Cerâmica da Grécia antiga

Edição da Idade do Bronze

A pintura fina na cerâmica grega remonta à cerâmica minóica e à cerâmica micênica da Idade do Bronze, alguns exemplos posteriores das quais mostram o ambicioso pintura figurativa que se tornaria altamente desenvolvida e típica.

Iron AgeEdit

Depois de muitos séculos dominados por estilos de decoração geométrica, tornando-se cada vez mais complexos, os elementos figurativos voltaram a vigorar no século VIII . Do final do século 7 a cerca de 300 aC, estilos em evolução de pintura liderada por figuras estiveram no auge de produção e qualidade e foram amplamente exportados.

Durante a Idade das Trevas grega, abrangendo os séculos 11 a 8 aC, o estilo inicial predominante era o da arte protogeométrica, predominantemente utilizando padrões decorativos circulares e ondulados. Isso foi sucedido na Grécia continental, no Egeu, na Anatólia e na Itália pelo estilo de cerâmica conhecido como arte geométrica, que empregava linhas bem definidas de formas geométricas.

O período da Grécia Arcaica, começando no século VIII AC e durando até o final do século V AC, viu o nascimento do período Orientalizing, liderado em grande parte pela antiga Corinto, onde as figuras de bastão da cerâmica geométrica anteriores se concretizaram em meio a motivos que substituíram os padrões geométricos.

A decoração clássica em cerâmica é dominada principalmente pela pintura de vasos do ático. A produção ática foi a primeira a ser retomada após a Idade das Trevas grega e influenciou o resto da Grécia, especialmente a Beócia, Corinto, as Cíclades (em particular Naxos) e as colônias jônicas no leste do Egeu. A produção de vasos era em grande parte prerrogativa de Atenas – está bem atestado que em Corinto, Beócia, Argos, Creta e Cíclades, os pintores e oleiros se contentavam em seguir o estilo ático. No final do período arcaico, os estilos de preto a cerâmica de figuras, a cerâmica de figuras vermelhas e a técnica de fundo branco tornaram-se totalmente estabelecidas e continuariam em uso durante a era da Grécia clássica, do início do século V ao final do século IV aC. Corinto foi eclipsado pelas tendências atenienses, uma vez que Atenas foi a progenitora dos estilos de figura vermelha e fundo branco.

Estilos protogeométricos Editar

Vasos do período protogeométrico (c. 1050 –900 aC) representam o retorno da produção artesanal após o colapso da cultura do palácio micênico e a subsequente idade das trevas grega. É uma das poucas formas de expressão artística além da joalheria neste período, uma vez que a escultura, a arquitetura monumental e a pintura mural dessa época nos são desconhecidas. Por volta de 1050 aC, a vida na península grega parecia ter se tornado suficientemente estabelecida para permitir uma melhoria significativa na produção de louça de barro. O estilo é confinado à representação de círculos, triângulos, linhas onduladas e arcos, mas colocado com consideração evidente e destreza notável, provavelmente auxiliado por compasso “e pincéis múltiplos. O local de Lefkandi é uma das nossas fontes de cerâmica mais importantes deste período em que foi encontrado um depósito de mercadorias mortíferas, evidenciando um estilo protogeométrico distinto de Eubeia que durou até o início do século 8.

Estilo geométricoEditar

A arte geométrica floresceu nos séculos IX e VIII aC Caracterizou-se por novos motivos, rompendo com a representação dos períodos minóico e micênico: meandros, triângulos e outras decorações geométricas (daí o nome do estilo) distintas das predominantemente figuras circulares do estilo anterior. No entanto, nossa cronologia para esta nova arte f orm vem de mercadorias exportadas encontradas em contextos datáveis no exterior.

Com o estilo geométrico inicial (aproximadamente 900-850 aC), encontram-se apenas motivos abstratos, no que é chamado de estilo “Dipylon Negro”, que se caracteriza pelo uso extensivo de verniz preto, com o Meio Geométrico (aprox. 850-770 aC), decoração figurativa faz sua aparição: inicialmente são bandas idênticas de animais como cavalos, veados, cabras, gansos, etc. que se alternam com as faixas geométricas. Paralelamente, a decoração torna-se complicada e cada vez mais ornamentada; o pintor reluta em deixar espaços vazios e preenche-os com meandros ou suásticas. Essa fase é chamada de horror vacui (medo do vazio) e não cessará até o final do período geométrico.

