오늘 음악을 찾아야하는 10 명의 현대 작곡가

Jennifer Higdon

” Jennifer Higdon의 수많은 찬사와 업적은 어떤 기준으로도 인상적이지만 특히 현대 클래식 음악계에서 인상적입니다. 그녀는 퓰리처 상과 그래 미상을 수상했습니다. 그녀의 음악은 그녀가 의뢰로만 작곡 할 수있을 정도로 높은 수요를 자랑합니다. 챔피언에는 최고 수준의 솔로이스트, 앙상블 및 오케스트라가 포함됩니다. 최근 미국 오케스트라를 대상으로 한 설문 조사에 따르면 Higdon은 가장 많이 연주 된 미국 작곡가 중 한 명입니다.

“그러나 Higdon의 가장 눈에 띄는 업적은 그렇게 쉽게 맞지 않습니다. 그녀의 음악이 미국 클래식 음악 문화의 모든 계층에 얼마나 철저히 걸 렸는지에 대한 것입니다. 그녀의 공식 웹 사이트의 예정된 공연페이지를 살펴보면 그녀의 작품이 휴스턴 심포니와 필라델피아 오케스트라뿐만 아니라 전국의 시립, 커뮤니티 및 고등학교 앙상블에서도 연주되고 있음을 알 수 있습니다. 표면적으로는 단순한 공식 인 것처럼 보입니다. Higdon은 청중이 듣고 싶어하는 음악을 쓰고 음악가는 연주하는 것을 기쁘게 생각합니다. 하지만 정말 간단합니까? .. “

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Lera Auerbach

“다중 작업 습관, 다중 모드 인식 및 다중 감각 경험의 시대에 우리 모두는 이제 다중 수학이 될 것으로 예상됩니다. Vinnie Mirchandani가 The New Polymath (Wiley : 2010)의 서문에서 말했듯이 더 이상 한 사람이 아니라 여러 사람의 컬렉션이 될 수 없습니다.하지만 너무 많은 사람이 되려고 할 때 무엇을 잃게 될까요? 정체성, 깊이, 재능? 천재일까요?

“Lera Auerbach는 르네상스 시대의 작가와 사상가에 의해 정의되고 옹호 된 단어의 원래 의미에서 폴리 매쓰입니다. 그러나 그녀는 또한 그녀 시대의 예술가이기도합니다. 성공적인 작곡가이자 콘서트 피아니스트 인 그녀는 화가, 조각가, 문학가이자 여러시와 산문의 저자이지만 Auerbach에게 이러한 음악 외 활동은 dilettantism의 연습이 아닙니다. 모든 예술 형식은 상호 연결되고 서로 영양을주고 유지하도록 설계되었습니다. .. “

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Sally Beamish

“어떤면에서 음악은 Sally Beamish의 모국어였습니다. 바이올리니스트 인 그녀의 어머니는 4 살 때 그녀에게 음표를 읽고 쓰는 법을 가르쳤습니다. 악기를 연주하기 전에 읽기도하기 전에 그녀는 원고에 작은 꽃이나 얼굴을 그리고 그녀의 엄마는 그래픽 표기법이 어떻게 들리는 지 해석 할 것입니다. 내 물건을 만들 려고요.”라고 그녀는 말합니다. 나는 내 옷을 만들고, 이야기를 쓰고, 그림을 그렸다…그녀가 5 살 때 피아노를 배우기 시작했을 때 작은 연습장을 만들었습니다.

“오늘날 Beamish는 영국에서 가장 바쁘고 가장 따뜻한 곳 중 하나입니다. 존경받는 작곡가, 대규모 발레, 오라토리오에서 실내악, 연극, 솔로 작품에 이르기까지 다양한 악보에 대한 커미션이 두껍고 빠르게 진행됩니다. 60 세에 그녀는 이미 200 곡 이상의 카탈로그를 보유하고 있으며 그 수가 빠르게 증가하고 있습니다. 올해 그녀는 여러 프로젝트 중에서도 3 개의 피아노 협주곡을 작곡했습니다. 많은 청취자들에게 Beamish의 음악의 큰 매력은 부드러움과 강철 사이에서 발견되는 공간입니다. 그녀는 민속적인 서정, 정서적 칸 두르, 자연 세계에 대한 감각을 혼합 한 기술입니다. 그리고 리듬과 실물 경제, 직접성, 빛나는 오케스트레이션, 공예의 엄격함을 더한 추진력있는 방식. 그녀는 자신이 원하는 말을 정확히 알고있는 것처럼 보이는 작곡가이며, 가장 동정적이고 가장 까다로운 표현 방식을 찾습니다 .. . “

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Augusta Read Thomas

“지난 25 년 동안 미국 클래식 음악은 이전에 흔들 렸던 모더니즘 적 사고에 대한 반응으로 전면에 등장한 미니멀리즘 미학에 의해 지배되었습니다. 현재는 주류 작곡가에 대한 영향 측면에서 가상 언어 프랑카를 나타냅니다. 그러나 다른 사람들은 모더니즘의 측면이 자유롭게 진화하는 색조와 연결되어 탐험을위한 새로운 가능성이 열렸던 시대를 되돌아 보았습니다 (분노가 아니라 향수에서 덜함). 오거스타 리드 토마스가 주요 지수 중 하나 인 최근에야 이러한 접근 방식이 다시 유명해졌습니다.

