10 compositores contemporâneos cuja música você precisa descobrir hoje

Jennifer Higdon

” A miríade de elogios e realizações de Jennifer Higdon é impressionante por qualquer padrão, mas principalmente no mundo da música clássica contemporânea. Ela ganhou um Prêmio Pulitzer e um Grammy. Sua música é tão requisitada que ela pode compor exclusivamente por encomenda. E ela campeões incluem solistas de alto nível, conjuntos e orquestras. De acordo com uma pesquisa recente de orquestras dos EUA, Higdon é um dos compositores americanos vivos mais tocados.

“No entanto, a realização mais impressionante de Higdon não se encaixa tão facilmente em uma biografia, e é assim que sua música se infiltrou em cada estrato da cultura da música clássica nos Estados Unidos. Dê uma olhada na página ‘Próximas apresentações’ de seu site oficial e você verá que seu trabalho está sendo tocado não apenas pela Orquestra Sinfônica de Houston e Filadélfia, mas também por conjuntos municipais, comunitários e de ensino médio em todo o país. Superficialmente, parece ser uma fórmula simples: Higdon escreve músicas que o público gosta de ouvir e os músicos consideram gratificante tocar. Mas é realmente tão simples? .. “

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Lera Auerbach

” Em uma era de hábitos multitarefa, percepções polimodais e experiências multissensoriais, espera-se que todos nós nos tornemos polímatas. Como Vinnie Mirchandani colocou em seu prefácio de The New Polymath (Wiley: 2010): “não pode mais ser apenas uma pessoa, mas uma coleção de muitas.” Mas, ao tentar se tornar muitas pessoas, o que se perde? Identidade, profundidade, talento? Gênio, talvez?

“Lera Auerbach é um polímata no sentido original da palavra – conforme definido e defendido por escritores e pensadores da Renascença; mas ela também é uma artista de seu tempo. Além de ser uma compositora e pianista concertista de sucesso, ela é pintora, escultora, libretista e autora de vários livros de poesia e prosa, mas para Auerbach essas atividades extramusicais não são exercícios de diletantismo: todas as formas de arte estão interconectadas e projetadas para nutrir e sustentar umas às outras. .. “

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Sally Beamish

“De certa forma, a música foi a primeira língua de Sally Beamish. Sua mãe, uma violinista, ensinou-a a ler e escrever notas aos quatro anos – antes que ela pudesse tocar um instrumento, antes mesmo que ela pudesse ler ou escrever palavras. Ela desenhava pequenas flores ou rostos no manuscrito e sua mãe interpretava como a notação gráfica poderia soar. Eu sempre quis para fazer minhas próprias coisas , diz ela. Eu fiz minhas próprias roupas, escrevi histórias, pintei … Quando ela começou a aprender piano aos cinco anos, ela construiu para si mesma um pequeno caderno de exercícios.

“Hoje Beamish é um dos mais ocupados e calorosos compositores respeitados, com encomendas abundantes e rápidas para partituras que vão desde balé em grande escala e oratórios a obras de câmara, teatro e solo. Aos 60 anos ela já tem um catálogo de mais de 200 peças e esse número está crescendo rapidamente: este ano ela tem escrito três concertos para piano, entre vários outros projetos. Para muitos ouvintes, o grande apelo da música de Beamish é o espaço que ela encontra entre a suavidade e o aço – seu talento para misturar lirismo com manchas folclóricas, franqueza emocional, um senso do mundo natural e uma maneira propulsora com ritmo mais economia real, franqueza, orquestrações luminosas e rigor de arte. Ela é o tipo de compositora que parece saber exatamente o que quer que uma peça diga e encontra a maneira mais compassiva e menos exigente de dizer isso. . “

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Augusta Read Thomas

“A música clássica americana no último quarto de século foi dominada pela estética minimalista que veio à tona como uma reação contra o pensamento modernista que anteriormente dominava. Atualmente, representa uma língua franca virtual em termos de sua influência sobre os compositores convencionais. Outros, porém, olharam para trás (não com raiva e menos ainda por nostalgia) para uma era em que aspectos do modernismo estavam ligados a uma tonalidade em livre evolução, de modo que novas possibilidades foram abertas para exploração. Apenas recentemente esta abordagem recuperou proeminência, com Augusta Read Thomas sendo um dos seus principais expoentes.

