Reneszánsz zene

A kora reneszánsz európai művészeti zene egyik legkiemelkedőbb jellemzője az volt, hogy fokozatosan támaszkodtak a harmadik intervallumára és annak inverziójára, a hatodikra (a középkorban a harmad és a hatodik disszonanciáknak tekintették, és csak a tökéletes intervallumokat kezelték konszonanciákként: a tökéletes negyedik a tökéletes ötödik, az oktáv és az unison). A polifónia – több, egymástól független, egyidejűleg előadott dallamsor használata – a 14. század folyamán egyre bonyolultabbá vált, erősen független hangokkal (mind a vokális, mind az instrumentális zenében). A 15. század eleje egyszerűsítést mutatott, a zeneszerzők gyakran törekedtek a dallamos részek simaságára. Ez a zene nagymértékben megnövekedett hangtartománya miatt volt lehetséges – a középkorban a szűk tartomány gyakran szükségessé tette a részek keresztezését, így nagyobb kontrasztra volt szükség a különböző részek megkülönböztetéséhez. A reneszánsz zene modális jellemzői (szemben a tonális, más néven “zenei kulcs”, a későbbi barokk zenei korszakban, 1600–1750 körül kialakult megközelítéssel) az időszak vége felé a megnövekedett használat mellett kezdtek felbomlani. ötödik vagy negyedik gyökérmozgásai (a részletekért lásd az “ötödök körét”). Az akkord progressziójának példája, amelyben az akkord gyökerei egy negyed intervallummal mozognak, az akkord progresszió lenne, a C-dúr kulcsban: “D-moll / G-dúr / C-dúr” (ezek mind triászok; háromhangúak) akkordok). A d-moll akkordtól a G-dúr akkordig tartó mozgás egy tökéletes negyedik intervallum. A G-dúr akkordtól a C-dúr akkordig tartó mozgás szintén egy tökéletes negyedik intervallum. Ez később a tonalitás egyik meghatározó jellemzőjévé fejlődött a barokk korban.

A reneszánsz zene főbb jellemzői a következők:

• A módokon alapuló zene.
• Gazdagabb textúra, négy vagy több független dallamrész egyszerre történő előadásával. Ezek az átfonódó dallamvonalak, a polifóniának nevezett stílus a reneszánsz zene egyik meghatározó vonása.
• A dallamos vonalak helyett a keveredés helyett a dallamos vonalak keveredése a zenei textúrában.
• Harmónia, amely elhelyezte nagyobb aggodalomra ad okot a zene zökkenőmentes folyása és az akkordok előrehaladása.

A polifónia fejlődése jelentős hangváltozásokat eredményezett a hangszerekben, amelyek zeneileg a középkor reneszánszát jelentik. Használata nagyobb együttesek használatát ösztönözte, és olyan hangszerkészleteket követelt, amelyek összeolvadtak az egész vokális tartományban.

BackgroundEdit

A többi művészethez hasonlóan a korszak zenéje is jelentősen befolyásolják a kora újkorot meghatározó fejlemények: a humanista gondolkodás felemelkedése; az ókori Görögország és az ókori Róma irodalmi és művészeti örökségének helyreállítása; fokozott innováció és felfedezés; a kereskedelmi vállalkozások növekedése; polgári osztály felemelkedése; és a protestáns reformáció. Ebből a változó társadalomból kialakult egy közös, egységes zenei nyelv, különös tekintettel a francia-flamand iskola polifonikus stílusára.

