10 compositori contemporanei la cui musica devi scoprire oggi

Jennifer Higdon

” La miriade di riconoscimenti e successi di Jennifer Higdon sono impressionanti sotto ogni punto di vista, ma in particolare nel mondo della musica classica contemporanea. Ha vinto un Premio Pulitzer e un Grammy Award. La sua musica è così richiesta che è in grado di comporre esclusivamente su commissione. E lei i campioni includono solisti, ensemble e orchestre di alto livello. Secondo un recente sondaggio delle orchestre statunitensi, Higdon è uno dei compositori americani viventi più eseguiti.

“Eppure il risultato più sorprendente di Higdon non si adatta così facilmente in una biografia, ed è così che la sua musica è filtrata in ogni strato della cultura musicale classica negli Stati Uniti. Dai uno sguardo alla pagina “Upcoming Performances” del suo sito web ufficiale e scoprirai che il suo lavoro è suonato non solo dalla Houston Symphony e dalla Philadelphia Orchestra, ma anche da ensemble municipali, comunitari e delle scuole superiori in tutto il paese. In superficie, sembra essere una formula semplice: Higdon scrive musica che il pubblico ama ascoltare e che i musicisti trovano gratificante da suonare. Ma è davvero così semplice? .. “

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Lera Auerbach

” In unepoca di abitudini multitasking, percezioni polimodali ed esperienze multisensoriali, ora ci si aspetta che diventeremo tutti polimati. Come ha affermato Vinnie Mirchandani nella prefazione a The New Polymath (Wiley: 2010): “non si può più essere solo una persona ma una raccolta di molte”. Ma nel cercare di diventare troppe persone, cosa si perde? Identità, profondità, talento? Genio, forse?

“Lera Auerbach è uneclettica nel senso originale del termine, come definito e difeso da scrittori e pensatori del Rinascimento; ma è anche unartista del suo tempo. Oltre ad essere compositrice e concertista di successo, è pittrice, scultrice, librettista e autrice di diversi libri di poesia e prosa, ma per Auerbach queste attività extramusicali non sono esercizi di dilettantismo: tutte le forme darte sono interconnesse e progettate per nutrirsi e sostenersi a vicenda. .. “

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Sally Beamish

“In un certo senso, la musica era la prima lingua di Sally Beamish. Sua madre, una violinista, le insegnò a leggere e scrivere note alletà di quattro anni, prima che potesse suonare uno strumento, prima ancora che potesse leggere o scrivere parole. Disegnava piccoli fiori o facce sul manoscritto e sua madre interpretava come poteva suonare la notazione grafica. “Ho sempre voluto fare le mie cose “, dice. “Ho creato i miei vestiti, scritto storie, dipinto …” Quando ha iniziato a studiare il pianoforte a cinque anni, si è costruita un piccolo quaderno.

“Oggi Beamish è uno dei più affollati e più affettuosi del Regno Unito compositori di tutto rispetto, con commissioni in arrivo fitte e veloci per colonne sonore che vanno dal balletto di grandi dimensioni e oratori a opere da camera, teatro e solisti. A 60 anni ha già un catalogo di oltre 200 pezzi e quel numero sta crescendo rapidamente: questanno lei ha scritto tre concerti per pianoforte, tra molti altri progetti. Per molti ascoltatori, il grande fascino della musica di Beamish è lo spazio che trova tra la morbidezza e lacciaio – la sua abilità nel mescolare lirismo punteggiato di folk, candore emotivo, un senso del mondo naturale e un modo propulsivo con ritmo più economia reale, immediatezza, orchestrazioni luminose e rigore artigianale. È il tipo di compositrice che sembra sapere esattamente cosa vuole dire un pezzo e trova il modo più compassionevole e meno pignolo per dirlo .. . “

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Augusta Leggi Thomas

“La musica classica americana nellultimo quarto di secolo è stata dominata dallestetica minimalista che è emersa come reazione contro il pensiero modernista che aveva dominato in precedenza. Attualmente rappresenta una lingua franca virtuale in termini di influenza sui compositori tradizionali. Altri, invece, hanno guardato indietro (non con rabbia e ancor meno per nostalgia) a unepoca in cui gli aspetti del modernismo erano legati a una tonalità in libera evoluzione in modo che si aprissero nuove possibilità per lesplorazione. Solo di recente questo approccio ha riacquistato importanza, con Augusta Read Thomas tra i suoi principali esponenti.