“Nascido em Glen Cove, Long Island, em abril de 1964, Thomas estudou na Yale University e mais tarde na Royal Academy of Música em Londres e na Northwestern University de Chicago. Falar de influências é muitas vezes desnecessariamente subjetivo, mas dois compositores com quem ela teve contato durante esse período deixaram sua marca em sua música no sentido mais direto e positivo.De Jacob Druckman (1928-96), ela absorveu o valor da cor instrumental como um componente formal e expressivo, em vez de apenas um revestimento externo, enquanto em Donald Erb (1927-2008) ela teve o exemplo de um orquestrador incomparável em esse respeito entre os compositores americanos de sua geração. O que isso deu à música de Thomas desde o início foi sua clareza de concepção e precisão de gesto (seja na mais breve das miniaturas instrumentais ou em obras orquestrais em grande escala), que atuam como o foco para suas texturas frequentemente intrincadas e harmonias iridescentes – assim garantindo que seu trabalho exala um imediatismo e uma comunicatividade qualquer que seja seu grau de complexidade e dissonância … “

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Unsuk Chin

“Mais curioso e mais curioso. Ouvir a música de Unsuk Chin pode parecer uma aventura no País das Maravilhas de Alice. Começamos em território familiar, com ideias musicais simples e atraentes, mas estas vão se tecendo em texturas complexas e perturbadoras. Logo descemos pela toca do coelho, e nada é exatamente o que parece. A música parece estável, até que uma mudança sutil na harmonia a lança sob uma luz inteiramente nova. As perspectivas mudam, os motivos e as melodias se torcem e distorcem. A simplicidade dá lugar à complexidade sedutora. Então tudo para, muitas vezes com um baque da percussão, e ficamos contemplando a bizarra virada dos acontecimentos. Foi tudo um sonho?

“Unsuk Chin é fascinada por Alice no País das Maravilhas desde a infância e isso inspirou grande parte de sua música, principalmente sua ópera Alice de 2007. Mas sua visão da história é distinta . A ópera é cheia de momentos de intriga e maravilha, mas estes são confrontados com representações gritantes do absurdo brutal da história – uma concepção fantástica, mas sempre lúcida, típica dos chineses. Como uma coreana radicada na Alemanha, ela tem uma perspectiva de fora da Europa cultura, e sua música regularmente destaca seus paradoxos arraigados. Ela é uma voz da razão, trazendo ordem ao surreal. Acima de tudo, ela traz clareza, por mais complexa que sua música se torne, com cada nota permanecendo audível, cada motivação clara … ”

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Anna Thorvaldsdóttir

Antes de notar suas obras convencionalmente por meio das cinco linhas da pauta musical, Anna Thorvaldsdóttir literalmente desenha o m. As ilustrações a lápis imaculadas que esse processo gera são algo para se ver. Um deles está reproduzido na capa – e dentro do encarte, em uma versão mais completa – daquele que foi o primeiro álbum a apresentar sua música e somente sua: Rhízoma.

O desenho apresenta um ainda consistente horizonte acidentado de duas linhas quase horizontais em contraponto. Abaixo dele, múltiplas raízes se juntam em um único tronco grosso antes de se quebrar em quatro galhos, desfiando para fora em suas pontas (pode ser um vulcão ameaçador; pode ser um nabo com ervas daninhas). Os pensamentos em forma de texto estão espalhados em letras maiúsculas meticulosas: Em constante desenvolvimento / Como o sino / Prevejo que a duração desta peça será de aproximadamente 12-14 minutos.

