Czym jest sztuka nieobiektywna – definicja i przykłady
Czy istnieje związek między rozpadem atomowym a sztuką nieobiektywną? A co z Ernestem Rutherfordem i Wassilym Kandinskim? Na początku XX wieku odkrycia fizyki szybko zmieniły sposób, w jaki postrzegamy świat, posuwając się nawet do pokazania nam, że nawet najmniejsza jednostka składowa zwykłej materii może zostać dalej rozbita na jeszcze mniejsze cząstki. Ernest Rutherford, dziś uważany za ojca fizyki jądrowej, opublikował Teorię rozpadu atomowego w 1902 roku wraz z J.J. Thomson. W książce objaśnili radykalnie nowy pomysł, że atomy substancji radioaktywnych mogą zostać rozbite. Mniej więcej w tym samym czasie Wassily Kandinsky zdecydował się opuścić Monachium, gdzie studiował, i podróżować po Europie, aby zobaczyć, co, jego zdaniem, sztuka zachodnia „osiągnęła do tej pory”. Wywołał tę podróż łagodny odbiór jego prac na wystawie berlińskiej secesji i Salonie dAutomne w Paryżu w 1904 roku. Podejrzliwe wobec teorii, które w dziełach sztuki odnajdują prawdę o otaczającej nas rzeczywistości i znają teorie rozpadu atom, Kandinsky zaczął kwestionować prawdziwość rzeczywistości, która wkrótce doprowadziła go do zdefiniowania nowej linii myślenia o sztuce, która dotyczyła nie tego, co rzeczywiste, cokolwiek to może być, ale metafizyki.
Duchowa sztuka Kandinskyego
Ta zmiana w myśleniu o sztuce od przedstawiania rzeczywistości do reprezentacji „ Stimmung lub esencjonalnego ducha natury, który wpłynie i zainspiruje wielu artystów o nieobiektywnej proweniencji artystycznej, opracowany przez Kandinskyego w jego tekście Concerning the Spiritual in Art. Jak pisze w wielkiej sztuce:
„Widz odczuwa w sobie odpowiedni dreszczyk emocji. Taka harmonia, a nawet kontrast emocji nie może być powierzchowna ani bezwartościowa; w istocie Stimmung obrazu może pogłębić i oczyścić to Takie dzieła sztuki przynajmniej chronią duszę przed szorstkością, „podkręcają ją”, by tak rzec, do pewnej wysokości, jak strojenie struny instrumentu muzycznego ”.
Zobacz więcej prac Wassilyego Kandinskyego na naszym rynku!
Jest oczywiste, że Kandinsky widział w sztuce narzędzie, które pomaga nam dostroić się do wyższych, metafizycznych i duchowych sfer, które rozpuszczają surowość rzeczywistości, ale także materialistyczna, pozytywistyczna myśl XIX wieku. Jego przejście do abstrakcji nie było jednak nagłe, ale następowało stopniowo na przestrzeni lat, a jego pierwszym nieobiektywnym dziełem sztuki była akwarela z 1910 r. Stawiając duchowość ponad materiałem, Kandinsky później zainspirował artystów do poszukiwania czystej, artystycznej ekspresji. oderwana forma rzeczywistości w formach geometrycznych i kolorach, które definiują sztukę nieobiektywną.
Helen Mirren o Wassily Kandinsky
Nieobiektywna definicja sztuki – abstrakcja i brak reprezentacji
Sztuka nieobiektywna to ogólny termin, który definiuje abstrakcyjne formy sztuki, które nie są zgodne z możliwymi do zidentyfikowania, policzalnymi i obserwowalnymi cechami świata żywego. Często kojarzy się z dwiema przełomowymi postaciami sztuki rosyjskiej Aleksandrem Rodczenką i jego rodakiem Kasimirem Malewiczem, którzy byli pionierami sztuki abstrakcyjnej opartej na formach geometrycznych i liniowości, nazywanej też abstrakcją geometryczną. Termin sztuka nieobiektywna został po raz pierwszy użyty przez Rodczenkę, kiedy nadał nazwy niektórym swoim obrazom, a później został przyjęty przez innych artystów, takich jak Malewicz. Ten ostatni napisał także książkę pod tytułem The Non-Objective World: The Manifesto of Suprematism, która została opublikowana w 1926 roku. Definicja sztuki nieobiektywnej obraca się wokół abstrakcyjnych wyrażeń, ale mówiąc prościej można powiedzieć, że nieobiektywne sztuka oznacza dzieła sztuki, które tworzą nowy świat złożony z elementów, które na ogół nic nie znaczą – takich jak kwadrat, linia lub kicz koloru. Suprematyzm, konstruktywizm i De Stijl, którego najsłynniejszym przedstawicielem jest Piet Mondrian, należą do grupy nieobiektywnych stylów artystycznych, które mają pewne wzajemne różnice. Podczas gdy wszystkie były zakorzenione w próbie zmiany świata i stworzenia nowej sztuki, która byłaby funkcjonalna i normatywna, suprematyzm był zakorzeniony w przedrewolucyjnym anarchizmie w Rosji, konstruktywizm kładł nacisk na estetykę technologiczną i futurystyczną, podczas gdy De Stijl trzymał się jasno zdefiniowanej i nakreślonej samolot.