Em meados do século começam a aparecer figuras humanas, cujas representações mais conhecidas são as dos vasos encontrados em Dipylon, um dos cemitérios de Atenas. Os fragmentos desses grandes vasos funerários mostram principalmente procissões de carros ou guerreiros ou das cenas funerárias: πρόθεσις / prótese (exposição e lamentação dos mortos) ou ἐκφορά / ekphora (transporte do caixão ao cemitério). Os corpos são representados de forma geométrica com exceção das panturrilhas, que são bastante protuberantes. No caso dos soldados, um escudo em forma de diabolo, denominado “escudo dipylon” devido ao seu desenho característico, cobre a parte central do corpo. As pernas e os pescoços dos cavalos, as rodas das carruagens são representadas uma vez ao lado do outro sem perspectiva. A mão deste pintor, assim chamada na ausência de assinatura, é o Mestre Dipylon, podendo ser identificada em várias peças, em particular ânforas monumentais.

No final do período aparecem representações da mitologia, provavelmente no momento em que Homero codifica as tradições do ciclo troiano na Ilíada e na Odisséia. Aqui, porém, a interpretação constitui um risco para o observador moderno: um confronto entre dois guerreiros pode ser um duelo homérico ou um simples combate ; um barco que falhou pode representar o naufrágio de Odisseu ou de qualquer marinheiro infeliz.

Por último, são as escolas locais que aparecem na Grécia. A produção de vasos era em grande parte prerrogativa de Atenas – é bem comprovado que, como em No período proto-geométrico, em Corinto, Beócia, Argos, Creta e Cíclades, os pintores e oleiros se contentaram em seguir o estilo ático. Por volta do século VIII aC, eles criaram seus próprios estilos, Argos se especializando em cenas figurativas, Creta permanecendo ligada a uma abstração mais estrita.

Estilo de orientaçãoEditar

O estilo orientalizante foi o produto da fermentação cultural no Mar Egeu e no Mediterrâneo Oriental dos séculos VIII e VII aC. Estimulados por laços comerciais com as cidades-estados da Ásia Menor, os artefatos do Oriente influenciaram uma arte representacional altamente estilizada, mas reconhecível. Marfim, cerâmica e trabalho em metal dos principados neo-hititas do norte da Síria e da Fenícia chegaram à Grécia, assim como as mercadorias de Urartu e Frígia da Anatólia, mas havia pouco contato com os centros culturais do Egito ou da Assíria. O novo idioma foi desenvolvido inicialmente em Corinto (como proto-coríntio) e mais tarde em Atenas entre 725 aC e 625 aC (como proto-ático).

Era caracterizado por um vocabulário expandido de motivos: esfinge, grifo, leões, etc., bem como um repertório de animais não mitológicos dispostos em frisos na parte interna do vaso. Nesses frisos, os pintores também começaram a aplicar lótus ou palmetas. As representações de humanos eram relativamente raras. As que foram encontradas são figuras em silhueta com algum detalhe inciso, talvez a origem das figuras de silhueta incisas do período das figuras negras. Há detalhes suficientes nessas figuras para permitir que os estudiosos discernam várias mãos de diferentes artistas. As características geométricas permaneceram no estilo denominado proto-coríntio, que abraçou esses experimentos de orientação, mas que coexistiu com um estilo sub-geométrico conservador.

As cerâmicas de Corinto foram exportadas para toda a Grécia, e sua técnica chegou a Atenas, levando ao desenvolvimento de um idioma oriental menos marcante. Durante este tempo descrito como proto-ático, os motivos orientalizantes aparecem, mas as características permanecem, não muito realistas. Os pintores mostram uma preferência pelas cenas típicas do Período Geométrico, como procissões de bigas. No entanto, adotam o princípio do desenho linear para substituir a silhueta. Em meados do século VII aC, surge o preto e estilo branco: figuras pretas em uma zona branca, acompanhadas de policromia para representar a cor da carne ou da roupa. A argila usada em Atenas era muito mais laranja do que a de Corin th, e assim não se prestava tão facilmente à representação da carne. Entre os pintores orientadores do ático estão o Pintor Analatos, o Pintor Mesogeia e o Pintor Polyphemos.

Creta, e especialmente as ilhas das Cíclades, são caracterizadas por sua atração pelos vasos conhecidos como “plásticos”, ou seja, aqueles cujos a pança ou coleira é moldada no formato de cabeça de animal ou de homem. Em Aegina, a forma mais popular de vaso de plástico é a cabeça do grifo. As ânforas melanésias, fabricadas em Paros, exibem pouco conhecimento dos desenvolvimentos coríntios.Eles apresentam um gosto marcante pela composição épica e um horror vacui, que se expressa em uma abundância de suásticas e meandros.

