10 zeitgenössische Komponisten, deren Musik Sie heute entdecken müssen

Jennifer Higdon

“ Jennifer Higdons unzählige Auszeichnungen und Leistungen sind in jeder Hinsicht beeindruckend, insbesondere in der Welt der zeitgenössischen klassischen Musik. Sie hat einen Pulitzer-Preis und einen Grammy-Preis gewonnen. Ihre Musik ist so gefragt, dass sie ausschließlich im Auftrag komponieren kann. Und sie Zu den Champions zählen hochkarätige Solisten, Ensembles und Orchester. Laut einer kürzlich durchgeführten Umfrage unter US-Orchestern ist Higdon einer der meistgespielten lebenden amerikanischen Komponisten.

„Doch Higdons auffälligste Leistung passt nicht so leicht in eine Biographie, und so gründlich hat sich ihre Musik in jede Schicht der klassischen Musikkultur in den Vereinigten Staaten gefiltert. Wenn Sie auf der Seite „Upcoming Performances“ ihrer offiziellen Website nachsehen, werden Sie feststellen, dass ihre Arbeit nicht nur vom Houston Symphony and Philadelphia Orchestra, sondern auch von Ensembles aus Kommunen, Gemeinden und Gymnasien im ganzen Land gespielt wird. An der Oberfläche scheint es eine einfache Formel zu sein: Higdon schreibt Musik, die das Publikum gerne hört und die Musiker als erfreulich empfinden. Aber ist es wirklich so einfach? „

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Lera Auerbach

“ In Zeiten von Multitasking-Gewohnheiten, polymodalen Wahrnehmungen und multisensorischen Erfahrungen wird von uns allen erwartet, dass wir Polymathen werden. Wie Vinnie Mirchandani es in seinem Vorwort zu The New Polymath (Wiley: 2010) formulierte: „Kann nicht mehr nur eine Person sein, sondern eine Sammlung von vielen.“ Aber was geht verloren, wenn man versucht, zu viele Menschen zu werden? Identität, Tiefe, Talent? Genie vielleicht?

„Lera Auerbach ist ein Polymath im ursprünglichen Sinne des Wortes – wie es von Schriftstellern und Denkern der Renaissance definiert und verteidigt wird; aber sie ist auch eine Künstlerin ihrer Zeit. Abgesehen vom Sein Als erfolgreiche Komponistin und Konzertpianistin ist sie Malerin, Bildhauerin, Librettistin und Autorin mehrerer Gedicht- und Prosabücher. Für Auerbach sind diese extramusikalischen Aktivitäten jedoch keine Dilettantismusübungen: Alle Kunstformen sind miteinander verbunden und so gestaltet, dass sie sich gegenseitig nähren und erhalten. .. „

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Sally Beamish

„In gewisser Weise war Musik Sally Beamishs Muttersprache. Ihre Mutter, eine Geigerin, brachte ihr im Alter von vier Jahren das Lesen und Schreiben von Noten bei – bevor sie ein Instrument spielen konnte, bevor sie überhaupt lesen konnte oder schreiben Sie Wörter. Sie zeichnete kleine Blumen oder Gesichter auf das Manuskript und ihre Mutter interpretierte, wie die grafische Notation klingen könnte. «Ich wollte es immer um meine eigenen Sachen zu machen “, sagt sie. „Ich habe meine eigenen Kleider gemacht, Geschichten geschrieben, gemalt …“ Als sie im Alter von fünf Jahren anfing, Klavier zu lernen, baute sie sich ein kleines Schulheft.

„Heute ist Beamish eines der geschäftigsten und wärmsten in Großbritannien angesehene Komponisten, deren Aufträge für Partituren von großformatigen Balletten und Oratorien bis hin zu Kammer-, Theater- und Solowerken dicht und schnell eingehen. Mit 60 Jahren hat sie bereits einen Katalog mit mehr als 200 Stücken, und diese Zahl steigt schnell: dieses Jahr sie hat unter anderem drei Klavierkonzerte geschrieben. Für viele Hörer ist der große Reiz von Beamishs Musik der Raum zwischen Weichheit und Stahl – ihr Talent, volkstümliche Lyrik, emotionale Offenheit und ein Gefühl für die natürliche Welt zu verbinden und eine treibende Art mit Rhythmus plus Realwirtschaftlichkeit, Direktheit, leuchtenden Orchestrierungen und strenger Handwerkskunst. Sie ist die Art von Komponistin, die genau zu wissen scheint, was sie von einem Stück erwarten möchte, und die mitfühlendste und am wenigsten pingelige Art findet, es zu sagen. . „

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Augusta Read Thomas

„Die amerikanische klassische Musik wurde im vergangenen Vierteljahrhundert von der minimalistischen Ästhetik dominiert, die als Reaktion auf das zuvor vorherrschende modernistische Denken in den Vordergrund trat. Derzeit ist es eine virtuelle Verkehrssprache in Bezug auf seinen Einfluss auf Mainstream-Komponisten. Andere blickten jedoch (nicht aus Wut und noch weniger aus Nostalgie) auf eine Zeit zurück, in der Aspekte der Moderne mit einer sich frei entwickelnden Tonalität verbunden waren, so dass neue Möglichkeiten für die Erforschung eröffnet wurden. Erst kürzlich hat dieser Ansatz wieder an Bedeutung gewonnen, wobei Augusta Read Thomas zu den führenden Vertretern zählt.