“1964 년 4 월 롱 아일랜드 글렌 코브에서 태어난 토마스는 예일 대학교에서 공부하고 나중에 왕립 아카데미에서 공부했습니다. 런던과 시카고 노스 웨스턴 대학의 음악 영향에 대해 이야기하는 것은 종종 불필요하게 주관적이지만이 기간 동안 그녀와 접촉 한 두 명의 작곡가는 가장 직접적이고 긍정적 인 의미로 그녀의 음악에 흔적을 남겼습니다.Jacob Druckman (1928-96)에서 그녀는 외부 드레싱이 아닌 형식적이고 표현적인 구성 요소로서 악기 색상의 가치를 흡수했으며 Donald Erb (1927-2008)에서는 누구에게도 뒤지지 않는 오케 스트레이터의 예를 보았습니다. 그의 세대의 미국 작곡가들 사이의 존경. 이것이 토마스의 음악에 처음부터 준 것은 개념의 명확성과 제스처의 정확성 (가장 짧은 악기 미니어처이든 대규모 오케스트라 작품이든 상관없이)이었는데, 이는 종종 그녀의 복잡한 질감과 무지개 빛깔의 하모니의 초점 역할을합니다. 그녀의 작품이 복잡성과 불협화음의 정도에 관계없이 즉각적이고 의사 소통성을 발산하도록합니다 … “

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진운숙

“더 호기심이 많고 호기심이 많습니다. 진은숙의 음악을 들으면 마치 앨리스 원더 랜드에서 모험을 즐기는 기분이 될 수있다. 우리는 간단하고 매력적인 음악적 아이디어로 친숙한 영역에서 시작하지만 점차 복잡하고 불안정한 질감으로 짜여집니다. 곧 우리는 토끼 굴 아래로 내려 갔고, 그것이 보이는 것과 완전히 다릅니다. 미묘한 하모니의 변화가 완전히 새로운 빛을 발할 때까지 음악은 안정적으로 보입니다. 관점이 바뀌고 모티프와 멜로디가 뒤틀리고 왜곡됩니다. 단순함은 복잡한 복잡성으로 이어집니다. 그런 다음 모든 것이 멈추고 종종 타악기의 쿵 소리와 함께 우리는 기괴한 사건의 전환을 생각하게됩니다. 모두 꿈 이었나요?

“진은숙은 어린 시절부터 이상한 나라의 앨리스에 매료되어 그녀의 음악, 특히 2007 년 앨리스 오페라에서 많은 영감을 얻었습니다.하지만 그녀의 이야기는 독특합니다. . 오페라는 음모와 경이로움의 순간들로 가득 차 있지만, 이것은 이야기의 잔인한 부조리에 대한 극명한 표현과 대조를 이룹니다. 환상적이면서도 항상 명쾌한 친의 전형적인 관념입니다. 그녀의 음악은 내재 된 역설을 정기적으로 강조합니다. 그녀는 이성의 목소리이며 초현실적 인 질서를 가져옵니다. 무엇보다도 그녀는 명확성을 제공하지만 음악이 복잡해지면 모든 음표를들을 수 있고 모든 동기는 분명합니다 … ”

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Anna Thorvaldsdóttir

통보의 다섯 줄을 통해 그녀의 작품을 전통적으로 기록하기 전에 Anna Thorvaldsdóttir는 문자 그대로 미디엄. 이 과정에서 생성되는 깨끗한 연필 삽화는 볼거리입니다. 그 중 하나는 그녀의 음악과 그녀의 음악만을 담은 첫 번째 앨범 인 Rhízoma의 표지와 책자 안에 더 완전한 버전으로 재현되어 있습니다.

그림은 일관성이 있지만 대위법에서 거의 수평 인 두 선의 울퉁불퉁 한 수평선. 그 아래 여러 뿌리가 하나의 두꺼운 줄기를 향해 모여 네 가지로 갈라져 끝점에서 바깥쪽으로 닳습니다 (금지적인 화산 일 수 있으며 잡초가 많은 순무 일 수 있음). 텍스트 형식의 생각은 세심한 블록 대문자에 흩어져 있습니다. In constant development/ Bell like/ 이 작품의 길이는 약 12 ~ 14 분이 될 것으로 예상합니다.