“Nato a Glen Cove, Long Island, nellaprile 1964, Thomas ha studiato alla Yale University e successivamente alla Royal Academy of Musica a Londra e alla Northwestern University di Chicago Parlare di influenze è spesso inutilmente soggettivo, eppure due compositori con cui entrò in contatto in questo periodo lasceranno il segno nella sua musica nel senso più diretto e positivo.Da Jacob Druckman (1928-96) ha assorbito il valore del colore strumentale come componente formale ed espressiva piuttosto che come un semplice vestito esterno, mentre in Donald Erb (1927-2008) ha avuto lesempio di un orchestratore che non era secondo a nessuno in questo rispetto tra i compositori americani della sua generazione. Ciò che questo ha dato alla musica di Thomas fin dallinizio è stata la sua chiarezza di concezione e precisione dei gesti (sia nella più breve delle miniature strumentali che in opere orchestrali su larga scala), che fungono da fulcro per le sue trame spesso intricate e armonie iridescenti – quindi assicurando che il suo lavoro trasuda immediatezza e comunicatività qualunque sia il suo grado di complessità e dissonanza … “

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Unsuk Chin

“Curioso e curioso. Ascoltare la musica di Unsuk Chin può sembrare unavventura nel Paese delle Meraviglie di Alice. Iniziamo in un territorio familiare, con idee musicali semplici e attraenti, ma queste si intrecciano gradualmente in trame complesse e inquietanti. Presto siamo nella tana del coniglio, e niente è come sembra. La musica sembra stabile, fino a quando un sottile cambiamento di armonia la getta in una luce completamente nuova. Le prospettive cambiano, i motivi e le melodie si contorcono e distorcono. La semplicità lascia il posto a una complessità seducente. Poi tutto si ferma, spesso con un tonfo delle percussioni, e ci ritroviamo a contemplare la bizzarra svolta degli eventi. Era tutto un sogno?

“Unsuk Chin è stata affascinata da Alice nel paese delle meraviglie sin dallinfanzia e ha ispirato gran parte della sua musica, in particolare la sua opera di Alice del 2007. Ma la sua interpretazione della storia è distintiva . Lopera è piena di momenti di intrighi e meraviglie, ma questi sono contrapposti a rappresentazioni crude della brutale assurdità del racconto – una concezione fantastica ma sempre lucida, tipica di Chin. Come coreana con sede in Germania, ha una prospettiva da outsider sullEuropa cultura, e la sua musica mette regolarmente in luce i suoi paradossi radicati. È una voce della ragione, che porta ordine nel surreale. Soprattutto, porta chiarezza, per quanto complessa la sua musica diventa, con ogni nota che rimane udibile, ogni motivazione chiara … ”

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Anna Thorvaldsdóttir

Prima di annotare le sue opere convenzionalmente attraverso le cinque linee del pentagramma musicale, Anna Thorvaldsdóttir disegna letteralmente il m. Le illustrazioni a matita incontaminate che questo processo genera sono qualcosa da vedere. Uno di questi è riprodotto sulla copertina – e allinterno del libretto, in una versione più completa – di quello che è stato il primo album a presentare la sua musica e solo la sua musica: Rhízoma.

Il disegno presenta unimmagine coerente ma orizzonte irregolare di due linee quasi orizzontali in contrappunto. Al di sotto, più radici si raccolgono verso un unico tronco spesso prima di spezzarsi in quattro rami, sfilacciandosi verso lesterno alle loro estremità (potrebbe essere un vulcano ostile; potrebbe essere una rapa erbosa). I pensieri in forma di testo sono sparsi in minuziose lettere maiuscole: “In costante sviluppo” / “Mi piace” / “Prevedo che la durata di questo pezzo sarà di circa 12-14 minuti”.