„Thomas wurde im April 1964 in Glen Cove, Long Island, geboren und studierte an der Yale University und später an der Royal Academy of Musik in London und an der Northwestern University in Chicago. Von Einflüssen zu sprechen ist oft unnötig subjektiv, doch zwei Komponisten, mit denen sie in dieser Zeit in Kontakt kam, sollten ihre Musik im direktesten und positivsten Sinne prägen.Von Jacob Druckman (1928-96) übernahm sie den Wert der Instrumentalfarbe als formale und ausdrucksstarke Komponente und nicht nur als äußeres Dressing, während sie in Donald Erb (1927-2008) das Beispiel eines Orchestrators hatte, der unübertroffen war dieser Respekt unter amerikanischen Komponisten seiner Generation. Dies gab Thomas Musik von Anfang an die Klarheit der Konzeption und die Präzision der Gesten (ob in kürzesten Instrumentalminiaturen oder in großformatigen Orchesterwerken), die im Mittelpunkt ihrer oft komplizierten Texturen und schillernden Harmonien stehen Sicherstellen, dass ihre Arbeit eine Unmittelbarkeit und Kommunikationsfähigkeit ausstrahlt, unabhängig von ihrer Komplexität und Dissonanz … „

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Unsuk Chin

„Neugieriger und neugieriger. Das Hören der Musik von Unsuk Chin kann sich wie ein Abenteuer in Alices Wonderland anfühlen. Wir beginnen in einem vertrauten Gebiet mit einfachen und attraktiven musikalischen Ideen, die sich jedoch allmählich zu komplexen und beunruhigenden Texturen verweben. Bald sind wir im Kaninchenbau und nichts ist so, wie es scheint. Die Musik erscheint stabil, bis eine subtile Veränderung der Harmonie sie in ein völlig neues Licht rückt. Perspektiven ändern sich, Motive und Melodien verdrehen und verzerren sich. Einfachheit weicht der betörenden Komplexität. Dann hört alles auf, oft mit einem Schlag vom Schlagzeug, und wir werden über die bizarre Wendung der Ereignisse nachdenken. War das alles ein Traum?

„Unsuk Chin ist seit ihrer Kindheit von Alice im Wunderland fasziniert und hat einen Großteil ihrer Musik inspiriert, insbesondere ihre Alice-Oper von 2007. Aber ihre Einstellung zur Geschichte ist unverwechselbar Die Oper ist voller Momente der Intrigen und des Staunens, aber diese stehen in krassen Darstellungen der brutalen Absurdität der Geschichte – eine fantastische, aber immer klare Vorstellung, typisch für Chin. Als in Deutschland lebende Koreanerin hat sie eine Außenseiterperspektive auf Europa Kultur, und ihre Musik hebt regelmäßig ihre tief verwurzelten Paradoxien hervor. Sie ist eine Stimme der Vernunft, die Ordnung ins Surreale bringt. Vor allem bringt sie Klarheit, wie komplex ihre Musik auch sein mag, wobei jede Note hörbar bleibt, jede Motivation klar ist … “

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Anna Thorvaldsdóttir

Bevor Anna Thorvaldsdóttir ihre Werke konventionell über die fünf Zeilen der musikalischen Daube notiert, zeichnet sie buchstäblich die m. Die makellosen Bleistiftillustrationen, die dieser Prozess hervorbringt, sind etwas zu sehen. Eine davon ist auf dem Cover – und in der Broschüre in einer vollständigeren Version – des ersten Albums abgebildet, auf dem ihre Musik und ihre Musik allein zu sehen waren: Rhízoma.

Die Zeichnung enthält noch eine konsistente holpriger Horizont von zwei fast horizontalen Linien im Kontrapunkt. Darunter sammeln sich mehrere Wurzeln zu einem einzigen, dicken Stamm, bevor sie in vier Äste zerfallen und an ihren Endpunkten nach außen ausfransen (es könnte sich um einen verbotenen Vulkan handeln; es könnte sich um eine unkrautige Rübe handeln). Gedanken in Textform sind in akribischen Großbuchstaben verstreut: In ständiger Entwicklung / Glockenartig / Ich gehe davon aus, dass die Dauer dieses Stücks ungefähr 12 bis 14 Minuten betragen wird.