Speaking at 1 월에 코펜하겐에서 열린 질의 응답 세션에서 Thorvaldsdóttir는 이러한 그림을 작곡 보조 도구로 사용한다고 설명했습니다. 그러나 그들은 나머지 우리에게 중요한 구조적 단서를 포함합니다. Streaming Arhythmia (2007)의 이미지 인이 특정 그림의 경우 지하 뿌리 또는 근경의 생물학이 음악 발전에 어떻게 영향을 미쳤는지 추적 할 수 있습니다. 이 스케치는 또한 Thorvaldsdóttir의 아이슬란드 풍경과 기묘하게 닮았습니다. 검은 바위, 어두운 이끼, 뚜렷하게 윤곽이 잡힌 화산 봉우리, 나무가 완전히 부족한 황량하고 대기가 높은 지형입니다.

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Olga Neuwirth

Olga Neuwirth의 음악 (b1968 )는 Monteverdi, Weill, Miles Davis 및 Klaus Nomi와 같이 다양한 기준점 사이를 자유롭게 이동하며 암시 적으로도 풍부합니다. 그녀는 Boulez에서 Beastie Boys에 대한 영향을 인용했습니다. 그러나 미학적 접근이 특히 그녀와 가까운 것처럼 보이는 예술가가 있다면, 그것은 전혀 뮤지션이 아닙니다. 그것은 Twin Peaks (1990-91; 2017), Lost와 같은 컬트 클래식의 독보적 인 감독 인 영화 제작자 David Lynch입니다. 하이웨이 (1997) 및 멀홀랜드 드라이브 (2001). 기괴한 병치, 초현실적 내러티브 왜곡, 모호한 의미의 생생한 이미지 : 그의 영화는 시간, 공간 및 감각의 표준 규칙이 표류하는 것처럼 보이는 꿈 같은 세계로 여행하면서 이상 할뿐만 아니라 때로는 설명 할 수없는 기괴하기도합니다. 음악은 영화보다 더 추상적 인 매체 일 수 있지만 Neuwirth의 작업은 그 능력이 놀랍도록 헤아릴 수 없다는 것을 증명합니다.그녀의 음악은 그 이상 함에도 불구하고 매혹적이고 도발적입니다.

린치 비교는 Neuwirth가 린치의 가장 이상한 영화라고 부르는 영화인 로스트 하이웨이를 오페라로 만들었을 때 자신을 자극 한 것입니다. 2002-03 년에 노벨상을 수상한 동포 Elfriede Jelinek과 공동으로. 오페라 적 치료를 받기 위해 더 대담한 영화 선택을 상상하기는 어렵지만 Neuwirth의 단편적이고 다차원적인 음악은 어떻게 든 원작의 친근한 정신처럼 보이는 무언가를 만듭니다. 영화와 오페라의 어느 시점에서 (설명 할 수없이 자동차 정비사로 변신하기 전) 주인공 Fred는 왜 비디오 카메라가 없는지 설명합니다. “나는 내 방식대로 기억하는 것을 좋아합니다.”라고 그는 말합니다. ‘내가 그들을 어떻게 기억했는지. 그럴 필요는 없습니다. 아마도 오페라는 영화를 새로운 형태로 비틀어 비슷한 접근 방식을 취했을 것입니다. 한 캐릭터에 대한 과잉 표현주의 성악 곡예, 다른 캐릭터에 대한 데드 팬 구어, 3 분의 으스스한 가성 보컬-유지하면서 줄거리와 누아르 저류를 향상시킵니다. 사실, 아마도 모든 오페라가 어쨌든 이야기의 핵심을 취하고 잘린 텍스트 줄과 휩쓸리는 음악의 흐름을 통해 그 강도를 높이는 것입니다. 확실히 오페라는 사건을 발생한 방식으로 묘사하는 경우는 거의 없습니다.

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Kaija Saariaho

Kaija Saariaho (헬싱키의 b1952)는 지구상에서 가장 뛰어난 여성 작곡가 중 한 명이며 성별을 불문하고 그녀의 세대를 대표하는 창조적 인물 중 한 명입니다. 매우 독특한 음악 스타일과 개인적인 목소리를 지닌 진정으로 독창적 인 아티스트로 수십 년에 걸쳐 개발되고 개선되었습니다. 그녀가 수년 동안받은상은 Kranichsteiner Prize (1986), Nordic Council Music Prize (2000, Lonh), Grawemeyer (2003, 그녀의 첫 오페라 인 L amour de loin), Nemmers 작곡 상 (2007), Wihuri Sibelius 상 (2009) 및 Léonie Sonning Music Prize (2011)를 수상했습니다.