Finalmente, pode-se identificar o último grande estilo do período, o estilo cabra selvagem, tradicionalmente atribuído a Rodes, devido a uma importante descoberta na necrópole de Kameiros. Na verdade, está espalhado por toda a Ásia Menor, com centros de produção em Miletos e Quios. Duas formas predominam oenochoes, que copiavam modelos de bronze, e pratos, com ou sem pés. A decoração é organizada em registos sobrepostos em que animais estilizados, em particular cabras selvagens (daí o nome) se perseguem em frisos. Muitos motivos decorativos (triângulos florais, suásticas, etc.) preenchem os espaços vazios.

Técnica de figuras negras Editar

A figura negra é a mais comumente imaginada quando se pensa em cerâmica grega. Foi um estilo popular na Grécia antiga por muitos anos. O período das figuras negras coincide aproximadamente com a era designada por Winckelmann como o arcaico médio ao tardio, de c. 620 a 480 AC. A técnica de incisão de figuras recortadas com detalhes animadores que agora chamamos de método da figura negra foi uma invenção coríntia do século 7 e se espalhou de lá para outras cidades-estados e regiões, incluindo Esparta, Beócia, Eubeia, as ilhas gregas orientais e Atenas.

O tecido coríntio, extensivamente estudado por Humfry Payne e Darrell Amyx, pode ser rastreado através do tratamento paralelo de figuras animais e humanas. Os motivos de animais têm maior destaque no vaso e mostram a maior experimentação na fase inicial da figura negra coríntia. Conforme os artistas coríntios ganharam confiança em sua representação da figura humana, o friso animal diminuiu em tamanho em relação à cena humana durante a fase intermediária à última. Em meados do século 6 aC, a qualidade das mercadorias coríntias havia caído significativamente, a ponto de alguns ceramistas coríntios disfarçarem seus potes com uma tira vermelha, imitando a mercadoria ateniense superior.

Em Atenas, os pesquisadores descobriram encontraram os primeiros exemplos conhecidos de pintores de vasos assinando seus trabalhos, o primeiro sendo um dinos de Sophilos (ilustração abaixo, BM c. 580), o que talvez seja indicativo de sua crescente ambição como artistas na produção de obras monumentais exigidas como lápides, como por exemplo, com François Vase de Kleitias. Muitos estudiosos consideram a melhor obra no estilo pertencer a Exekias e o Pintor Amasis, que são conhecidos por seu sentimento de composição e narrativa.

Cerca de 520 aC, o vermelho A técnica da figura foi desenvolvida e gradualmente introduzida na forma de vaso bilíngue pelo Pintor Andokides, Oltos e Psiax. A figura vermelha rapidamente eclipsou a figura negra, mas na forma única da Ânfora Panathanaic, a figura negra continuou a ser útil sed até o século 4 aC.

Técnica de figuras vermelhas Editar

A inovação da técnica das figuras vermelhas foi uma invenção ateniense do final do século VI. Era exatamente o oposto da figura negra que tinha um fundo vermelho. A capacidade de renderizar detalhes por pintura direta em vez de incisão ofereceu novas possibilidades expressivas aos artistas, como perfis de três quartos, maiores detalhes anatômicos e a representação de perspectiva.

A primeira geração de pintores de figuras vermelhas trabalhou em figuras vermelhas e pretas, bem como outros métodos, incluindo a técnica de Seis e fundo branco; este último foi desenvolvido ao mesmo tempo que a figura vermelha. No entanto, em vinte anos, a experimentação deu lugar à especialização, como visto em os vasos do Grupo Pioneiro, cujo trabalho figural era exclusivamente em figura vermelha, embora mantivessem o uso de figura negra para algumas ornamentações florais iniciais. Os valores e objetivos comuns dos Pioneiros, como Euphronios e Euthymides, sinalizam que eles eram algo aproximando-se de um movimento autoconsciente, embora não tenham deixado para trás nenhum testamento além de seu próprio trabalho. John Boardman disse da pesquisa sobre seu trabalho que “a reconstrução de suas carreiras, propósito comum , mesmo rivalidades, podem ser consideradas um triunfo arqueológico “

A próxima geração de pintores de vasos arcaicos tardios (c. 500 a 480 aC) trouxe um naturalismo crescente ao estilo, conforme visto na mudança gradual do olho do perfil.Esta fase também vê a especialização de pintores em pintores de potes e copos, com os Pintores de Berlim e Kleophrades notáveis na primeira categoria e Douris e Onesimos na segunda.