Falando em em uma sessão aberta de perguntas e respostas em Copenhagen em janeiro, Thorvaldsdóttir explicou que ela usa desenhos como esses como auxiliares de composição, dispositivos para mapear para onde uma peça está indo. Mas eles contêm pistas estruturais vitais para o resto de nós. No caso deste desenho específico – uma imagem da peça Streaming Arhythmia (2007) – podemos traçar como a biologia das raízes subterrâneas ou rizomas influenciou o desenvolvimento da música. O esboço também tem uma semelhança incrível com a paisagem da Islândia de Thorvaldsdóttir: um terreno árido e altamente atmosférico caracterizado por rocha preta, musgo escuro, picos vulcânicos de contornos nítidos e uma total falta de árvores.

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Olga Neuwirth

A música de Olga Neuwirth (b1968 ) é ricamente alusivo, movendo-se livremente entre pontos de referência tão variados como Monteverdi, Weill, Miles Davis e Klaus Nomi. Ela citou influências de Boulez aos Beastie Boys. No entanto, se há um artista cuja abordagem estética parece particularmente próxima à dela, não é um músico – é o cineasta David Lynch, o diretor independente por trás de clássicos cult como Twin Peaks (1990-91; 2017), Lost Highway (1997) e Mulholland Drive (2001). Justaposições bizarras, reviravoltas narrativas surreais, imagens vívidas de significado obscuro: seus filmes não são apenas estranhos, mas também misteriosos – às vezes até inexplicáveis – enquanto viajam em mundos oníricos nos quais as regras padrão de tempo, espaço e sentido parecem se dissipar. A música pode ser um meio mais abstrato do que o filme, mas o trabalho de Neuwirth prova sua capacidade de ser tão fascinantemente insondável.Sua música é cativante e provocativa, não apesar de sua estranheza, mas por causa dela.

A comparação com Lynch é aquela que Neuwirth se provocou quando transformou Lost Highway, o filme que alguns chamam de o mais estranho de Lynch, em uma ópera em 2002-03, em colaboração com sua compatriota ganhadora do Prêmio Nobel, Elfriede Jelinek. É difícil imaginar uma escolha mais audaciosa de filme para receber o tratamento operístico, mas a música fragmentária e multidimensional de Neuwirth cria algo que de alguma forma parece ser a alma gêmea do original. A certa altura, tanto no filme quanto na ópera (algum tempo antes de ele inexplicavelmente se transformar em mecânico de automóveis), o protagonista Fred explica por que não possui uma câmera de vídeo. ‘Gosto de lembrar das coisas do meu jeito’, diz ele. _ Como eu me lembrei deles. Não necessariamente da maneira como aconteceu. Talvez a ópera adote uma abordagem semelhante ao adaptar o filme, transformando-o em novas formas – acrobacias vocais hiperexpressivas para um personagem, palavra falada impassível para outro, falsete misterioso vocalizar para um terceiro – enquanto mantém o enredo e aumentando a correnteza noir. Na verdade, talvez seja isso que toda ópera faz de qualquer maneira, pegando o núcleo de uma história e aumentando sua intensidade por meio de linhas cortadas de texto e correntes musicais arrebatadoras. Para ter certeza, a ópera raramente retrata os eventos da maneira como aconteceram.

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Kaija Saariaho

Kaija Saariaho (b1952 em Helsinque) é uma das principais compositoras do planeta e uma das principais figuras criativas de sua geração em ambos os sexos; um artista verdadeiramente original com um estilo musical muito distinto e voz pessoal, desenvolvido e aprimorado ao longo de décadas. Os prêmios que ela recebeu ao longo dos anos são indicativos disso, incluindo o Kranichsteiner Prize (1986), o Nordic Council Music Prize (2000, para Lonh), o Grawemeyer (2003, por sua primeira ópera, Lamour de loin), o Nemmers Prize in Composition (2007), o Wihuri Sibelius Prize (2009) e o Léonie Sonning Music Prize (2011).

