Renaissance-muziek

Een van de meest uitgesproken kenmerken van de Europese kunstmuziek uit de vroege Renaissance was de toenemende afhankelijkheid van het interval van de derde en zijn inversie, de zesde (in de Middeleeuwen hadden tertsen en zesde beschouwd als dissonanten, en alleen perfecte intervallen werden behandeld als consonanties: de reine kwart de reine kwint, het octaaf en de unisono). Polyfonie – het gebruik van meerdere, onafhankelijke melodielijnen, gelijktijdig uitgevoerd – werd gedurende de 14e eeuw steeds uitgebreider, met zeer onafhankelijke stemmen (zowel in vocale muziek als in instrumentale muziek). Het begin van de 15e eeuw vertoonde een vereenvoudiging, waarbij de componisten vaak streefden naar gladheid in de melodische partijen. Dit was mogelijk vanwege een sterk vergroot vocaal bereik in de muziek – in de middeleeuwen maakte het smalle bereik het noodzakelijk dat delen vaak moesten worden gekruist, waardoor een groter contrast daartussen nodig was om de verschillende delen te onderscheiden. De modale (in tegenstelling tot tonale, ook bekend als muzikale sleutel, een benadering ontwikkeld in het daaropvolgende barokmuziektijdperk, ca. 1600-1750) kenmerken van renaissancemuziek begonnen af te breken tegen het einde van de periode met het toegenomen gebruik van wortelbewegingen van kwinten of kwarten (zie de “kwintencirkel” voor details). Een voorbeeld van een akkoordprogressie waarbij de akkoordwortels met het interval van een kwart worden verplaatst, is de akkoordprogressie, in de toonsoort C majeur: D mineur / G majeur / C majeur (dit zijn allemaal drieklanken; drie noten akkoorden). De beweging van het D mineur akkoord naar het G majeur akkoord is een interval van een reine kwart. De beweging van het G majeur akkoord naar het C majeur akkoord is ook een interval van een reine kwart. Dit ontwikkelde zich later tot een van de bepalende kenmerken van tonaliteit tijdens de barokperiode.

De belangrijkste kenmerken van renaissancemuziek zijn:

• Muziek gebaseerd op modi.
• Rijkere textuur, met vier of meer onafhankelijke melodiepartijen die tegelijkertijd worden uitgevoerd. Deze met elkaar verweven melodische lijnen, een stijl die polyfonie wordt genoemd, is een van de bepalende kenmerken van renaissancemuziek.
• Melodische lijnen mengen in plaats van contrasterende melodische lijnen in de muzikale textuur.
• Harmonie die plaatste een grotere zorg over de vloeiende stroom van de muziek en de progressie van akkoorden.

De ontwikkeling van polyfonie veroorzaakte de opmerkelijke veranderingen in muziekinstrumenten die de Renaissance vanaf de Middeleeuwen muzikaal markeren. Het gebruik ervan moedigde het gebruik van grotere ensembles aan en vereiste sets van instrumenten die over het hele vocale bereik zouden samensmelten.

BackgroundEdit

Net als in de andere kunsten was de muziek van die tijd aanzienlijk beïnvloed door de ontwikkelingen die de vroegmoderne periode bepalen: de opkomst van het humanistische denken; het herstel van het literaire en artistieke erfgoed van het oude Griekenland en het oude Rome; meer innovatie en ontdekking; de groei van commerciële ondernemingen; de opkomst van een burgerlijke klasse; en de protestantse reformatie. Uit deze veranderende samenleving kwam een gemeenschappelijke, verenigende muzikale taal voort, in het bijzonder de polyfone stijl van de Frans-Vlaamse school.

