르네상스 음악

초기 르네상스 유럽 예술 음악의 가장 두드러진 특징 중 하나는 세 번째와 그 반전 인 여섯 번째 (중세 시대에는 세 번째와 여섯 번째는 불협화음으로 간주되었으며, 완전한 음정 만이 자음으로 취급되었습니다 : 완전 4도 완전 5도, 옥타브 및 단일 음). 동시 연주되는 여러 개의 독립적 인 멜로디 라인을 사용하는 Polyphony는 14 세기에 걸쳐 매우 독립적 인 목소리 (성악과 기악 모두에서)로 점점 더 정교 해졌습니다. 15 세기 초에는 작곡가들이 멜로디 부분의 부드러움을 위해 종종 노력하면서 단순화를 보여주었습니다. 이것은 음악의 보컬 범위가 크게 증가했기 때문에 가능했습니다. 중세 시대에는 좁은 범위로 인해 파트를 자주 교차해야했기 때문에 서로 다른 파트를 구별하기 위해 더 큰 대비가 필요했습니다. 르네상스 음악의 모달 (음조와 반대, “음악 키”라고도 함)은 다음 바로크 음악 시대, c. 1600-1750 년에 개발 된 접근 방식입니다. 르네상스 음악의 특징은 사용이 증가함에 따라 시대가 끝날 무렵 무너지기 시작했습니다. (자세한 내용은 “5 분의 1 원”참조) 코드 근음이 4 분의 1 간격으로 이동하는 코드 진행의 예는 C 장조의 키에서 “D 단조 / G 장조 / C 장조”(모두 3 음표, 3 음 코드). D 마이너 코드에서 G 메이저 코드로의 이동은 완벽한 4도 간격입니다. G 메이저 코드에서 C 메이저 코드로의 이동도 완벽한 4 분의 1 간격입니다. 이것은 나중에 바로크 시대의 음조의 특징 중 하나로 발전했습니다.

르네상스 음악의 주요 특징은 다음과 같습니다.

• 모드 기반 음악
• 4 개 이상의 독립적 인 멜로디 파트가 동시에 연주되는 풍부한 질감. 이 얽힌 선율 선, 즉 폴리포니라는 스타일은 르네상스 음악의 특징 중 하나입니다.
• 음악적 질감에서 선율 선이 대조되는 것이 아니라 혼합됩니다.
• 배치 된 하모니 음악의 원활한 흐름과 화음의 진행에 대한 더 큰 관심.

다 성음의 발달은 음악적으로 중세부터 르네상스를 상징하는 악기의 눈에 띄는 변화를 가져 왔습니다. 그것의 사용은 더 큰 앙상블의 사용을 장려하고 전체 보컬 범위에 걸쳐 조화를 이루는 악기 세트를 요구했습니다.

BackgroundEdit

다른 예술과 마찬가지로 그 시대의 음악은 다음과 같습니다. 근세 초기를 정의하는 발전에 크게 영향을 받았다 : 인본주의 적 사고의 부상; 고대 그리스와 고대 로마의 문학적, 예술적 유산의 회복; 혁신 및 발견 증가; 상업 기업의 성장; 부르주아 계급의 부상; 그리고 개신교 개혁. 이러한 변화하는 사회에서 공통적이고 통일 된 음악 언어, 특히 프랑코-플랑 드족 학교의 폴리 포닉 스타일이 등장했습니다.