Sprechen bei In einer offenen Frage-und-Antwort-Sitzung in Kopenhagen im Januar erklärte Thorvaldsdóttir, dass sie Zeichnungen wie diese als Kompositionshilfen verwendet, um „abzubilden, wohin ein Stück geht“. Aber sie enthalten wichtige strukturelle Hinweise für den Rest von uns. Bei dieser speziellen Zeichnung – einem Bild des Stücks Streaming Arhythmia (2007) – können wir nachvollziehen, wie die Biologie unterirdischer Wurzeln oder „Rhizome“ die Entwicklung der Musik beeinflusst hat. Die Skizze hat auch eine unheimliche Ähnlichkeit mit der Landschaft von Thorvaldsdóttirs Island: ein karges und sehr atmosphärisches Gelände, das durch schwarzen Felsen, dunkles Moos, stark umrissene Vulkangipfel und einen völligen Mangel an Bäumen gekennzeichnet ist.

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Olga Neuwirth

Die Musik von Olga Neuwirth (geb. 1968) ) ist reich anspielend und bewegt sich frei zwischen so unterschiedlichen Bezugspunkten wie Monteverdi, Weill, Miles Davis und Klaus Nomi. Sie hat Einflüsse von Boulez bis zu den Beastie Boys zitiert. Wenn es jedoch einen Künstler gibt, dessen ästhetischer Ansatz ihrem besonders nahe zu sein scheint, dann ist er überhaupt kein Musiker – es ist der Filmemacher David Lynch, der Außenseiter hinter Kultklassikern wie Twin Peaks (1990-91; 2017), Lost Highway (1997) und Mulholland Drive (2001). Bizarre Gegenüberstellungen, surreale narrative Wendungen, lebendige Bilder von dunkler Bedeutung: Seine Filme sind nicht nur seltsam, sondern auch unheimlich – manchmal sogar unerklärlich -, wenn sie in traumhafte Welten reisen, in denen die Standardregeln von Zeit, Raum und Sinn zu verschwinden scheinen. Musik mag ein abstrakteres Medium sein als Film, aber Neuwirths Werk beweist seine Fähigkeit, ebenso faszinierend unergründlich zu sein.Ihre Musik ist spannend und provokativ, nicht trotz ihrer Seltsamkeit, sondern deswegen.

Der Lynch-Vergleich ist einer, den Neuwirth selbst provozierte, als sie Lost Highway, den Film, den manche Lynchs seltsamste nennen, in eine Oper verwandelte 2002-03 in Zusammenarbeit mit ihrer mit dem Nobelpreis ausgezeichneten Landsfrau Elfriede Jelinek. Es ist kaum vorstellbar, dass ein kühnerer Film ausgewählt wird, um die Opernbehandlung zu erhalten, aber Neuwirths fragmentarische, mehrdimensionale Musik schafft etwas, das irgendwie der verwandte Geist des Originals zu sein scheint. An einem Punkt in Film und Oper (einige Zeit bevor er sich unerklärlicherweise in einen Automechaniker verwandelt) erklärt der Protagonist Fred, warum er keine Videokamera besitzt. „Ich erinnere mich gerne auf meine eigene Weise an Dinge“, sagt er. „Wie ich mich an sie erinnerte. Nicht unbedingt so, wie sie passiert sind. “Vielleicht verfolgt die Oper einen ähnlichen Ansatz, indem sie den Film adaptiert und in neue Formen verwandelt – hyperexpressionistische Vokalakrobatik für eine Figur, totes gesprochenes Wort für eine andere, unheimliche Falsettvokalisation für eine dritte – und dabei beibehalten die Handlung und Verbesserung der Noir-Unterströmung. Vielleicht ist es sogar das, was jede Oper tut, indem sie den Kern einer Geschichte nimmt und ihre Intensität durch abgeschnittene Textzeilen und schwungvolle Musikströme erhöht. Natürlich porträtiert die Oper Ereignisse selten so, wie sie passiert sind.

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Kaija Saariaho

Kaija Saariaho (geb. 1952 in Helsinki) ist eine der führenden Komponistinnen der Welt und eine der führenden kreativen Figuren ihrer Generation beiderlei Geschlechts. Ein wahrhaft origineller Künstler mit einem sehr ausgeprägten Musikstil und einer persönlichen Stimme, der über Jahrzehnte entwickelt und verfeinert wurde. Die Auszeichnungen, die sie im Laufe der Jahre erhalten hat, sind ein Indiz dafür, darunter der Kranichsteiner-Preis (1986), der Musikpreis des Nordischen Rates (2000 für Lonh), der Grawemeyer-Preis (2003 für ihre erste Oper Lamour de loin), der Nemmers-Preis für Komposition (2007), der Wihuri-Sibelius-Preis (2009) und der Léonie-Sonning-Musikpreis (2011).