No entanto, ela também é uma pessoa muito reservada, com muito sobre sua biografia que é em grande parte desconhecido, até mesmo que ela nasceu Kaija Laakkonen: o nome marca de Saariaho é do seu primeiro marido. Ela estudou com Heininen na Sibelius Academy, com outros membros de uma geração milagrosa de compositores finlandeses, incluindo Esa-Pekka Salonen e Magnus Lindberg. Outros estudos seguiram com Brian Ferneyhough e Klaus Huber; influências igualmente formadoras foram Tristan Murail e Gérard Grisey, os principais expoentes da música espectral (música colocando o timbre e o som à frente de outras considerações composicionais), levando-a ao IRCAM e a 30 anos de residência em Paris, mais tarde com seu segundo marido, Jean-Baptiste Barrière. Embora ela tenha feito uma descoberta inicial com a orquestral Verblendungen (1984), foi com seu estonteante e encantador nonet-with-electronic Lichtbogen (‘Arches of Light’, 1986) que ela irrompeu no cenário mais amplo. Suas texturas etéreas e hipnóticas foram inspiradas na aurora boreal, e o uso da eletrônica provou ser profético para sua futura carreira. Mais importante ainda foi a combinação de delicadeza sonora e um aço interno – o que torna seus trabalhos sedutores para os ouvidos, mas robustos e atraentes como estruturas.

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Thea Musgrave

Uma vez questionada se tinha algum conselho para jovens compositores, Thea Musgrave respondeu: Don t, a menos que você realmente precise; então você vai fazer de qualquer maneira. ’Musgrave – o compositor, maestro, pianista e professor escocês que completa 90 anos este mês – seguiu seu próprio conselho. Há uma racionalidade clara em sua abordagem, na maneira como ela fala sobre sua música, na maneira como ela cumpre prazos e escreve partituras práticas e não complicadas que a tornam querida para comissários e músicos de orquestra.

Mas, abaixo do pragmatismo, a música de Musgrave é toda dramática. Seja em suas óperas penetrantes ou em suas obras instrumentais não narrativas, ela sempre foi fascinada pelo drama inato do comportamento humano: a dança psicológica da conversa, interação, confronto e apaziguamento. Ela é uma compositora que reconhece que a música reflete a vida, que a música pode moldar a maneira como vivemos, que a composição emocional e até física dos músicos é parte integrante do impacto de qualquer apresentação. Para simplificar, seu trabalho fala direta e compassivamente sobre todos nós. Existem verdades humanas básicas, diz ela, e são essas verdades que ela investiga em sua música.

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Roxanna Panufnik

Há um tipo diferente de revolução ocorrendo na música contemporânea de hoje e em seu cerne está Roxanna Panufnik.A sua não é uma revolução radical destinada a reformar completamente a velha ordem, à la Schoenberg ou Cage. Em vez disso, aqui está uma revolução silenciosa que utiliza o poder da música para unir pessoas de diferentes culturas, origens religiosas e convicções políticas: uma revolução que é mais John Lennon do que John Cage.

Nas próprias palavras de Panufnik: Eu Estou com a missão de gritar do alto a beleza da música de todas essas religiões diferentes. É sobre nos aproximar. Muitas vezes não pensamos sobre o que temos em comum, mas sim sobre nossa pequena fração de diferença um do outro.

A importância da função social e política da música, é claro, não foi perdida Pai de Roxanna. O conhecido, admirado e conceituado compositor polonês Sir Andrzej Panufnik (1914-91) foi forçado a escapar do clima opressor do pós-guerra em seu país natal em 1954. Ele chegou a Londres e cerca de nove anos depois se casou com o escritor e fotógrafo Camilla Jessel. Roxanna nasceu em 1968.

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