A nyomda 1439-es találmánya olcsóbbá és könnyebbé tette a zene és a zene terjesztését. elméleti szövegek szélesebb földrajzi skálán és több ember számára. A nyomtatás feltalálása előtt az írott zenét és a zeneelméleti szövegeket kézzel kellett lemásolni, ez időigényes és költséges folyamat. A polgári osztály megjelenésével nőtt a zene, mint szórakozás és szabadidős tevékenység iránti igény az iskolázott amatőrök számára. A sanzonok, motetták és tömegek elterjesztése egész Európában egybeesett a többszólamú gyakorlat folyékony stílusba egyesítésével, amely a tizenhatodik század második felében olyan zeneszerzők munkájában csúcsosodott ki, mint Giovanni Pierluigi da Palestrina, Orlande de Lassus, Thomas Tallis, William Byrd és Tomás Luis de Victoria. A viszonylagos politikai stabilitás és jólét az alacsony országokban, valamint a zeneoktatás virágzó rendszere a térség számos templomában és székesegyházában lehetővé tette nagyszámú énekes, hangszeres és zeneszerző képzését. Ezeket a zenészeket nagyon szerették keresni egész Európában, különösen Olaszországban, ahol az egyházak és a főúri bíróságok zeneszerzőként, előadóművészként és tanárként alkalmazták őket. Mivel a nyomda megkönnyítette a nyomtatott zene terjesztését, a 16. század végére Olaszország felszívta az északi zenei hatásokat Velencével, Rómával, és más városok a zenei tevékenység központjaivá válnak. Ez megfordította a száz évvel korábbi helyzetet. Firenze ebben az időben keletkezett az Opera, egy drámai színpadi műfaj, amelyben az énekeseket hangszerekkel kísérik. Az Opera-t szándékos kísérletként fejlesztették ki az ókori Görögország zenéje.

GenresEdit

Azok a fő liturgikus (egyházi) zenei formák, amelyek a reneszánsz korszakban is használatban maradtak, tömegek és motívumok voltak, a korszak vége felé néhány más fejlemény is, főleg a szakrális zene zeneszerzői világi (nem vallásos) zenei formákat (például a madrigált) kezdtek vallási célokra átvenni. A 15. és 16. századi miséknek kétféle forrása volt, monofonikus (egyetlen dallamsor) és többszólamú (többszörös, független dallamsorok), két fő kidolgozási formával, a cantus firmus gyakorlaton alapulva, vagy valamikor kezdődően Az 1500, az „átitató utánzás” új stílusa, amelyben a zeneszerzők olyan zenét írnának, amelyben a különböző hangok vagy részek más hangok vagy részek által előadott dallamos és / vagy ritmikus motívumokat utánoznák. Négy fő tömegtípust használtak:

• Cantus firmus tömeg (tenor tömeg)
• A cantus firmus / utánzó tömeg
• A parafrázis tömeg
• Az utánzó tömeg (paródiatömeg)

A miséket általában az a forrás titulálta, ahonnan kölcsönvettek. A Cantus firmus tömeg ugyanazt a monofonikus dallamot használja, általában énekből, általában a tenorban, és leggyakrabban hosszabb hangértékekben, mint a többi hang. További szakrális műfajok a madrigale spirituale és a laude voltak.

Az időszakban a világi (nem vallásos) zene egyre nagyobb terjesztésű volt, a legkülönbözőbb formákkal, de a robbanás feltételezésével óvatosnak kell lenni. változatosságban: mióta a nyomtatás szélesebb körben hozzáférhetővé tette a zenét, ebből a korszakból sokkal több maradt fenn, mint az azt megelőző középkori korszakból, és valószínűleg a késő középkor népszerű zene gazdag tárháza veszett el. A világi zene az egyházaktól független zene volt. A fő típusok a német hazugság, az olasz frottola, a francia sanzon, az olasz madrigál és a spanyol villancico voltak. Más világi vokális műfajok közé tartozott a caccia, a rondeau, a virelai, a bergerette, a ballada, a musique mesurée, a canzonetta, a villanella, a villotta és a lant dal. Megjelentek olyan vegyes formák is, mint a motet-sanzon és a világi motet.

A pusztán instrumentális zene magában foglalta a konzorthordozókat a felvevőknek, a brácsáknak és más hangszereknek, valamint a táncokat a különféle együtteseknek. A közös hangszeres műfajok a toccata, az előjáték, a ricercar és a canzona voltak. A hangszeres együttesek által játszott (vagy néha elénekelt) táncok közé tartozott a basse danse (It. Bassadanza), a tourdion, a saltarello, a pavane, a galliard, az allemande, a courante, a bransle, a canarie, a piva és a lavolta. Számos műfajú zenét lehetne megszólaltatni olyan szólóhangszerekhez, mint a lant, vihuela, hárfa vagy billentyűzet. Az ilyen rendezéseket intabulációknak (It. Intavolatura, Ger. Intabulierung) nevezték.