1439 년 인쇄기의 발명으로 음악과 음악을 더 저렴하고 쉽게 배포 할 수 있습니다. 더 넓은 지리적 규모와 더 많은 사람들에게 이론 텍스트. 인쇄가 발명되기 전에는 작곡 된 음악 및 음악 이론 텍스트를 수작업으로 복사해야했으며 시간과 비용이 많이 들었습니다. 부르주아 계급의 출현으로 음악에 대한 엔터테인먼트 및 교육받은 아마추어를위한 여가 활동에 대한 수요가 증가했습니다. 유럽 전역에 샹송, 모테트 및 대중의 보급은 16 세기 후반에 Giovanni Pierluigi da Palestrina, Orlande de Lassus, Thomas Tallis, 윌리엄 버드와 토마스 루이스 드 빅토리아. 낮은 국가의 상대적인 정치적 안정과 번영과 함께이 지역의 많은 교회와 성당에서 번성하는 음악 교육 시스템은 수많은 가수, 악기 연주자 및 작곡가의 훈련을 허용했습니다. 이러한 음악가는 특히 유럽 전역에서 높은 인기를 얻었습니다. 이탈리아에서는 교회와 귀족 법원이 이들을 작곡가, 연주자, 교사로 고용했습니다. 인쇄기 덕분에 인쇄 된 음악을 쉽게 전파 할 수 있었기 때문에 16 세기 말 이탈리아는 베니스, 로마, 그리고 다른 도시들이 음악 활동의 중심지가되었습니다. 이것은 100 년 전의 상황을 역전 시켰습니다. 가수가 악기를 동반하는 드라마틱 한 무대 장르 인 오페라가이시기에 피렌체에서 생겨났습니다. 오페라는 음악을 되살리려는 의도적 인 시도로 개발되었습니다. 고대 그리스의 음악.

GenresEdit

르네상스 시대 내내 사용 된 주요 전례 (교회 기반) 음악 형식은 대중과 모테트였으며, 특히 시대가 끝날 무렵 다른 발전이있었습니다. 신성한 음악의 작곡가들은 종교적 사용을 위해 세속적 (비 종교적) 음악 형식 (마드리갈과 같은)을 채택하기 시작했습니다. 15 세기와 16 세기 미사는 단성 (단일 멜로디 선)과 다성 (다중, 독립 선율 선)의 두 종류의 소스를 사용했으며, 두 가지 주요 형태의 정교화는 칸 투스 펌 무스 (cantus firmus) 연습을 기반으로합니다. 1500, 새로운 스타일의 “퍼베이시브 모방”으로 작곡가가 다른 목소리 나 파트가 연주하는 멜로디 및 / 또는 리드미컬 한 모티프를 모방하는 음악을 작곡합니다. 네 가지 주요 유형의 질량이 사용되었습니다.

• Cantus firmus mass (테너 질량)
• cantus firmus / imitation mass
• The paraphrase mass
• 모조 매스 (패러디 매스)

매스는 일반적으로 차용 출처에 따라 제목이 지정되었습니다. Cantus firmus mass는 일반적으로 성가에서 그리고 일반적으로 테너에서 그리고 가장 자주 다른 음색보다 긴 음표 값으로 나오는 동일한 모노 포닉 멜로디를 사용합니다. 다른 신성한 장르로는 madrigale spirite와 laude가 있습니다.

이 기간 동안 세속 (비 종교) 음악은 다양한 형태로 배포가 증가했지만 폭발 가능성에 대해 신중해야합니다. 다양성 : 인쇄가 음악을 더 널리 사용할 수있게했기 때문에 이전 중세 시대보다이 시대에서 훨씬 더 많은 것이 살아남 았으며 아마도 중세 후기의 풍부한 대중 음악 저장소가 사라졌습니다. 세속 음악은 교회와 무관 한 음악이었습니다. 주요 유형은 German Lied, Italian frottola, French chanson, Italian madrigal 및 Spanish villancico였습니다. 다른 세속적 보컬 장르로는 caccia, rondeau, virelai, bergerette, ballade, musique mesurée, canzonetta, villanella, villotta 및 lute 노래가 있습니다. motet-chanson 및 secular motet과 같은 혼합 형식도 등장했습니다.

순수한 악기 음악에는 녹음기 또는 비올 및 기타 악기의 배우자 음악과 다양한 앙상블의 춤이 포함되었습니다. 일반적인 악기 장르는 toccata, prelude, ricercar 및 canzona였습니다. 기악 앙상블 (또는 때때로 노래)이 연주하는 춤에는베이스 단스 (It. bassadanza), 투르 디온, 살타 렐로, 파 베네, 갈 리아드, 알레 망드, 쿠란 테, 브랜 슬, 카나리, 피바, 라 볼타가 포함됩니다. 류트, 비후 엘라, 하프 또는 키보드와 같은 솔로 악기를 위해 다양한 장르의 음악을 편곡 할 수 있습니다. 이러한 편곡을 intabulations (It. intavolatura, Ger. Intabulierung)라고 불렀습니다.

