Renesanční hudba

Jedním z nejvýraznějších rysů raně renesanční evropské umělecké hudby bylo zvyšující se spoléhání na interval třetího a jeho inverze, šestého (ve středověku měl třetí a šestý byly považovány za disonance a pouze dokonalé intervaly byly považovány za souhlásky: dokonalá čtvrtina perfektní pátá, oktáva a unisono). Polyfonie – použití několika nezávislých melodických linek, prováděných současně – se v průběhu 14. století stala stále komplikovanější, s vysoce nezávislými hlasy (jak v vokální hudbě, tak v instrumentální hudbě). Začátek 15. století ukázal zjednodušení, přičemž skladatelé často usilovali o plynulost melodických partů. To bylo možné z důvodu výrazně zvýšeného hlasového rozsahu v hudbě – ve středověku úzký rozsah vyžadoval časté křížení částí, což vyžadovalo větší kontrast mezi nimi, aby se odlišily různé části. Modální (na rozdíl od tonálu, známého také jako „hudební klíč“, přístup vyvinutý v následující éře barokní hudby, asi 1600–1750), se vlastnosti renesanční hudby začaly rozpadat ke konci období se zvýšeným používáním pohybů kořenů pětin nebo čtvrtin (podrobnosti viz „kruh pětin“). Příkladem postupu akordů, ve kterém se kořeny akordů pohybují o interval čtvrtiny, by byl postup akordů v tónině C Major: „D minor / G Major / C Major“ (to jsou všechny triády; tři noty) akordy). Pohyb z akordu D moll do akordu G Major je interval dokonalé čtvrtiny. Pohyb z akordu G dur do akordu C dur je také intervalem dokonalé čtvrtiny. Toto se později vyvinulo v jednu z definujících charakteristik tonality během barokní éry.

Hlavní charakteristiky renesanční hudby jsou:

• Hudba založená na režimech.
• Bohatší textura se čtyřmi nebo více nezávislými melodickými částmi, které se hrají současně. Tyto protkané melodické linie, styl zvaný polyfonie, je jedním z určujících rysů renesanční hudby.
• Míchání spíše než kontrastních melodických linií v hudební struktuře.
• Harmonie, která umístila větší zájem o plynulý tok hudby a její postup akordů.

Rozvoj polyfonie přinesl významné změny v hudebních nástrojích, které hudebně poznamenaly renesanci od středověku. Jeho použití podpořilo použití větších souborů a vyžadovalo sady nástrojů, které by se mísily dohromady v celém hlasovém rozsahu.

BackgroundEdit

Stejně jako v jiných uměních, hudba té doby byla významně ovlivněn vývojem, který definuje období raného novověku: vzestup humanistického myšlení; obnova literárního a uměleckého dědictví starověkého Řecka a starověkého Říma; větší inovace a objevování; růst obchodních podniků; vzestup buržoazní třídy; a protestantská reformace. Z této měnící se společnosti vznikl společný sjednocující hudební jazyk, zejména polyfonní styl francouzsko-vlámské školy.

Vynález tiskařského stroje v roce 1439 zlevnil a usnadnil distribuci hudby a hudby teoretické texty v širším geografickém měřítku a pro více lidí. Před vynálezem tisku musela být psaná hudba a texty hudební teorie ručně kopírovány, což byl časově náročný a nákladný proces. Poptávka po hudbě jako zábavě a volnočasových aktivitách pro vzdělané amatéry vzrostla se vznikem buržoazní třídy. Šíření šansonů, motet a mas v celé Evropě se shodovalo se sjednocením polyfonní praxe do fluidního stylu, který vyvrcholil ve druhé polovině šestnáctého století prací skladatelů jako Giovanni Pierluigi da Palestrina, Orlande de Lassus, Thomas Tallis, William Byrd a Tomás Luis de Victoria. Relativní politická stabilita a prosperita v nížinách spolu s prosperujícím systémem hudebního vzdělávání v mnoha kostelích a katedrálách umožňovalo školení velkého počtu zpěváků, instrumentalistů a skladatelů. Tito hudebníci byli velmi vyhledávaní v celé Evropě, zejména v Itálii, kde je církve a šlechtické dvory najímaly jako skladatele, umělce a učitele. Protože tiskařský lis usnadnil šíření tištěné hudby, Itálie do konce 16. století absorbovala severní hudební vlivy s Benátkami, Římem, a další města, která se stávají centry hudební činnosti. To zvrátilo situaci před sto lety. Opera, dramatický inscenovaný žánr, ve kterém jsou zpěváky doprovázeny nástroji, vznikla v tomto okamžiku ve Florencii. Opera byla vyvinuta jako záměrný pokus o vzkříšení hudba starověkého Řecka.

GenresEdit

Hlavními liturgickými (církevními) hudebními formami, které se používaly po celou dobu renesance, byly masy a moteta, s některými dalšími vývojy ke konci éry, zejména jako skladatelé duchovní hudby začali pro náboženské účely přijímat sekulární (nenáboženské) hudební formy (například madrigal). Mše z 15. a 16. století měly dva druhy použitých zdrojů, monofonní (jedna melodická linka) a polyfonní (více, nezávislé melodické linie), se dvěma hlavními formami zpracování, založenými na praxi cantus firmus nebo, počínaje nějakou dobu 1500, nový styl „všudypřítomné imitace“, ve kterém skladatelé píší hudbu, ve které různé hlasy nebo části napodobují melodické a / nebo rytmické motivy provedené jinými hlasy nebo částmi. Byly použity čtyři hlavní typy hmot:

• Cantus firmus mass (tenorová hmota)
• cantus firmus / imitace hmoty
• parafrázová hmota
• Napodobovací hmota (hmota parodie)

Masy byly obvykle pojmenovány podle zdroje, ze kterého si vypůjčily. Cantus firmus mass používá stejnou monofonní melodii, obvykle čerpanou z chorálu a obvykle v tenoru a nejčastěji v delších hodnotách not než ostatní hlasy. Jiné posvátné žánry byly madrigale spirituale a laude.

