Musica rinascimentale

Una delle caratteristiche più pronunciate della musica artistica europea del primo Rinascimento era il crescente affidamento sullintervallo della terza e la sua inversione, la sesta (nel Medioevo, la terza e la sesta avevano furono considerate dissonanze, e solo gli intervalli perfetti furono trattati come consonanze: la quarta perfetta la quinta perfetta, lottava e lunisono). La polifonia – luso di più linee melodiche indipendenti, eseguite simultaneamente – divenne sempre più elaborata nel corso del XIV secolo, con voci altamente indipendenti (sia nella musica vocale che nella musica strumentale). Linizio del XV secolo ha mostrato una semplificazione, con i compositori che spesso si sforzano di ottenere morbidezza nelle parti melodiche. Ciò era possibile a causa di una gamma vocale notevolmente aumentata nella musica – nel Medioevo, la gamma ristretta rendeva necessario un frequente incrocio di parti, richiedendo quindi un maggiore contrasto tra loro per distinguere le diverse parti. Le caratteristiche modali (in contrasto con il tono, noto anche come “tonalità musicale”, un approccio sviluppato nella successiva era della musica barocca, intorno al 1600-1750), le caratteristiche della musica rinascimentale iniziarono a crollare verso la fine del periodo con laumento delluso dei moti radicali di quinte o quarti (vedere il “cerchio delle quinte” per i dettagli). Un esempio di progressione di accordi in cui le radici degli accordi si muovono dellintervallo di una quarta sarebbe la progressione di accordi, nella tonalità di Do maggiore: “Re minore / Sol maggiore / Do maggiore” (sono tutte triadi; tre note accordi). Il movimento dallaccordo di re minore allaccordo di sol maggiore è un intervallo di una quarta perfetta. Il movimento dallaccordo di sol maggiore allaccordo di do maggiore è anche un intervallo di una quarta perfetta. Questa si è poi sviluppata in una delle caratteristiche distintive della tonalità durante lera barocca.

Le caratteristiche principali della musica rinascimentale sono:

• Musica basata sui modi.
• Texture più ricca, con quattro o più parti melodiche indipendenti eseguite simultaneamente. Queste linee melodiche intrecciate, uno stile chiamato polifonia, è una delle caratteristiche distintive della musica rinascimentale.
• Unendo, piuttosto che contrastare, linee melodiche nella trama musicale.
• Armonia che ha posto una maggiore preoccupazione per il flusso regolare della musica e la sua progressione di accordi.

Lo sviluppo della polifonia ha prodotto i notevoli cambiamenti negli strumenti musicali che segnano musicalmente il Rinascimento dal Medioevo. Il suo uso incoraggiava luso di ensemble più grandi e richiedeva set di strumenti che si fondessero su tutta lestensione vocale.

BackgroundEdit

Come nelle altre arti, la musica del periodo era significativamente influenzato dagli sviluppi che definiscono il periodo della prima età moderna: lascesa del pensiero umanistico; il recupero del patrimonio letterario e artistico dellAntica Grecia e dellAntica Roma; maggiore innovazione e scoperta; la crescita delle imprese commerciali; lascesa di una classe borghese; e la Riforma protestante. Da questa società in mutamento emerse un linguaggio musicale comune e unificante, in particolare lo stile polifonico della scuola franco-fiamminga.

Linvenzione della stampa nel 1439 rese più economica e più facile la distribuzione di musica e musica testi teorici su scala geografica più ampia e rivolti a più persone. Prima dellinvenzione della stampa, i testi di musica scritta e di teoria musicale dovevano essere copiati a mano, un processo lungo e costoso. La domanda di musica come intrattenimento e come attività di svago per dilettanti istruiti è aumentata con lemergere di una classe borghese. La diffusione di canti, mottetti e messe in tutta Europa coincise con lunificazione della pratica polifonica nello stile fluido che culminò nella seconda metà del XVI secolo nellopera di compositori come Giovanni Pierluigi da Palestrina, Orlande de Lassus, Thomas Tallis, William Byrd e Tomás Luis de Victoria. La relativa stabilità politica e prosperità nei Paesi Bassi, insieme a un sistema fiorente di educazione musicale nelle numerose chiese e cattedrali della zona, hanno permesso la formazione di un gran numero di cantanti, strumentisti e compositori. Questi musicisti erano molto ricercati in tutta Europa, in particolare in Italia, dove chiese e corti aristocratiche li assumevano come compositori, artisti e insegnanti. Poiché la stampa rendeva più facile la diffusione della musica stampata, alla fine del XVI secolo lItalia aveva assorbito le influenze musicali del nord con Venezia, Roma, e altre città divennero centri di attività musicale. Questo capovolse la situazione di cento anni prima. Lopera, un genere drammatico messo in scena in cui i cantanti sono accompagnati da strumenti, sorse in questo periodo a Firenze. musica dellantica Grecia.

GenresEdit

Le principali forme musicali liturgiche (basate sulla chiesa) che rimasero in uso durante il periodo rinascimentale furono le messe e i mottetti, con alcuni altri sviluppi verso la fine dellera, in particolare come i compositori di musica sacra iniziarono ad adottare forme musicali secolari (non religiose) (come il madrigale) per uso religioso. Le messe del XV e XVI secolo avevano due tipi di fonti che venivano utilizzate, monofoniche (una singola linea melodica) e polifoniche (linee melodiche multiple e indipendenti), con due forme principali di elaborazione, basate sulla pratica del cantus firmus o, a partire da qualche tempo 1500, il nuovo stile di “imitazione pervasiva”, in cui i compositori scrivevano musica in cui le diverse voci o parti imitavano i motivi melodici e / o ritmici eseguiti da altre voci o parti. Sono stati utilizzati quattro tipi principali di masse:

• Cantus firmus mass (tenor mass)
• The cantus firmus / imitation mass
• The parafrase mass
• La massa dellimitazione (massa parodia)

Le messe erano normalmente intitolate dalla fonte da cui prendevano in prestito. Il cantus firmus mass usa la stessa melodia monofonica, di solito tratta dal canto e di solito nel tenore e più spesso in valori di nota più lunghi rispetto alle altre voci. Altri generi sacri erano il madrigale spirituale e la laude.