Sie ist jedoch auch eine sehr private Person, deren Biografie weitgehend ist Unbekannt, nicht zuletzt, dass sie als Kaija Laakkonen geboren wurde: Der Markenname von Saariaho ist der ihres ersten Mannes. Sie studierte bei Heininen an der Sibelius-Akademie, zusammen mit anderen Mitgliedern einer wundersamen Generation finnischer Komponisten, darunter Esa-Pekka Salonen und Magnus Lindberg. Weitere Studien folgten mit Brian Ferneyhough und Klaus Huber; Ebenso prägende Einflüsse waren Tristan Murail und Gérard Grisey, die wichtigsten Vertreter der Spektralmusik (Musik, die Klangfarbe und Klang vor anderen kompositorischen Überlegungen platziert), die sie zu IRCAM und 30 Jahren Aufenthalt in Paris führten, zuletzt mit ihrem zweiten Ehemann Jean-Baptiste Barrière. Obwohl sie mit den orchestralen Verblendungen (1984) einen ersten Durchbruch erzielte, brach sie mit ihrem schillernden, bezaubernden Lichtbogen („Arches of Light“, 1986) in die weitere Szene ein. Seine ätherischen, hypnotischen Texturen wurden von der Aurora Borealis inspiriert, und der Einsatz von Elektronik erwies sich als prophetisch für ihre zukünftige Karriere. Noch wichtiger war die Kombination aus klanglicher Zartheit und einem inneren Stahl – was ihre Werke für das Ohr verführerisch und dennoch robust und überzeugend als Strukturen macht.

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Thea Musgrave

Einmal gefragt, ob sie Ratschläge für junge Komponisten habe, antwortete Thea Musgrave: Don nicht, es sei denn, Sie müssen wirklich; dann machst du es trotzdem. “Musgrave – die schottische Komponistin, Dirigentin, Pianistin und Lehrerin, die diesen Monat 90 Jahre alt wird – hat nach ihrem eigenen Rat gelebt. Ihre Herangehensweise, die Art und Weise, wie sie über ihre Musik spricht, die Art und Weise, wie sie Termine einhält und praktische, unkomplizierte Partituren schreibt, die sie bei Kommissaren und Orchestermusikern beliebt machen, ist klar und deutlich.

Aber unter dem Pragmatismus dreht sich in Musgraves Musik alles um Drama. Ob in ihren sengenden Opern oder in ihren nicht erzählenden Instrumentalwerken, sie ist seit langem fasziniert von dem angeborenen Drama menschlichen Verhaltens: dem psychologischen Tanz von Konversation, Interaktion, Konfrontation und Beschwichtigung. Sie ist eine Komponistin, die erkennt, dass Musik das Leben widerspiegelt, dass Musik unsere Lebensweise beeinflussen kann, dass die emotionale und sogar physische Verfassung von Musikern ein wesentlicher Bestandteil der Wirkung jeder Aufführung ist. Einfach ausgedrückt, ihre Arbeit spricht direkt und mitfühlend über uns alle. „Es gibt grundlegende menschliche Wahrheiten“, sagt sie, und diese Wahrheiten untersucht sie in ihrer Musik.

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Roxanna Panufnik

In der heutigen zeitgenössischen Musik findet eine andere Art von Revolution statt, und im Herzen liegt Roxanna Panufnik.Ihre Revolution ist nicht radikal, um die alte Ordnung à la Schönberg oder Cage komplett zu überarbeiten. Stattdessen gibt es hier eine stille Revolution, die die Kraft der Musik nutzt, um Menschen aus verschiedenen Kulturen, religiösen Hintergründen und politischen Überzeugungen zu vereinen: eine Revolution, die mehr John Lennon als John Cage ist.

In Panufniks eigenen Worten: Ich Ich bin auf der Mission, die Schönheit all dieser verschiedenen Glaubensrichtungen von den Dächern zu rufen. Es geht darum, uns zusammenzubringen. Zu oft denken wir nicht an das, was wir gemeinsam haben, sondern an unseren winzigen Bruchteil der Unterschiede. “

Die Bedeutung der sozialen und politischen Funktion der Musik ging natürlich nicht verloren Roxannas Vater. Der bekannte, vielbewunderte und hoch angesehene polnische Komponist Sir Andrzej Panufnik (1914-91) musste 1954 dem bedrückenden Nachkriegsklima seines Heimatlandes entkommen. Er kam nach London und heiratete neun Jahre später den Autor und Fotografen Camilla Jessel. Roxanna wurde 1968 geboren.

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