Parlando a In una sessione aperta di domande e risposte a Copenaghen in gennaio, Thorvaldsdóttir ha spiegato che usa disegni come questi come ausili compositivi, dispositivi per “mappare dove sta andando un pezzo”. Ma contengono indizi strutturali vitali per il resto di noi. Nel caso di questo particolare disegno – unimmagine del brano Streaming Arhythmia (2007) – possiamo tracciare come la biologia delle radici sotterranee o “rizomi” abbia influenzato lo sviluppo della musica. Lo schizzo ha anche una strana somiglianza con il paesaggio dellIslanda di Thorvaldsdóttir: un terreno arido e altamente atmosferico caratterizzato da roccia nera, muschio scuro, picchi vulcanici nettamente delineati e una totale mancanza di alberi.

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Olga Neuwirth

La musica di Olga Neuwirth (b1968 ) è riccamente allusivo, muovendosi liberamente tra punti di riferimento così vari come Monteverdi, Weill, Miles Davis e Klaus Nomi. Ha citato influenze da Boulez ai Beastie Boys. Tuttavia, se cè un artista il cui approccio estetico sembra particolarmente vicino al suo, non è affatto un musicista: è il regista David Lynch, il regista anticonformista dietro a classici di culto come Twin Peaks (1990-91; 2017), Lost Highway (1997) e Mulholland Drive (2001). Bizzarre giustapposizioni, surreali colpi di scena narrativi, immagini vivide di oscuro significato: i suoi film non sono solo strani ma anche inquietanti – a volte addirittura inspiegabili – mentre viaggiano in mondi onirici in cui le regole standard del tempo, dello spazio e dei sensi sembrano allontanarsi. La musica può essere un mezzo più astratto del film, ma il lavoro di Neuwirth dimostra la sua capacità di essere altrettanto affascinante e insondabile.La sua musica è avvincente e provocatoria non nonostante la sua stranezza, ma proprio per questo.

Il paragone con Lynch è quello che Neuwirth si è provocato quando ha trasformato Lost Highway, il film che alcuni definiscono il più strano di Lynch, in unopera nel 2002-03, in collaborazione con la connazionale Elfriede Jelinek, vincitrice del premio Nobel. È difficile immaginare una scelta più audace del film per ricevere il trattamento operistico, ma la musica frammentaria e multidimensionale di Neuwirth crea qualcosa che in qualche modo sembra essere lo spirito affine delloriginale. Ad un certo punto sia del film che dellopera (qualche tempo prima che si trasformi inspiegabilmente in un meccanico di automobili), il protagonista Fred spiega perché non possiede una videocamera. Mi piace ricordare le cose a modo mio, dice. Come li ricordavo. Non necessariamente nel modo in cui sono successe. Forse lopera adotta un approccio simile nelladattare il film, distorcendolo in nuove forme – acrobazie vocali iperespressioniste per un personaggio, parole impassibili per un altro, inquietante vocalizzi in falsetto per un terzo – pur conservando la trama e valorizzando il sottofondo noir. In effetti, forse questo è ciò che tutta lopera fa comunque, prendendo il nocciolo di una storia e aumentandone lintensità attraverso linee di testo tagliate e correnti di musica travolgenti. A dire il vero, lopera raramente ritrae gli eventi “nel modo in cui sono accaduti”.

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Kaija Saariaho

Kaija Saariaho (nata nel 1952 a Helsinki) è una delle compositrici più importanti del pianeta e una delle principali figure creative della sua generazione di entrambi i sessi; un artista davvero originale con uno stile musicale molto caratteristico e una voce personale, sviluppato e perfezionato nel corso di decenni. I premi che ha ricevuto nel corso degli anni ne sono indicativi, tra cui il Kranichsteiner Prize (1986), il Nordic Council Music Prize (2000, per Lonh), il Grawemeyer (2003, per la sua prima opera, Lamour de loin), il Nemmers Prize in Composition (2007), il Wihuri Sibelius Prize (2009) e il Léonie Sonning Music Prize (2011).

