monofônica, geralmente extraída do canto e geralmente no tenor e mais frequentemente em valores de nota mais longos do que as outras vozes. Outros gêneros sagrados eram o madrigale spirituale e o laude.

Durante o período, a música secular (não religiosa) teve uma distribuição crescente, com uma grande variedade de formas, mas é preciso ter cuidado para não assumir uma explosão em variedade: uma vez que a impressão tornou a música mais amplamente disponível, muito mais sobreviveu dessa era do que da era medieval anterior, e provavelmente um rico estoque de música popular do final da Idade Média se perdeu. Música secular era música independente de igrejas. Os principais tipos eram o Lied alemão, o frottola italiano, o chanson francês, o madrigal italiano e o villancico espanhol. Outros gêneros vocais seculares incluíram caccia, rondeau, virelai, bergerette, balada, musique mesurée, canzonetta, villanella, villotta e a canção de alaúde. Formas mistas como o moteto-chanson e o moteto secular também apareceram.

A música puramente instrumental incluía música de consorte para flauta doce ou violas e outros instrumentos, e danças para vários conjuntos. Os gêneros instrumentais comuns foram a tocata, prelúdio, ricercar e canzona. As danças tocadas por conjuntos instrumentais (ou às vezes cantadas) incluíam basse danse (It. Bassadanza), tourdion, saltarello, pavane, galliard, allemande, courante, bransle, canarie, piva e lavolta. Música de muitos gêneros pode ser arranjada para um instrumento solo, como alaúde, vihuela, harpa ou teclado. Esses arranjos eram chamados de intabulações (It. Intavolatura, Ger. Intabulierung).

No final do período, os primeiros precursores dramáticos da ópera, como a monodia, a comédia madrigal e o intermedio, são ouvidos.

Teoria e notationEdit

De acordo com Margaret Bent: “A notação renascentista é pouco prescritiva por nossos padrões; quando traduzida para a forma moderna, adquire um peso prescritivo que especifica demais e distorce sua abertura original “. As composições da Renascença eram notadas apenas em partes individuais; as pontuações eram extremamente raras e as barras de compasso não eram usadas. Os valores das notas eram geralmente maiores do que os usados hoje; a unidade primária da batida era a semibreve, ou nota inteira. Como tem sido o caso desde a Ars Nova (ver música medieval), pode haver dois ou três destes para cada breve (uma nota dupla inteira), que pode ser considerada equivalente à “medida” moderna, embora era em si um valor de nota e um compasso não. A situação pode ser considerada da seguinte maneira: é a mesma regra pela qual na música moderna uma semínima pode ser igual a duas colcheias ou a três, que seriam escritas como “tercinas”. Pelo mesmo cálculo, poderia haver duas ou três da próxima nota menor, o “mínimo” (equivalente à “meia nota” moderna) para cada semibreve.

Essas diferentes permutações foram chamadas de “perfeitas / imperfeito tempus “no nível da relação breve – semibreve,” prolação perfeita / imperfeita “no nível da semibreve – minim, e existiam em todas as combinações possíveis entre si. Três para um era chamado de “perfeito” e dois para um “imperfeito”. Também existiam regras segundo as quais notas únicas podiam ser divididas pela metade ou dobradas em valor (“imperfeitas” ou “alteradas”, respectivamente) quando precedidas ou seguidas por outras notas certas. As notas com pontas pretas (como semínimas) ocorreram com menos frequência. Esse desenvolvimento da notação mensural branca pode ser resultado do aumento do uso de papel (em vez de velino), já que o papel mais fraco era menos capaz de resistir aos arranhões necessários para preencher cabeçotes de notas sólidos; a notação de tempos anteriores, escrita em pergaminho, era preta.Outras cores e, posteriormente, notas preenchidas, também foram usadas rotineiramente, principalmente para reforçar as imperfeições ou alterações mencionadas acima e para solicitar outras mudanças rítmicas temporárias.

Acidentes (por exemplo, cortantes, bemóis e naturais adicionados que mudam as notas) nem sempre foram especificadas, como em certas notações de dedilhado para instrumentos da família de guitarras (tablaturas) hoje. No entanto, os músicos da Renascença teriam sido altamente treinados em contraponto diádico e, portanto, possuíam esta e outras informações necessárias para ler uma partitura corretamente, mesmo se os acidentes não estivessem escritos. Como tal, “o que a notação moderna requer teria ficado perfeitamente aparente sem notação para um cantor versado em contraponto. ” (Ver musica ficta.) Um cantor interpretaria sua parte imaginando fórmulas cadenciais com outras partes em mente e, ao cantar juntos, os músicos evitariam oitavas paralelas e quintas paralelas ou alterariam suas partes cadenciais à luz das decisões de outros músicos. É através de tablaturas contemporâneas para vários instrumentos de dedilhados que ganhamos muitas informações sobre quais acidentes foram realizados pelos praticantes originais.

Para obter informações sobre teóricos específicos, consulte Johannes Tinctoris, Franchinus Gaffurius, Heinrich Glarean, Pietro Aron , Nicola Vicentino, Tomás de Santa María, Gioseffo Zarlino, Vicente Lusitano, Vincenzo Galilei, Giovanni Artusi, Johannes Nucius e Pietro Cerone.