Během tohoto období měla sekulární (nenáboženská) hudba rostoucí distribuci s širokou paletou forem, ale je třeba být opatrný, pokud jde o explozi v rozmanitosti: od té doby, co tisk učinil hudbu dostupnější, přežilo z této éry mnohem více než z předcházející středověké éry a pravděpodobně se ztratila bohatá zásoba populární hudby pozdního středověku. Světská hudba byla hudba nezávislá na církvích. Hlavními typy byly německé lži, italská frottola, francouzský šanson, italský madrigal a španělské villancico. Mezi další sekulární vokální žánry patřily caccia, rondeau, virelai, bergerette, balada, musique mesurée, canzonetta, villanella, villotta a loutnová píseň. Objevily se také smíšené formy, jako je motet-šanson a sekulární motet.

Čistě instrumentální hudba zahrnovala hudbu choť pro zobcové flétny nebo violy a jiné nástroje a tance pro různé soubory. Běžné instrumentální žánry byly toccata, předehra, ricercar a canzona. Mezi tance instrumentálních souborů (nebo někdy i zpívané) patřily basse danse (it. Bassadanza), tourdion, saltarello, pavane, galliard, allemande, courante, bransle, canarie, piva a lavolta. Hudba mnoha žánrů by mohla být uspořádána pro sólový nástroj, jako je loutna, vihuela, harfa nebo klávesnice. Takovým uspořádáním se říkalo intabulace (It. Intavolatura, Ger. Intabulierung).

Ke konci období zazní rané dramatické předchůdce opery, jako je monody, madrigalská komedie a intermedio.

Theory and notationEdit

Podle Margaret Bentové: „Renesanční notace je podle našich standardů nedostatečně normativní; při překladu do moderní podoby získává normativní váhu, která přesahuje a deformuje její původní otevřenost “. Renesanční skladby byly notovány pouze v jednotlivých částech; výsledky byly extrémně vzácné a barlines nebyly použity. Hodnoty not byly obecně větší, než se dnes používají; primární jednotka rytmu byla semibreve nebo celá nota. Jak tomu bylo od Ars Nova (viz středověká hudba), mohly by existovat buď dva nebo tři z nich pro každý breve (poznámka s dvojitým celkem), na které lze pohlížet jako na ekvivalent moderní „míry“ sama o sobě to byla notová hodnota a míra není. Situaci lze považovat takto: je to stejné jako pravidlo, podle kterého se v moderní hudbě může čtvrttónová nota rovnat dvěma osmým notám nebo třem, které by byly psány jako „triplet“. Ze stejného hlediska by mohly být ke každé semibrevě dvě nebo tři další nejmenší noty, „minim“ (ekvivalent k moderní „poloviční notě“).

Tyto různé permutace byly nazývány „perfektní“ / imperfect tempus „na úrovni vztahu breve-semibreve,“ perfektní / nedokonalá prolace „na úrovni semibreve-minim, a existovaly ve všech možných kombinacích. Tři ku jedné se nazývali „perfektní“ a dva ku jedné „nedokonalí“. Pravidla existovala také tak, že jednotlivé noty mohly být sníženy na polovinu nebo zdvojnásobeny („nedokonalá“ nebo „pozměněna“), když jim předcházely nebo následovaly další určité noty. Poznámky s černými hlavami poznámek (například čtvrtinové noty) se vyskytovaly méně často. Tento vývoj bílé mensurální notace může být výsledkem zvýšeného používání papíru (spíše než pergamenu), protože slabší papír méně odolával poškrábání potřebnému k vyplnění pevných hlav not; zápis dřívějších časů, napsaný na pergamenu, byl černý.Rutinně se používaly i jiné barvy a později vyplněné poznámky, hlavně k prosazení výše zmíněných nedokonalostí nebo úprav a k vyzývání k dalším dočasným rytmickým změnám.

Náhodníci (např. Přidané ostré, ploché a přirozené objekty) které mění noty) nebyly vždy specifikovány, poněkud jako v některých prstokladových notacích pro kytarové rodinné nástroje (tablatures) dnes. Nicméně, renesanční hudebníci by byli vysoce trénovaní v dyadickém kontrapunktu, a tak by měli tuto a další informace potřebné ke správnému přečtení partitury, a to i v případě, že by náhodní hráči nebyli zapsáni. Jako takový „to, co vyžaduje moderní notace, by pak bylo zcela zjevné, aniž by notace zpěvákovi zběhlému v kontrapunktu. “ (Viz musica ficta.) Zpěvák by svou část interpretoval zjišťováním vzorců rytmu s ohledem na jiné části a při společném zpěvu by se hudebníci vyhýbali paralelním oktávám a paralelním pětinám nebo měnili své rytmické části ve světle rozhodnutí jiných hudebníků. Prostřednictvím soudobých tabulatur pro různé drnkací nástroje jsme získali mnoho informací o tom, které náhodné případy provedli původní praktici.

Informace o konkrétních teoretikech viz Johannes Tinctoris, Franchinus Gaffurius, Heinrich Glarean, Pietro Aron , Nicola Vicentino, Tomás de Santa María, Gioseffo Zarlino, Vicente Lusitano, Vincenzo Galilei, Giovanni Artusi, Johannes Nucius a Pietro Cerone.