De uitvinding van de drukpers in 1439 maakte het goedkoper en gemakkelijker om muziek en muziek te verspreiden. theorieteksten op een grotere geografische schaal en voor meer mensen. Vóór de uitvinding van de drukkerij moesten geschreven muziek en muziektheoretische teksten met de hand worden gekopieerd, een tijdrovend en duur proces. De vraag naar muziek als amusement en als vrijetijdsbesteding voor geschoolde amateurs nam toe met de opkomst van een burgerlijke klasse. De verspreiding van chansons, motetten en missen in heel Europa viel samen met de eenmaking van de polyfone praktijk in de vloeiende stijl die in de tweede helft van de zestiende eeuw culmineerde in het werk van componisten als Giovanni Pierluigi da Palestrina, Orlande de Lassus, Thomas Tallis, William Byrd en Tomás Luis de Victoria. Relatieve politieke stabiliteit en welvaart in de Lage Landen, samen met een bloeiend systeem van muziekonderwijs in de vele kerken en kathedralen van het gebied, maakten de opleiding mogelijk van een groot aantal zangers, instrumentalisten en componisten. Deze musici waren zeer gewild in heel Europa, met name in Italië, waar kerken en aristocratische hoven hen inhuurden als componisten, uitvoerders en leraren. Aangezien de drukpers het gemakkelijker maakte om gedrukte muziek te verspreiden, had Italië tegen het einde van de 16e eeuw de noordelijke muzikale invloeden geabsorbeerd met Venetië, Rome, en andere steden die centra van muzikale activiteit werden. Dit keerde de situatie om van honderd jaar eerder. Opera, een dramatisch geënsceneerd genre waarin zangers worden begeleid door instrumenten, ontstond op dit moment in Florence. Opera werd ontwikkeld als een doelbewuste poging om de muziek uit het oude Griekenland.

GenresEdit

Belangrijkste liturgische (kerkelijke) muzikale vormen die gedurende de Renaissance in gebruik bleven, waren missen en motetten, met enkele andere ontwikkelingen tegen het einde van het tijdperk, vooral als componisten van religieuze muziek begonnen seculiere (niet-religieuze) muzikale vormen aan te nemen (zoals het madrigaal) voor religieus gebruik. De missen uit de 15e en 16e eeuw hadden twee soorten bronnen die werden gebruikt, monofoon (een enkele melodielijn) en polyfoon (meerdere, onafhankelijke melodielijnen), met twee hoofdvormen van uitwerking, gebaseerd op cantus firmusoefening of, die enige tijd rond 1500, de nieuwe stijl van “doordringende imitatie”, waarin componisten muziek zouden schrijven waarin de verschillende stemmen of partijen de melodische en / of ritmische motieven zouden imiteren die door andere stemmen of partijen werden uitgevoerd. Er werden vier hoofdtypen massas gebruikt:

• Cantus firmus-massa (tenormassa)
• De cantus firmus / imitatiemassa
• De parafrasemassa
• De imitatiemassa (parodiemassa)

Massas werden gewoonlijk genoemd naar de bron waarvan ze leenden. Cantus firmus-massa gebruikt dezelfde monofone melodie, meestal ontleend aan gezangen en meestal in de tenor en meestal in langere nootwaarden dan de andere stemmen. Andere heilige genres waren de madrigale spirituale en de laude.

Gedurende de periode kende seculiere (niet-religieuze) muziek een toenemende verspreiding, met een grote verscheidenheid aan vormen, maar men moet voorzichtig zijn met het aannemen van een explosie. in verscheidenheid: sinds de boekdrukkunst muziek op grotere schaal beschikbaar heeft gemaakt, is er veel meer overgebleven uit dit tijdperk dan uit het voorafgaande middeleeuwse tijdperk, en waarschijnlijk is een rijke voorraad populaire muziek uit de late middeleeuwen verloren gegaan. Wereldlijke muziek was muziek die onafhankelijk was van kerken. De belangrijkste soorten waren de Duitse Lied, Italiaanse frottola, het Franse chanson, de Italiaanse madrigaal en de Spaanse villancico. Andere seculiere vocale genres waren de caccia, rondeau, virelai, bergerette, ballade, musique mesurée, canzonetta, villanella, villotta en het luitlied. Gemengde vormen zoals het motet-chanson en het seculiere motet kwamen ook voor.

Puur instrumentale muziek omvatte consortmuziek voor blokfluiten of violen en andere instrumenten, en dansen voor verschillende ensembles. Veel voorkomende instrumentale genres waren de toccata, prelude, ricercar en canzona. Dansen gespeeld door instrumentale ensembles (of soms gezongen) omvatten de basse danse (It. Bassadanza), tourdion, saltarello, pavane, galliard, allemande, courante, bransle, canarie, piva en lavolta. Muziek van vele genres kan worden gearrangeerd voor een solo-instrument zoals de luit, vihuela, harp of keyboard. Dergelijke arrangementen werden intabulaties genoemd (It. Intavolatura, Ger. Intabulierung).