A korszak vége felé hallhatók az opera korai drámai elődei, például a monódia, a madrigális vígjáték és az intermedio.

Elmélet és jelölésSzerkesztés

Margaret Bent szerint: “A reneszánsz jelölés szabványaink szerint alulírható; modern formába fordítva olyan előíró súlyt kap, amely túl pontosítja és torzítja annak eredeti nyitottság “. A reneszánsz kompozíciókat csak egyes részekben jegyezték; a pontszámok rendkívül ritkák voltak, és vonalvezetéseket nem használtak. A jegyzetértékek általában nagyobbak voltak, mint manapság; az ütem elsődleges egysége a szemibreve vagy az egész hang volt. Ahogy az Ars Nova óta (lásd: Középkori zene), ez is lehet kettő vagy három ilyen minden breve esetében (dupla egész hang), amelyekre nézve egyenértékűnek tekinthetők a modern “mértékkel”. maga is egy jegyérték volt, a mérték pedig nem. A helyzet így tekinthető: megegyezik azzal a szabállyal, amely szerint a modern zenében egy negyedhang akár két nyolcadik vagy három hanggal is megegyezhet, amelyet “triplettként” írnának. Ugyanezzel a számítással kettő vagy három lehet a következő legkisebb hang, a “minim” (egyenértékű a modern “félhanggal”) mindegyik szemibreve-hez.

Ezeket a különböző permutációkat “tökéletesnek” nevezték. / tökéletlen tempus “a breve – semibreve kapcsolat szintjén, a„ tökéletes / tökéletlen proliferáció “a semibreve – minim szintjén, és minden lehetséges kombinációban létezett egymással. A három az egynek “tökéletesnek”, a kettő az egynek “tökéletlennek” nevezték. Léteztek olyan szabályok is, amelyek szerint az egyes hangjegyek felére vagy duplájára tehető (“tökéletlen” vagy “megváltoztatható”), amikor más bizonyos jegyzetek megelőzik vagy követik őket. A fekete fejű jegyzetek (például negyedjegyek) ritkábban fordultak elő. A fehér mensural jelölésnek ez a fejlõdése a papír (nem a vellum) megnövekedett használatának lehet az eredménye, mivel a gyengébb papír kevésbé volt képes ellenállni a szilárd fejrészek kitöltéséhez szükséges karcolásoknak; A korábbi idők jeleire írása fekete volt.Egyéb színeket, majd később a kitöltött jegyzeteket is rendszeresen használták, főként a fent említett hiányosságok vagy változtatások érvényesítésére, valamint egyéb ideiglenes ritmikus változtatásokra való felhívás érdekében. amelyek megváltoztatják a hangokat) nem mindig határoztak meg, némiképp, mint manapság a gitárcsaládos hangszerek (táblázatok) bizonyos fogási jelöléseiben. A reneszánsz zenészek azonban magasan képzettek lettek volna a diádikus ellenpontok terén, és így rendelkeztek volna ezzel és a partitúra helyes elolvasásához szükséges információkkal, még akkor is, ha a baleseteket nem írták be. Mint ilyen, “amire a modern jelölés szükséges, akkor tökéletesen nyilvánvaló lett volna. az ellenpontban jártas énekes jelölése. ” (Lásd musica ficta.) Az énekes a részét úgy értelmezné, hogy más részeket szem előtt tartva alakítja ki a kadenciális képleteket, és amikor együtt énekelnek, a zenészek elkerülik a párhuzamos oktávokat és a párhuzamos ötödeket, vagy a többi zenész döntéseinek fényében megváltoztatják a kadenciális részeiket. A különféle pengetős hangszerek korabeli táblázatai révén sok információt szereztünk arról, hogy mely baleseteket hajtották végre az eredeti gyakorlók.

A konkrét elméleti szakemberekről lásd Johannes Tinctoris, Franchinus Gaffurius, Heinrich Glarean, Pietro Aron , Nicola Vicentino, Tomás de Santa María, Gioseffo Zarlino, Vicente Lusitano, Vincenzo Galilei, Giovanni Artusi, Johannes Nucius és Pietro Cerone.