Do início ao alto clássico da pintura de figuras vermelhas (c. 480–425 aC), várias escolas distintas haviam se desenvolvido. Os maneiristas associados à oficina de Myson e exemplificados pelo Pan Painter se apegam às características arcaicas de drapeados rígidos e poses desajeitadas e combinam isso com gestos exagerados. Em contraste, a escola do Pintor de Berlim na forma do Pintor de Aquiles e seus colegas (que podem ter sido os alunos do Pintor de Berlim) favorecia uma pose naturalista geralmente de uma única figura contra um fundo preto sólido ou de branco contido. chão lekythoi. Polygnotos e o Kleophon Painter podem ser incluídos na escola do Niobid Painter, pois seu trabalho indica algo da influência das esculturas do Partenon em ambos os temas (por exemplo, Centauromaquia de Polygnotos “, Bruxelas, Musées Royaux A. & Hist., A 134) e no sentimento pela composição.

Perto do final do século, o estilo “rico” da escultura ática vista na balaustrada da Nike se reflete na pintura contemporânea de vasos com uma atenção cada vez maior aos detalhes incidentais, como cabelo e joias. O Pintor de Meidias é geralmente mais intimamente identificado com este estilo.

A produção de vasos em Atenas parou por volta de 330–320 aC, possivelmente devido ao controle da cidade por Alexandre, o Grande, e estava em declínio lento durante o Século IV junto com a fortuna política de Atenas. No entanto, a produção de vasos continuou nos séculos IV e III nas colônias gregas do sul da Itália, onde cinco estilos regionais podem ser distinguidos. Estes são o apuliano, o lucano, o siciliano, o campaniano e o paestão. O trabalho de figuras vermelhas floresceu ali com a adição distinta de pintura policromática e, no caso da colônia do Mar Negro de Panticapeum, o trabalho dourado do estilo Kerch. O trabalho de vários artistas notáveis “chega até nós, incluindo o pintor Darius e o pintor do submundo, ambos ativos no final do século 4, cujas cenas policromáticas lotadas muitas vezes ensaiam uma complexidade de emoção não tentada por pintores anteriores. Seu trabalho representa uma fase maneirista tardia para a realização da pintura grega de vaso.

Técnica de fundo branco Editar

A técnica de fundo branco foi desenvolvida no final do século 6 aC. Ao contrário das técnicas mais conhecidas de figuras negras e vermelhas, sua coloração não era alcançada com a aplicação e queima de barbatanas, mas com o uso de tintas e douramento sobre uma superfície de argila branca. Permitiu um maior nível de policromia do que as outras técnicas, embora os vasos acabem sendo menos impactantes visualmente. A técnica ganhou grande importância durante os séculos V e IV, especialmente na forma de pequenos lekythoi que se tornaram oferendas de sepulturas típicas. Representantes importantes incluem seu inventor, o Pintor de Aquiles, bem como Psiax, o Pintor de Pistoxenos e o Pintor de Thanatos.

Vasos de relevo e plásticoEditar

Os vasos de relevo e plástico tornaram-se particularmente populares no século 4 aC e continuaram sendo fabricados no período helenístico. Eles foram inspirados no chamado “estilo rico” desenvolvido principalmente na Ática após 420 aC. As principais características foram as composições multifiguradas com uso de cores agregadas (rosa / avermelhado, azul, verde, dourado) e destaque para as figuras mitológicas femininas. O teatro e a performance constituíram mais uma fonte de inspiração.

O Museu Arqueológico Delphi tem alguns exemplos particularmente bons deste estilo, incluindo um vaso com Afrodite e Eros. A base é redonda, cilíndrica, e seu cabo vertical, com faixas, forrado de cor preta. A figura feminina (Afrodite) é retratada sentada, usando um himation. Ao lado dela está uma figura masculina, nua e alada. Ambas as figuras usam grinaldas feitas de folhas e seus cabelos preservam traços de tinta dourada. As características de seus rostos são estilizadas. O vaso tem fundo branco e mantém em várias partes os traços de tinta azulada, esverdeada e avermelhada. Data do século 4 aC.

Na mesma sala é mantido um pequeno lekythos com uma decoração de plástico, representando uma dançarina alada. A figura usa uma touca persa e um vestido oriental, indicando que já naquele período os dançarinos orientais, possivelmente escravos, estavam na moda. A figura também é coberta por uma cor branca. A altura total do vaso é de 18 centímetros e data do século 4 aC.

Edição do período helenístico

O período helenístico, inaugurado pelas conquistas de Alexandre o Grande , viu o virtual desaparecimento da cerâmica de figuras pretas e vermelhas, mas também o surgimento de novos estilos, como West Slope Ware no leste, Centuripe Ware na Sicília e os vasos Gnathia no oeste. Fora da Grécia continental, outras tradições gregas regionais se desenvolveram, como as da Magna Grécia com os vários estilos do sul da Itália, incluindo Apulian, Lucanian, Paestan, Campanian e Sicilian.