Tegen het einde van de periode worden de vroege dramatische voorlopers van opera, zoals monody, de madrigaalkomedie en de intermedio, gehoord. / p>

Theorie en notatie Bewerken

Volgens Margaret Bent: “Renaissance-notatie is naar onze maatstaven ondermaats; wanneer ze in moderne vorm wordt vertaald, krijgt ze een prescriptief gewicht dat de originele openheid “. Renaissance-composities werden alleen in afzonderlijke delen genoteerd; partituren waren uiterst zeldzaam, en maatstrepen werden niet gebruikt. Nootwaarden waren over het algemeen groter dan tegenwoordig in gebruik zijn; de primaire maateenheid was de halve noot, of de hele noot. Zoals het geval was sinds de Ars Nova (zie Middeleeuwse muziek), kunnen er twee of drie hiervan zijn voor elke noot (een dubbele hele noot), die kan worden beschouwd als equivalent aan de moderne maat. het was zelf een nootwaarde en een maat niet. De situatie kan als volgt worden beschouwd: het is hetzelfde als de regel waarmee in moderne muziek een kwartnoot gelijk kan zijn aan twee achtste noten of drie, die als een triool zou worden geschreven. Volgens dezelfde berekening zouden er twee of drie van de volgende kleinste noot, de “minim” (equivalent aan de moderne “halve noot”) voor elke halve noot kunnen zijn.

Deze verschillende permutaties werden “perfect” genoemd. / imperfect tempus op het niveau van de relatie breve-semibreve, perfect / imperfect prolation op het niveau van de semibreve-minim, en bestonden in alle mogelijke combinaties met elkaar. Drie-tegen-een werd “perfect” genoemd en twee-tegen-een “onvolmaakt”. Er bestonden ook regels waarbij enkele noten in waarde konden worden gehalveerd of verdubbeld (respectievelijk “imperfected” of “gewijzigd”) wanneer ze werden voorafgegaan of gevolgd door andere bepaalde noten. Noten met zwarte nootkoppen (zoals kwartnoten) kwamen minder vaak voor. Deze ontwikkeling van de witte mensurale notatie kan het gevolg zijn van het toegenomen gebruik van papier (in plaats van perkament), aangezien het zwakkere papier minder goed bestand was tegen de krassen die nodig zijn om vaste nootkoppen op te vullen; de notatie van vorige keren, geschreven op perkament, was zwart geweest.Andere kleuren, en later ingevulde notities, werden ook routinematig gebruikt, voornamelijk om de bovengenoemde onvolkomenheden of wijzigingen af te dwingen en om andere tijdelijke ritmische veranderingen op te roepen.

Toevallige tekens (bijv. Toegevoegde scherpe punten, mollen en natuurlijke tonen die de noten veranderen) werden niet altijd gespecificeerd, ongeveer zoals in bepaalde vingerzettingsnotaties voor gitaarfamilie-instrumenten (tabulaturen) vandaag. Renaissance-muzikanten zouden echter zeer goed zijn opgeleid in het dyadische contrapunt en dus beschikten over deze en andere informatie die nodig was om een partituur correct te lezen, zelfs als de voortekens niet waren geschreven. Als zodanig wat de moderne notatie vereist zou dan volkomen duidelijk zijn geweest zonder notatie voor een zanger die bedreven is in contrapunt. ” (Zie musica ficta.) Een zanger interpreteerde zijn of haar rol door cadentiële formules te bedenken met andere delen in gedachten, en wanneer ze samen zongen, vermeden muzikanten parallelle octaven en parallel vijfde of veranderden hun cadentiële delen in het licht van beslissingen van andere muzikanten. Door middel van hedendaagse tabulaturen voor verschillende tokkelinstrumenten hebben we veel informatie verkregen over welke voortekens werden uitgevoerd door de oorspronkelijke beoefenaars.

Voor informatie over specifieke theoretici, zie Johannes Tinctoris, Franchinus Gaffurius, Heinrich Glarean, Pietro Aron , Nicola Vicentino, Tomás de Santa María, Gioseffo Zarlino, Vicente Lusitano, Vincenzo Galilei, Giovanni Artusi, Johannes Nucius en Pietro Cerone.