ルネサンス音楽

初期のルネサンスヨーロッパの芸術音楽の最も顕著な特徴の1つは、3度とその反転の間隔への依存の高まりでした。6度（中世では、3度と6度は不協和音と見なされ、完全四度、完全五度、オクターブ、ユニゾンの完全四度のみが子音韻として扱われました。ポリフォニー（複数の独立したメロディーラインを同時に演奏する）は、14世紀を通じて、非常に独立した声（声楽と器楽の両方）でますます精巧になりました。 15世紀の初めには単純化が見られ、作曲家はしばしば旋律の部分の滑らかさを追求していました。これは、音楽の声域が大幅に拡大したために可能になりました。中世では、狭い範囲でパーツを頻繁に交差させる必要があり、異なるパーツを区別するためにパーツ間のコントラストを大きくする必要がありました。ルネサンス音楽のモーダル（調性、「ミュージカルキー」としても知られる、その後のバロック音楽時代に開発されたアプローチ、1600〜1750年頃とは対照的）の特徴は、使用が増えるにつれて期間の終わりに向かって崩壊し始めました。 5度圏または4度圏のルートモーション（詳細は「五度圏」を参照）。コードのルートが4分の1の間隔で移動するコード進行の例は、ハ長調のキーのコード進行です。「Dマイナー/ Gメジャー/ Cメジャー」（これらはすべてトライアドです。3音符）コード）。ニ短調からト長調への移動は完全四度の間隔です。ト長調コードからハ長調コードへの動きも完全四度の間隔です。これは後にバロック時代の調性の特徴の1つに発展しました。

ルネサンス音楽の主な特徴は次のとおりです。

• モードに基づく音楽。
• 4つ以上の独立したメロディーパートが同時に演奏される、より豊かなテクスチャー。ポリフォニーと呼ばれるこれらの織り交ぜられたメロディーラインは、ルネサンス音楽の特徴の1つです。
• 音楽のテクスチャーに、対照的なメロディーラインではなくブレンド。
• 配置されたハーモニー音楽のスムーズな流れとそのコードの進行に対するより大きな関心。

ポリフォニーの発達は、音楽的に中世からのルネサンスを特徴付ける楽器に顕著な変化をもたらしました。その使用により、より大きなアンサンブルの使用が促進され、声域全体でブレンドされる楽器のセットが要求されました。

BackgroundEdit

他の芸術と同様に、当時の音楽は近世を定義する発展に大きく影響された：人道的思考の台頭。古代ギリシャと古代ローマの文学的および芸術的遺産の回復。イノベーションと発見の増加。営利企業の成長;ブルジョア階級の台頭。そしてプロテスタントの宗教改革。この変化する社会から、共通の統一された音楽言語、特にフランドル楽派のポリフォニックスタイルが出現しました。

1439年の印刷機の発明により、音楽と音楽の配布がより安価で簡単になりました。より広い地理的スケールでより多くの人々への理論テキスト。印刷が発明される前は、書かれた音楽と音楽理論のテキストを手作業でコピーする必要があり、時間と費用のかかるプロセスでした。ブルジョア階級の出現により、娯楽として、また教育を受けたアマチュアの余暇活動としての音楽に対する需要が高まった。ヨーロッパ全土へのシャンソン、モテット、ミサ曲の普及は、ポリフォニックの練習が流動的なスタイルに統一され、16世紀後半にジョヴァンニピエルルイジダパレストリーナ、オルランドデラッソス、トーマスタリスなどの作曲家の作品で最高潮に達しました。ウィリアムバードとトマスルイスデビクトリア。ネーデルラントの相対的な政治的安定と繁栄、そしてこの地域の音楽教育の盛んなシステムにより、多くの教会や大聖堂は、多数の歌手、楽器奏者、作曲家の訓練を可能にしました。これらのミュージシャンは、ヨーロッパ全体、特にイタリアでは、教会や貴族の裁判所が作曲家、演奏家、教師として彼らを雇いました。印刷機によって印刷された音楽の普及が容易になったため、16世紀の終わりまでに、イタリアはヴェネツィア、ローマ、と他の都市が音楽活動の中心になりました。これは100年前からの状況を逆転させました。オペラは、歌手が楽器を伴う劇的な舞台ジャンルであり、この時期にフィレンツェで生まれました。オペラは、意図的な復活の試みとして開発されました。古代ギリシャの音楽。

ジャンル編集

ルネッサンス時代を通して使用され続けた主要な典礼（教会ベース）の音楽形式は、大衆とモテットであり、特に時代の終わりに向けて他のいくつかの発展がありました。神聖な音楽の作曲家は、宗教的な使用のために世俗的な（非宗教的な）音楽形式（マドリガルなど）を採用し始めました。 15世紀と16世紀のミサには、モノフォニック（単一のメロディーライン）とポリフォニック（複数の独立したメロディーライン）の2種類のソースが使用され、定旋律の練習に基づいて、またはしばらくの間、2つの主要な形式の精緻化が行われました。 1500、「パーベイシブ・イミテーション」の新しいスタイル。作曲家は、さまざまな声やパートが他の声やパートによって演奏されるメロディーやリズミカルなモチーフを模倣する音楽を書きます。 4つの主要なタイプのミサ曲が使用されました：