그녀는 또한 그녀의 전기에 대해 많은 것을 가지고있는 매우 사적인 사람입니다. 카이야 락 코넨 (Kaija Laakkonen)으로 태어났다는 사실은 알 수 없습니다. Saariaho의 상표이름은 첫 남편의 이름입니다. 그녀는 Esa-Pekka Salonen과 Magnus Lindberg를 포함한 기적적인 핀란드 작곡가 세대의 다른 멤버들과 함께 Sibelius Academy에서 Heininen과 함께 공부했습니다. 추가 연구는 Brian Ferneyhough와 Klaus Huber와 함께 이어졌습니다. 똑같이 형성적인 영향은 스펙트럼 음악의 주요 지수 (음악을 다른 작곡 고려 사항보다 먼저 음색과 사운드를 배치하는 음악) 인 Tristan Murail과 Gérard Grisey가 그녀를 IRCAM으로 이끌고 파리에서 30 년 동안 거주 한 후 두 번째 남편 Jean-Baptiste와 함께합니다. Barrière. 그녀는 오케스트라 Verblendungen (1984)과 함께 초기 돌파구를 만들었지 만, 그녀의 눈 부시고 매혹적인 노넷과 전자 공학 Lichtbogen (‘Arches of Light’, 1986)이 더 넓은 장면에 등장했습니다. 미묘하고 최면에 가까운 질감은 오로라 보레 알리스에서 영감을 얻었으며 전자 제품의 사용은 그녀의 미래 경력에 대한 예언적임이 입증되었습니다. 더 중요한 것은 음향의 섬세함과 내부 강철의 조합이었습니다. 그녀의 작품은 귀에 매력을 느끼면서도 구조로서 견고하고 강렬합니다.

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Thea Musgrave

젊은 작곡가들에게 조언이 있는지 물어 보자 Thea Musgrave는 다음과 같이 대답했습니다. 꼭 그래야하지 않는 한; 그러면 어차피 그렇게하실 겁니다.”스코틀랜드의 작곡가, 지휘자, 피아니스트, 이번 달 90 세가되는 교사 인 Musgrave는 자신의 조언에 따라 생활했습니다. 그녀의 접근 방식, 음악에 대해 말하는 방식, 마감 시간을 지키고 커미셔너와 오케스트라 뮤지션에게 사랑받는 실용적이고 까다 롭지 않은 악보를 쓰는 방식에는 명확한 합리성이 있습니다.

그러나 실용주의 아래에서 Musgrave의 음악은 드라마에 관한 것입니다. 그녀의 시선을 사로 잡는 오페라이든 비서 사적 기악 작품이든, 그녀는 대화, 상호 작용, 대결 및 달래기의 심리적 춤과 같은 인간 행동의 타고난 드라마에 오랫동안 매료되었습니다. 그녀는 음악이 삶을 반영하고 음악이 우리의 삶을 변화시킬 수 있으며 음악가의 감정적, 육체적 구성이 모든 공연의 영향에 필수적이라는 것을 인식하는 작곡가입니다. 간단히 말해서, 그녀의 작품은 우리 모두에 대해 직접적이고 연민 적으로 말합니다. 그녀는 기본적인 인간의 진실이 있습니다.그녀가 자신의 음악에서 탐구하는 것은 진실입니다.

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Roxanna Panufnik

오늘날 현대 음악에서 다른 종류의 혁명이 일어나고 있으며 그 중심에는 Roxanna Panufnik이 있습니다.그녀는 쇤베르크 나 케이지 같은 오래된 질서를 완전히 개편하기 위해 고안된 급진적 인 혁명이 아닙니다. 대신 음악의 힘을 활용하여 다양한 문화, 종교적 배경 및 정치적 설득을 가진 사람들을 통합하는 조용한 혁명이 있습니다.이 혁명은 John Cage보다 John Lennon에 더 가깝습니다.

Panufnik 자신의 말 : I 이 모든 종교의 음악의 아름다움을 옥상에서 외치는 임무를 맡고 있습니다. 우리를 하나로 모으는 것입니다. 너무나 자주 우리는 공통점을 생각하지 않고 서로의 작은 차이에 대해 생각합니다.

음악의 사회적, 정치적 기능의 중요성은 당연히 사라지지 않았습니다. Roxanna의 아버지. 유명한 폴란드 작곡가 Andrzej Panufnik 경 (1914-91)은 1954 년에 고국의 억압적인 전후 기후에서 벗어나야했습니다. 그는 런던에 도착했고 약 9 년 후 작가이자 사진 작가와 결혼했습니다. 카밀라 제셀. Roxanna는 1968 년에 태어났습니다.

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