Czarno-biała, nieobiektywna sztuka Malewicza
Malewicz był jednym z pierwszych malarzy, którzy próbowali osiągnąć ideał obrazu absolutnego to jest usunięte z wszelkich aluzji i obiektywnych odniesień. Być może najbardziej radykalny z nieobiektywnych artystów i teoretyków, w swoich pismach podkreślał, że sztuka i uczucia, jakie może wywołać, są ważniejsze niż koncepcje polityczne i wierzenia religijne. W 1913 roku ustanowił suprematyzm i od tego momentu jego estetyka uległa zmianie. Jednym z dzieł, które naznaczyłyby suprematyzm, jest jego Czarny kwadrat na białym tle z 1913 roku. Obraz miał przywoływać „doświadczenie czystej nieobiektywności w białej pustce wyzwolonego niczego”. Jest to pierwszy z serii tak zwanych „ostatnich obrazów”, w których starał się dojść do końca przedstawienia, które w konsekwencji doprowadziłoby do śmierci obrazu. Jak stwierdził, po prostu „poczuł w sobie noc i wyczuł nową rzecz, którą nazywam suprematyzmem ”. Kulminacją jego poszukiwań ostatecznej bezobiektywności był Biały kwadrat na białym tle z 1917 roku. Tym obrazem dotarł do granicy nicości:
„Przemieniłem się w zera formy i wyłoniłem się od niczego do kreacji, czyli do suprematyzmu, do nowego realizmu w malarstwie – do kreacji nieobiektywnej. ”
Sztuka nieobiektywna dzisiaj
Choć dziś mówienie o sztuce nieobiektywnej może wydawać się anachronizmem, to termin ten był używany do określenia sztuki w określonym kontekście historycznym, elementy formalne tej sztuki pozostają częścią artystycznych poszukiwań nawet dzisiaj. Chociaż kontekst, który zapoczątkował pojawienie się sztuki nieobiektywnej, zmienił się dramatycznie na przestrzeni dziesięcioleci, dziś widzimy zastosowanie tego samego geometrycznego formy i abstrakcyjne elementy w dziełach sztuki na całym świecie. Abstrakcja weszła w artystyczny dekor nowoczesności i dziś wpisuje się w postmodernistyczną wielość i swobodną grę stylów i form artystycznych. Christian Rosa, Ben Berlow, Anish Kapoor, Kika Karadi i Molly Zuckerman Hartung to tylko niektóre nazwiska artystów tworzących dziś sztukę abstrakcyjną i nieobiektywną. Ich prace zostały przeanalizowane i porównane z historycznymi poprzednikami, ale nadają też nowy, współczesny charakter temu stylowi artystycznemu. Duchowość, poszukiwanie głębszych znaczeń i emocjonalne zaangażowanie wydaje się dziś bardziej widoczne niż kiedykolwiek, a sztuka z pewnością podąża za tymi trendami. Nie tylko to, że sztuka nieobiektywna żyje i działa dzisiaj, ale trudno wyobrazić sobie sztukę współczesną bez niej.
Ta pionierska praca w ruchu na rzecz uwolnienia sztuki od jej tradycyjnych więzi z rzeczywistością materialną jest jednym z najważniejszych dokumentów w Historia sztuki. Napisana przez słynnego nieobiektywnego malarza Wassilyego Kandinskyego (1866–1944), wyjaśnia własną teorię malarstwa Kandinskyego i krystalizuje idee, które miały wpływ na wielu innych artystów tamtych czasów. Oprócz jego własnej, przełomowej sztuki, książka ta wywarła ogromny wpływ o rozwoju sztuki. Idee Kandinskyego przedstawione są w dwóch częściach. Pierwsza część, zatytułowana „O estetyce ogólnej”, nawołuje do duchowej rewolucji w malarstwie i ekspresji w abstrakcyjnych, niematerialnych kategoriach. W drugiej części, „O malarstwie”, Kandinsky omawia psychologię kolorów, język formy i koloru oraz obowiązki artysty.
Wyróżnione obrazy: Malarstwo Kazimierza Malewicza, zdjęcie za pośrednictwem 100 architektów. com; Wassily Kandinsky – Kompozycja VII, 1913. Dzięki uprzejmości Państwowej Galerii Trietiakowskiej w Moskwie, Aleksander Rodczenko – Konstrukcja nr 95. Zdjęcie za pośrednictwem magazineclick.com. Wszystkie obrazy służą wyłącznie do celów ilustracyjnych.