• カンタスファームスマス（テナーマス）
• カンタスファームス/イミテーションマス
• 言い換えマス
• 模倣ミサ曲（パロディミサ曲）

ミサ曲は通常、借りた情報源によってタイトルが付けられていました。定旋律のミサ曲は同じモノフォニックメロディーを使用します。通常はチャントから引き出され、通常はテノールで、ほとんどの場合、他の声よりも長い音価で使用されます。他の神聖なジャンルは、マドリゲールスピリチュアルと賞賛でした。

この期間中、世俗的な（非宗教的な）音楽は、さまざまな形式で分布が増加しましたが、爆発を想定する場合は注意が必要です。多様性：印刷によって音楽がより広く利用できるようになったため、この時代からは前の中世の時代よりもはるかに多くの音楽が生き残っており、おそらく中世後期のポピュラー音楽の豊富な店が失われています。世俗音楽は教会から独立した音楽でした。主なタイプは、ドイツの歌曲、イタリアのフロットーラ、フランスのシャンソン、イタリアのマドリガーレ、スペインのビリャンシーコでした。他の世俗的な声楽のジャンルには、カッチャ、ロンドー、ヴィルレー、ベルジェレット、バラード、音楽メスレ、カンゾネッタ、ビジャネラ、ビロッタ、リュート歌曲が含まれていました。モテットシャンソンや世俗的なモテットなどの混合形式も登場しました。

純粋な器楽には、リコーダーやヴィオラなどの楽器のコンソート音楽や、さまざまなアンサンブルのダンスが含まれていました。一般的な楽器のジャンルは、トッカータ、プレリュード、リチェルカーレ、カンツォーナでした。器楽アンサンブル（または時々歌われる）によって演奏されるダンスには、ベースダンス（It。bassadanza）、トルディオン、サルタレロ、パヴァーヌ、ガリアード、アレマンド、クーラント、ブランル、カナリー、ピバ、ラボルタが含まれます。リュート、ビウエラ、ハープ、キーボードなどのソロ楽器には、さまざまなジャンルの音楽をアレンジできます。このような編曲はタブ譜と呼ばれていました（It。intavolatura、Ger。Intabulierung）。

期間の終わりにかけて、モノディ、マドリガルコメディ、幕間劇などのオペラの初期の劇的な前兆が聞こえます。

理論と表記法編集

マーガレットベントによると、「ルネッサンス記譜法は、私たちの基準では規範的ではありません。現代の形式に翻訳すると、過剰に指定して歪める規範的な重みを獲得しますオリジナルの開放性」。ルネッサンスの構成は、個々の部分でのみ表記されました。スコアは非常にまれで、バーラインは使用されませんでした。音価は一般的に現在使用されている値よりも大きかった。ビートの主要な単位は、セミブリーブ、つまり全音符でした。アルス・ノヴァ（中世音楽を参照）以降の場合と同様に、各ブリーブ（倍全音符）にこれらが2つまたは3つ存在する可能性がありますが、これは現代の「メジャー」と同等と見なされる場合があります。それ自体は音価であり、メジャーはそうではありません。状況は次のように考えることができます。これは、現代音楽では、四分音符が2つの8分音符または3つの八分音符に等しくなるという規則と同じであり、「トリプレット」として記述されます。同じ計算で、各半音符に次に小さい音符「最小」（現代の「二分音符」に相当）が2つまたは3つある可能性があります。

これらの異なる順列は「完全」と呼ばれていました。 breve-semibreve関係のレベルでの/ imperfect tempus」、semibreve-minimのレベルでの「完全/不完全なプロレーション」であり、互いに考えられるすべての組み合わせで存在していました。 3対1は「完璧」と呼ばれ、2対1は「不完全」と呼ばれていました。他の特定の音符の前後にある場合、単一の音符の値を半分または2倍にする（それぞれ「不完全」または「変更」）という規則も存在しました。黒い符頭のある音符（四分音符など）の発生頻度は低くなりました。この白い計量記譜法の開発は、（ベラムではなく）紙の使用が増えた結果である可能性があります。これは、弱い紙では、固い符頭を埋めるために必要な引っかき傷に耐えることができなかったためです。ベラムに書かれた以前の記法は黒でした。主に前述の欠陥や変更を強制し、他の一時的なリズミカルな変更を要求するために、他の色、および後で記入されたメモも日常的に使用されました。

臨時記号（シャープ、フラット、ナチュラルの追加など）今日のギターファミリーの楽器（タブ譜）の特定の運指表記のように、音符を変更する）が常に指定されているわけではありません。しかし、ルネサンスのミュージシャンは、二項対位法の高度な訓練を受けていたため、臨時記号が書かれていなくても、楽譜を正しく読み取るために必要なこの情報やその他の情報を持っていました。そのため、「現代の表記法に必要なものは、対位法に精通した歌手への表記。」 （musica fictaを参照。）歌手は他の部分を念頭に置いてリズムの公式を考えて自分の部分を解釈し、一緒に歌うとき、ミュージシャンは他のミュージシャンの決定に照らして平行オクターブと平行5度を避けたり、リズム部分を変更したりします。さまざまな摘み取られた楽器の現代的な表を通して、元の開業医がどの臨時記号を実行したかについて多くの情報を得ることができました。

特定の理論家については、ヨハネスティンクトリス、フランキヌスガフリウス、ハインリッヒグレアン、ピエトロアロンを参照してください。 、ニコラヴィチェンティーノ、トマスデサンタマリア、ジョゼッフォザルリーノ、ヴィセンテルシターノ、ヴィンチェンツォガリレイ、ジョヴァンニアルトゥージ、ヨハネスヌシウス、ピエトロセローネ。