Durante il periodo, la musica secolare (non religiosa) ebbe una diffusione crescente, con unampia varietà di forme, ma bisogna stare attenti ad assumere unesplosione nella varietà: da quando la stampa ha reso la musica più ampiamente disponibile, molto di più è sopravvissuto di questepoca rispetto al precedente Medioevo, e probabilmente si è perso un ricco deposito di musica popolare del tardo Medioevo. La musica secolare era musica indipendente dalle chiese. I tipi principali erano il tedesco Lied, la frottola italiana, la chanson francese, il madrigale italiano e il villancico spagnolo. Altri generi vocali secolari includevano la caccia, rondeau, virelai, bergerette, ballade, musique mesurée, canzonetta, villanella, villotta e il canto del liuto. Apparvero anche forme miste come il mottetto-canto e il mottetto secolare.

La musica puramente strumentale includeva musica di consorte per flauti dolci o viole e altri strumenti e danze per vari ensemble. I generi strumentali comuni erano la toccata, il preludio, il ricercar e la canzona. I balli suonati da gruppi strumentali (o talvolta cantati) includevano basse danse (It. Bassadanza), tourdion, saltarello, pavane, galliard, allemande, courante, bransle, canarie, piva e lavolta. La musica di molti generi potrebbe essere arrangiata per uno strumento solista come il liuto, la vihuela, larpa o la tastiera. Tali arrangiamenti erano chiamati intabulations (It. Intavolatura, Ger. Intabulierung).

Verso la fine del periodo si ascoltano i primi precursori drammatici dellopera come la monodia, la commedia madrigale e lintermedio. / p>

Teoria e notazioneModifica

Secondo Margaret Bent: “La notazione rinascimentale è poco prescrittiva per i nostri standard; quando tradotta in forma moderna acquisisce un peso prescrittivo che specifica e distorce la sua apertura originale “. Le composizioni rinascimentali erano annotate solo in singole parti; i punteggi erano estremamente rari e le stanghette non venivano usate. I valori delle note erano generalmente maggiori di quelli in uso oggi; lunità primaria del tempo era la semibreve, o nota intera. Come era stato sin dai tempi dellArs Nova (vedi musica medievale), potevano esserci due o tre di questi per ogni breve (una doppia nota intera), che possono essere considerati equivalenti alla moderna “misura”, sebbene era esso stesso un valore di nota e una misura non lo è. La situazione può essere considerata in questo modo: è la stessa della regola secondo la quale nella musica moderna una nota da un quarto può essere uguale a due ottavi o tre, che sarebbero scritte come una “terzina”. In base allo stesso calcolo, potrebbero esserci due o tre della nota più piccola successiva, il “minimo” (equivalente alla moderna “mezza nota”) per ciascuna semibreve.

Queste diverse permutazioni furono chiamate “perfette / imperfect tempus “al livello del rapporto breve-semibreve,” prolazione perfetta / imperfetta “a livello del semibreve-minim, ed esisteva in tutte le possibili combinazioni tra loro. Tre a uno era chiamato “perfetto” e due a uno “imperfetto”. Esistevano anche regole in base alle quali singole note potevano essere dimezzate o raddoppiate di valore (rispettivamente “imperfette” o “alterate”) quando precedute o seguite da altre note. Le note con le teste delle note nere (come le note da un quarto) sono apparse meno spesso. Questo sviluppo della notazione mensurale bianca può essere il risultato di un maggiore uso della carta (piuttosto che della pergamena), poiché la carta più debole era meno in grado di resistere ai graffi richiesti per riempire le teste delle note solide; lannotazione dei tempi precedenti, scritta su pergamena, era stata nera.Altri colori, e in seguito, note compilate, sono stati usati regolarmente anche, principalmente per rafforzare le suddette imperfezioni o alterazioni e per richiedere altri cambiamenti ritmici temporanei.

Alterazioni (ad esempio aggiunti diesis, bemolle e naturali) che cambiano le note) non erano sempre specificate, un po come in certe notazioni di diteggiatura per strumenti della famiglia di chitarra (tablature) oggi. Tuttavia, i musicisti rinascimentali sarebbero stati altamente addestrati nel contrappunto diadico e quindi possedevano questa e altre informazioni necessarie per leggere correttamente una partitura, anche se le alterazioni non fossero state scritte. Come tale, “ciò che la notazione moderna richiede sarebbe stato perfettamente evidente senza notazione a un cantante esperto in contrappunto “. (Vedi musica ficta.) Un cantante interpretava la sua parte calcolando formule cadenziali con altre parti in mente, e quando cantavano insieme, i musicisti evitavano ottave parallele e quinte parallele o alteravano le loro parti cadenziali alla luce delle decisioni di altri musicisti. È attraverso le intavolature contemporanee per vari strumenti a pizzico che abbiamo ottenuto molte informazioni su quali alterazioni sono state eseguite dai professionisti originali.

Per informazioni su teorici specifici, vedere Johannes Tinctoris, Franchinus Gaffurius, Heinrich Glarean, Pietro Aron , Nicola Vicentino, Tomás de Santa María, Gioseffo Zarlino, Vicente Lusitano, Vincenzo Galilei, Giovanni Artusi, Johannes Nucius e Pietro Cerone.