Eppure è anche una persona molto riservata, con molto della sua biografia che è in gran parte sconosciuto, non da ultimo che sia nata Kaija Laakkonen: il nome “marchio di fabbrica” di Saariaho è quello del suo primo marito. Ha studiato con Heininen allAccademia Sibelius, con altri membri di una generazione miracolosa di compositori finlandesi tra cui Esa-Pekka Salonen e Magnus Lindberg. Sono seguiti ulteriori studi con Brian Ferneyhough e Klaus Huber; influenze altrettanto formative furono Tristan Murail e Gérard Grisey, i principali esponenti della musica spettrale (musica che pone timbro e suono al di sopra di altre considerazioni compositive), portandola allIRCAM e alla residenza di 30 anni a Parigi, da ultimo con il suo secondo marito, Jean-Baptiste Barrière. Sebbene abbia fatto un primo passo avanti con la Verblendungen orchestrale (1984), è stato con il suo abbagliante, incantevole nonet-with-electronics Lichtbogen (“Arches of Light”, 1986) che è esplosa sulla scena più ampia. Le sue trame eteree e ipnotiche sono state ispirate dallaurora boreale e luso dellelettronica si è rivelato profetico per la sua futura carriera. Ancora più importante era la combinazione di delicatezza sonora e acciaio interno, che rende le sue opere seducenti allorecchio ma robuste e avvincenti come strutture.

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Thea Musgrave

Alla domanda una volta se avesse qualche consiglio per i giovani compositori, Thea Musgrave ha risposto: “Don a meno che tu non debba davvero; allora lo farai comunque. “Musgrave – la compositrice, direttore dorchestra, pianista e insegnante scozzese che compie 90 anni questo mese – ha vissuto secondo i suoi stessi consigli. Cè una lucida razionalità nel suo approccio, nel modo in cui parla della sua musica, nel modo in cui rispetta le scadenze e scrive spartiti pratici e non pignoli che la rendono cara a commissari e musicisti orchestrali.

Ma al di sotto del pragmatismo, la musica di Musgrave è tutta incentrata sul dramma. Sia nelle sue opere acutamente percettive che nelle sue opere strumentali non narrative, è stata a lungo affascinata dal dramma innato del comportamento umano: la danza psicologica della conversazione, dellinterazione, del confronto e dellappeasement. È una compositrice che riconosce che la musica rispecchia la vita, che la musica può plasmare il modo in cui viviamo, che la composizione emotiva e anche fisica dei musicisti è parte integrante dellimpatto di qualsiasi performance. Per dirla semplicemente, il suo lavoro parla in modo diretto e compassionevole di tutti noi. “Ci sono verità umane di base”, dice, e sono quelle verità che sonda nella sua musica.

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Roxanna Panufnik

Cè un diverso tipo di rivoluzione in atto nella musica contemporanea di oggi, e al suo centro si trova Roxanna Panufnik.La sua non è una rivoluzione radicale progettata per rivedere completamente il vecchio ordine, alla Schoenberg o Cage. Invece, ecco una rivoluzione silenziosa che utilizza il potere della musica per unire persone di diverse culture, background religiosi e convinzioni politiche: una rivoluzione che è più John Lennon che John Cage.

Con le stesse parole di Panufnik: “Io” Sono in missione per gridare dai tetti la bellezza della musica di tutte queste diverse fedi. Si tratta di unirci. Troppo spesso non pensiamo a ciò che abbiamo in comune, ma piuttosto alla nostra minuscola frazione di differenza luno dallaltro. “

Limportanza della funzione sociale e politica della musica, ovviamente, non è stata persa Il padre di Roxanna. Il noto, molto ammirato e stimato compositore polacco Sir Andrzej Panufnik (1914-91) fu costretto a sfuggire allopprimente clima postbellico del suo paese natale nel 1954. Arrivò a Londra e circa nove anni dopo sposò lautore e il fotografo Camilla Jessel. Roxanna è nata nel 1968.

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