기간이 끝날 무렵, 모노디, 마드리갈 코미디, 인터 메디 오와 같은 오페라의 초기 극적인 선구자들이 들립니다.

이론 및 표기법 편집

Margaret Bent에 따르면 : “르네상스 표기법은 우리의 기준에 따라 덜 규정되어 있습니다. 현대적인 형태로 번역 될 때 규정적인 가중치를 얻습니다. 원래 개방성 “. 르네상스 작곡은 개별 부분에서만 표기되었습니다. 점수는 극히 드물었 고 바라 인은 사용되지 않았습니다. 노트 값은 일반적으로 오늘날 사용되는 것보다 큽니다. 비트의 기본 단위는 반 브레 브 또는 전체 음표였습니다. Ars Nova (중세 음악 참조) 이후로 그랬듯이, 각 breve (이중 전체 음표)에 대해 이들 중 2 개 또는 3 개가있을 수 있으며, 이는 현대 “측정 값”과 동일하게 보일 수 있습니다. 그것은 그 자체가 음표 값이고 측정 값은 아닙니다. 상황은 이런 식으로 고려할 수 있습니다. 이것은 현대 음악에서 4 분 음표가 2 개의 8 분 음표 또는 3 분 음표와 같을 수있는 규칙과 동일합니다. 같은 계산으로, 다음으로 가장 작은 음표 인 “최소”(현대 “반음”에 해당)가 각 반 음절에 2 ~ 3 개있을 수 있습니다.

이러한 다른 순열을 “완벽한 / 불완전한 tempus “는 breve-semibreve 관계 수준에서,”완벽 / 불완전 prolation “은 semibreve-minim 수준에서 서로 가능한 모든 조합으로 존재했습니다. 3 대 1은 “완벽”, 2 대 1은 “불완전”이라고 불렀습니다. 하나의 음표가 다른 특정 음표의 앞이나 뒤에 올 때 하나의 음표 값이 절반 또는 두 배 (각각 “불완전”또는 “변경”) 될 수있는 규칙도 존재했습니다. 검은 색 메모 헤드 (예 : 4 분 음표)가있는 메모는 덜 자주 발생했습니다. 이러한 백인 월경 표기법의 발전은 종이 사용이 증가한 결과 일 수 있습니다 (모피 지보다는). 약한 종이는 단단한 노트 헤드를 채우는 데 필요한 스크래치를 견딜 수 없었기 때문입니다. 양피지에 쓰여진 이전의 표기법은 검은 색이었습니다.다른 색상과 나중에 채워진 음표는 주로 앞서 언급 한 결함이나 변경 사항을 적용하고 기타 일시적인 리드미컬 한 변화를 요구하기 위해 일상적으로 사용되었습니다.

사고 (예 : 샤프, 플랫 및 내추럴 추가) 음표를 변경하는 것)은 오늘날 기타 계열 악기 (타 블러 처)의 특정 운지법 에서처럼 항상 지정되지 않았습니다. 그러나 르네상스 시대의 음악가들은 우연한 내용이 적혀 있지 않더라도 악보를 정확하게 읽는 데 필요한이 정보와 기타 정보를 가지고 있었을 것입니다. 따라서 “현대 표기법에 필요한 것은 대위법에 정통한 가수의 기보. ” (뮤지 카 ficta 참조) 가수는 다른 부분을 염두에두고 케이 덴셜 공식을 구상하여 자신의 부분을 해석하고 함께 노래 할 때 음악가는 평행 옥타브와 평행 5도를 피하거나 다른 음악가의 결정에 비추어 케이 덴셜 부분을 변경합니다. 다양한 뽑아 낸 악기에 대한 현대 태 블러 처를 통해 원래 수련생이 어떤 우연히 연주했는지에 대한 많은 정보를 얻었습니다.

특정 이론가에 대한 정보는 Johannes Tinctoris, Franchinus Gaffurius, Heinrich Glarean, Pietro Aron을 참조하십시오. , Nicola Vicentino, Tomás de Santa María, Gioseffo Zarlino, Vicente Lusitano, Vincenzo Galilei, Giovanni Artusi, Johannes Nucius 및 Pietro Cerone.